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Hay que Educar a Papá

Hay que quitarse los andrajos, salir del calor de la estufa, dejar la boina colgada y las zapatillas de cuadros bajo la cama y salir al Mundo, tan lleno de enormes chalets con piscina, hay que hacer turismo, integrarse en la nueva sociedad...
A pesar de que todo ello pueda costar un ojo de la cara.

Desde que convergieron en ¨La Ciudad no es para Mí¨, una de los títulos españoles más exitosos de los 60, el binomio Pedro Lazaga/Paco Martínez Soria era infalible de cara a la taquilla, sin embargo, aunque pareciera que sólo el primero supo entender su vis cómica y a la vez crítica, José Luis Sáenz de Heredia también lo hizo maravillosamente (y ¨Don ¨Erre que Erre¨ ¨ es una buena muestra de ello). Así que, tras esta corta separación, vuelven a unirse para uno esos trabajos que de sobras sabían iba a atraer al público; ahora son Mariano Ozores y Vicente Coello los encargados del libreto.
Y resulta perfecto para una adaptación cinematográfica de la comedia teatral ¨La Educación de los Padres¨, que escribió el experto en el género José Fernández del Villar allá por 1.929, siendo de las últimas de su larga trayectoria. Renombrada como ¨Hay que Educar a Papá¨, la introducción, narrada, responde a uno de los clichés del cine humorístico de la época, y deja patente el genio de la pareja de guionistas al trasladar una obra de tres actos concebida antes de la Segunda República al escenario de la España abierta al resto del Mundo, con el Generalísimo aún vivo pero ya avistándose las olas del progreso y la libertad desde las costas, atestadas de turistas...

De nuevo el de Tarragona ejerciendo de cronista social, al igual que muchos de sus coetáneos, y no hace falta entrar en detalles porque el narrador omnisciente, con toda la gracia y salero, ya realiza un análisis a fondo del paso de los años en nuestro país y la evolución a la que poco a poco se tuvo que ir adaptando cada ciudadano, señalando con desdén el catalizador principal: la influencia occidental. Y la vuelta de las edades nos lleva a estos actuales 70, casi empezados, en mitad de un melonar cuyo dueño va a lanzarse a una cosecha para él aún desconocida: la de la modernización.
Severiano es el nuevo nombre adoptado por Soria, y sin el mínimo cambio de carácter que todas sus versiones del Agustín de ¨La Ciudad no es para Mí¨. Solo que el tiempo de cambio fuerza al agricultor de aquélla a introducirse en el negocio de la construcción y la urbanización aquí; y siguiendo la línea de sus anteriores películas, el detonante del gran choque generacional sobre el cual se desarrolle la trama es el retorno de dos hijos, nada bienavenida: Esteban y Julia, y mientras él se ha codeado con lo mejor del ¨hippiesmo¨ londinense (pero todos sus amigos hablan muy bien el castellano), ella se ha convertido en la chica de un niñato (Toni) cuyo padre pertenece a la burguesía acomodada.

Y el choque es tal que saltan las chispas a las primeras de cambio. El enfoque de Coello y Ozores se desvela bastante reaccionario, parco con la influencia extranjera, que corrompe a los hijos, y claro, esa corrupción pasa al seno familiar. Julia (con la vitalidad juvenil de Pilar Baizán, y a la que dan ganas de soltarse ocho guantazos en cada carrillo cada vez que abre la boca) se ha empapado del estilo de vida fácil que a fuerza de ahorro y esfuerzo le dieron sus padres, y en su inocencia se ha dejado embaucar por el falso lujo que le ofrece Toni, hijo del ¨conde¨ de Ronda (Jaime de Mora y Aragón parodiándose con su afilado humor).
Este apego al materialismo, la frivolidad y el amor por el interés debería hacer más reacción en el padre, pero en lugar de eso, y por su hija, pasa a ser otra víctima de los nuevos tiempos. Al contrario que el Benito de ¨El Turismo es un gran Invento¨, quien aceptaba el progreso por voluntad propia y con entusiasmo, Severiano lo hace aquí resignado y a regañadientes, provocando un clima de agobio a su alrededor más mordaz que de costumbre, pero el actor da el temple y la paciencia necesarios al personaje, que en todos los casos se muestra menos sabio y más confiado en comparación con los otros que Soria encarnó.

Por tanto la adaptación, la educación por la que pasa a lo largo del film, o más bien la decadencia moral por la que le obligan a pasar, queda observada desde el clásico delirio ¨ozoriano¨, quitando hierro al asunto. Es fácil apreciar que la autoría del guión pertenece al madrileño, además de por lo anterior: las situaciones se desarrollan muy velozmente, las frases son directas y poseen ese genio del esperpento que sólo él tenía, y no faltan sus toques picantes típicos, y que más de un sentimiento de vergüenza ajena pueden producir. Lo malo, puede que sea culpa suya o de su colega, es que el conjunto siempre es irregular.
Al tratarse de un vehículo para Soria, el argumento se centra en las desventuras de su personaje, dejando a los demás eclipsados, como simples soportes; la encantadora Julia Caba Alba en su papel de esposa adaptada a los cambios está algo desaprovechada, y del mismo modo Rafael Somoza, Máximo Valverde, la belleza alemana que fue Helga Lina como la sensual madrastra de Toni, e incluso Rafaela Aparicio y Emilio Laguna haciendo de criados, merecían la atención que no se les da. Y el colofón, rodado en Canarias, es demasiado corto para lo que realmente daba...

Sobresale mejor la actitud de Ozores, Coello y Lazaga, hosca y a la defensiva, contra todo lo progresista (la rebelión ¨hippie¨ les funciona a los jóvenes gracias a la cartilla de ahorros de los padres), y la condena contra la hipocresía y miserias de las clases medias-altas y la frivolidad que corrompe a la juventud, anonada con la modernización...
Por eso la única solución que queda es emplear la fuerza con el hijo y el engaño con la hija, pasar por métodos decadentes si ello les hace volver a respetar los valores tradicionales. Está justificado en manos del entrañable Severiano, que sólo quería disfrutar de la calidez de un hogar sencillo...sin saber que más vientos de cambio, huracanes, iban a sacudir la realidad española, y poco faltaba para eso.
Pero por ahora, con el ¨Fin¨ en lugar del ¨The End¨, triunfa feliz la tradición.

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El sexo sentido

Enredo caliente a ritmo de rumba y con gotas de tequila. Las ficheras, fogosas, se remenean provocando el deseo de los hombres, que quedan como pendejos (y de la chingada) ante el descaro de ellas.
Es el puro desenfreno del sexto sentido, el que todos entienden.

Tal vez acercarse a un producto de talla baja como el que nos ocupa es hacerlo a, para la inmensa mayoría de las opiniones, la peor época que pudo vivir el cine mexicano, una atmósfera de mediocridad generalizada donde se juntaron el éxito de la industria del VHS, el apoyo del Estado a que títulos internacionales se filmaran en sus tierras, el mal uso del Instituto Mexicano de Cinematografía, destinado a propiciar un cine de cultura, o el afán por promocionar a jóvenes artistas dando la espalda a directores veteranos.
Mientras el público prefería ir a las salas a ver caras producciones de Hollywood triunfaban los géneros del terror, el policíaco y sobre todo la comedia erótica, resuelto sobre bajos presupuestos y pobre calidad. En este extraño panorama se encuentra Rogelio González, uno de esos veteranos, arrastrando tres décadas de carrera desde que le diera el éxito a la estrella Pedro Infante; como otros tantos coetáneos, el tipo tenía que sobrevivir, eso es lo único que podría explicar (porque no me interesa profundizar más allá de ello) su participación en ¨El Sexo Sentido¨, perfecto ejemplo de la decadencia mexicana ochentera.

Sólo hay que echar un vistazo a las escenas que abren la propia película, donde Adriana Vega, importada de nuestro país y malamente doblada para el caso, se contonea medio desnuda sobre la pista de una bulliciosa discoteca como si estuviese en el salón de su casa; el diálogo que mantiene con un chaval que baila con ella es un síntoma del mal gusto y la estupidez que cruzarán hasta el final esta historia cuyo tema por antonomasia es el sexo, en todas sus múltiples formas. También deja al descubierto (porque no todo van a ser cosas malas...) la habilidad de González para el exceso visual, casi surrealista, el colorido y para imprimir el ritmo adecuado a los diálogos, llenos de agilidad y simpáticos dobles sentidos.
Huelga decir que el film tiene un buen arranque. La bellísima Vega, con más tendencia a la desnudez que incluso en sus películas de ¨destape¨ españolas, de ninfómana descontrolada y adorable, tras la caza del psiquiatra Picaluga (ni más ni menos que ¨El Mimo¨ de la Peña), que parece la combinación de José Luis López Vázquez y Jerry Lewis; tras hablar en consulta sobre sus tres amantes, todos para días específicos de la semana, muy diferentes entre sí (destaca el divertido Sergio Ramos de impotente desgraciado...), uno esperaría ver a la chica, Patricia, luchando para llevarse a la cama al doctor...

Tanto más cuanto que a este le presentan como un acomplejado imbécil con el ¨síndrome de Edipo¨, y orgulloso de ello. Sin embargo, a poco que puede, la trama se va por otro sitio e inicia su desbocada introducción de nuevos personajes (tres cuartos de hora y siguen apareciendo), empezando por un ¨viva la virgen¨ (Andrés García, quien poco después dio vida al popular Pedro ¨Navaja¨) dispuesto a hacer dinero con los desnudos y encuentros tórridos de Patricia a través de un telescopio, aprovechando que la tiene enfrente de vecina.
Cunde el delirio, el enredo, los tres amantes de la chica tienen a sus propias esposas o novias, se abandona al personaje de Picaluga, aparecen otros, y entre los muchos la explosiva Rossy Mendoza (medio china, medio mexicana, no se lo pierdan) roba el protagonismo a Vega, acaparando la atención en algunas de las secuencias más patéticas de la Historia del cine (el desnudo integral en la discoteca, ¿era tremendamente necesario para la trama?). González se divierte (o no, tal vez pudieron las exigencias del productor Jorge Isaac) y apuesta por seguir aumentando el absurdo y el cúmulo de individuos en pantalla, hasta no saber muy bien qué es lo que está pasando.

Parece mentira que unas seis personas tomen parte en el guión, ya que sólo cunde el caos narrativo y la sucesión de ¨gags¨ (y desnudos) es extrañamente aleatoria; llegada más de la mitad del metraje (donde, por cierto, nuevas caras continúan apareciendo) es imposible saber los derroteros del ¨argumento¨ ni en qué personaje hemos de centrarnos. El clímax, desarrollado en una colonia nudista para añadir más carne a la libido del público, provoca ganas de vomitar.
Y pese a todo debe ser ese exceso, el humor tan ligero, los chistes tan malos y a destiempo, ese tono realmente desenfadado y tan libre de prejuicios que el espectador español puede relacionar sin problemas con el ¨destape¨ de aquellos años (la calidad de las películas dentro de este subgénero no difieren tanto entre países). Indigno sí resulta encontrarse con esto, acusando una clara decadencia, en los últimos estertores de la interesante filmografía del nativo de Nuevo León...

...quien, por desgracia, no tendría tiempo de enmendar su error por culpa del trágico accidente de coche que poco después acabó con él, a la edad de 62 años.

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Agua Tibia Bajo Un Puente Rojo

El rojo de la vida, el calor humano y la pasión carnal: arriba. El agua de la cosecha, también de la vida, la prosperidad: abajo, fluye sin parar, y milagrosamente se mezcla con el agua del mar.
Las carpas de arremolinan alrededor. Es un encuentro fascinante, una historia imposible, extraña...

Y es con la que, a sus 75 años, Shohei Imamura se retiraba del cine. Para su último trabajo, compendio de una carrera que traspasaba cuatro décadas de esfuerzos, fracasos, exilios y galardones (con ellos, y gracias a ¨Unagi¨, renació de un paréntesis que se antojaba infinito, siendo el más destacado la Palma de Oro), se fija en la colección de tres relatos (adaptando dos de ellos) ¨Akai Hashi no Shita no Nuruimizu¨, del prestigioso autor y periodista Shuitsu Henmi, la cual admitió no haber leído en el momento de su publicación, y lamentarlo, ya que le resultó ¨un entretenimiento ridículamente divertido y muy audaz¨.
Un cambio significativo con respecto a la obra es que el protagonista, un trabajador de oficina transferido a Toyama, es ahora un desempleado que deambula entre los barrios pobres de Tokyo, más acorde con el cine del director y con Koji Yakusho, que vuelve a él para un papel muy a su estilo; su lacónico y resignado Yosuke no se distancia de los individuos que interpretó para Kurosawa o del Takuro de la previa ¨Unagi¨. Así, el primer acto es una invención, y 100% Imamura, de nuevo descendiendo al mundo de los olvidados y sucios seres de la sociedad, los marginados, para descubrirnos un sinfín de riquezas, filosofías, conocimientos y humanidad.

Y por tanto, la forma en que Yosuke se introduce en la historia principal, a partir de una tontería que nada tendrá que ver más tarde, no resulta creíble; tal vez es necesario para el anterior: utilizar un elemento espiritual que entronque con la esencia fantástica del relato. La llegada a Himi está marcada por el rojo, que define el entorno, primero en el puente descrito por el vagabundo Taro, luego en la mujer cuya presencia todo lo alterará; una vez más Misa Shimizu comparte pantalla con Yakusho y su química es inmejorable, recordando su encuentro definitivamente a ¨Unagi¨.
No sólo sus Takuro y Keiko parecen extenderse, sino que evolucionan a un plano distinto de realidad, de ahí que dicho encuentro resulte una experiencia más allá de lo comprensible, y regado con el humor más surrealista que Imamura haya concebido. Saeko da la bienvenida al recién llegado con el agua que fluye de su vagina, que desciende por los canalones de su hogar y se esparce en las aguas del río bajo el puente, propiciando una mágica mezcolanza de lo increíble y lo cotidiano, de la cual los peces que por allí rondan se alimentan. Peces que, al mismo tiempo, sirven de alimento a los habitantes de la zona...

Podría ser esta una buena razón para descifrar la atmósfera extraña que pulula aquí y allá, aunque no hiciera falta. Este pueblo donde el protagonista ha terminado atrapado, y nosotros con él, se asemeja a un reino perdido, suspendido en el tiempo y el espacio, y formado por una serie de individuos cuyas reglas existenciales sólo rinden cuentas a sí mismas, siguiendo así el esquema de ¨Unagi¨ y planteándose una conexión mística entre las dos, donde una es el reverso significativo de la otra (en aquélla, Keiko se postulaba como doble de la esposa asesinada de Takuro; ahora, Yosuke es la viva imagen del antiguo amante de Saeko, quien se suicidó...).
Contra el sofocante y estéril ambiente de la capital, un paraíso entrañable de locura contagiosa impregnado del espíritu de Obayashi, arraigado a las tradiciones y superstición, en cuyos rincones uno debe perderse sin preguntar en exceso, inquietante pero de una pureza extrema (claro, los habitantes comen los peces alimentados con los nutrientes interiores de Saeko), que se va revelando poco a poco. Por tanto la explicación acerca de la ¨anomalía¨ física de la mujer, ofrecida en un ¨flashback¨ de impactantes imágenes en blanco y negro, hace que se pierda la magia, y sobra por todas partes.

No es lo único. Una historia como la de ¨Akai Hashi...¨ crece en base a lo inesperado, a los acontecimientos que puedan provocar la sorpresa del espectador; pero su irregularidad es inevitable, sucumbiendo a una cierta repetición y en última instancia sin saber hacia dónde dirigirse. Además, que a más de la mitad del metraje aún se dé la presencia de las dos anteriores subtramas (la búsqueda de la estatua del buda y el drama familiar que vive Yosuke) es molesto y ralentiza el ritmo; una vez en ese lugar atemporal, el personaje de Yakusho debería vivir un exilio completo (como Takuro o los otros tipos que él encarnó para Kurosawa (Goro en ¨Charisma¨, o el detective Takabe en ¨Cure¨) ).
Algo de intriga se gesta cuando la leyenda negra de Saeko amenaza la ingenuidad de Yosuke, y más aún cuando su pasado interfiere en el presente de ambos; el film se desliza por la amargura existencial, los celos, el deseo de una normalidad y la aceptación del placer sin prejuicios, de la búsqueda de la pureza mediante el sexo en detrimento de los valores caducos y falsos de la sociedad moderna. Taro, un soberbio Kazuo Kitamura, juega un papel importante en este aprendizaje, actuando como una especie de conciencia del protagonista, a quien asiste cuando le atormentan las dudas.

Y al igual que en ¨Unagi¨, es imposible no quedar hipnotizado por la magistral Shimizu, quien fue elegida mientras llevaba con temple su aún temprano embarazo, lo que le dio ¨una sensación de confianza y poder femenino¨ para comprender mejor a su extraño y fascinante personaje.
Imamura derriba todos los tabúes a su paso y concluye esta inclasificable experiencia vital con un colofón delirante y simbólico: ese géiser de agua vaginal fresca y pura frente a los picos del inmenso monte Tate cierra la carrera de una de las voces más poderosas del nuevo cine nipón, antes de dejarnos cinco años después a causa de un tumor en el hígado. De todos modos...¨¡Ejanaika!¨.

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El Precio de la Libertad

La película cuenta con un guión sencillo pero resulta interesante ya que cuenta como la religión rige las vidas de las personas , de esto trata la película , una joven no puede vivir su vida como ella quiere por las doctrinas de su comunidad acarreando consecuencias como perder la custodia de su hijo, la película resulta un buen drama con una buena crítica , pero lo más destacable es la actuación de Renne zellweger la cuál resulta creíble haciendo de una mujer luchadora y rebelde , su final es algo triste pero acertado .

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Mujeres Salvajes

curioso filme setentero mexicano que es una excusa para pasear mujeres semi desnudas en la playa, estamos ante una busqueda del tesoro con aire a prisonexplotation. es simplona pero para su tiempo era efectiva, aunque mas o menos uno predice como va a ir la trama.
no es la gran cosa, pero para pasar el rato cumple. olvidable

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¡Vaya un fugitivo!

Acusado sin Razón

Sinopsis:
Ryan Harrison, un virtuoso del violín idolatrado por el público, es seducido por la bella y enigmática Lauren Goodhue, que lo implica en el asesinato de su marido, un gran magnate, por lo que es detenido y condenado a muerte. Durante el traslado a la cárcel donde será ejecutado, la furgoneta resbala sobre una piel de plátano, y Ryan logra escapar. Se convierte así en un fugitivo que es perseguido sin tregua por un incansable sabueso, el teniente Fergus Falls. Lo malo es que Ryan sólo dispone de 80 minutos para resolver el crimen y demostrar su inocencia.

Leslie Nielsen me parece un gran comediante, sin duda alguna uno de mis favoritos y es el rey de la comedia absurda, antes de bodrios cómo ¨Epic Movie¨ o ¨Disaster Movie¨ se hacían buenas películas de parodias y Leslie Nielsen estaba sumergido en ellas parodiando a Drácula, James Bond, al exorcista y a Harrison Ford en ¨El Fugitivo¨ que es la película que toma como base ¨Acusado sin Razón¨ para ofrecernos 90 minutos llenos de diversión y entretenimiento absurdo que nos hace reír y despejar un poco la mente ya que con estas películas te relajas y pasas un rato agradable no como las parodias de hoy en día que lo único que logran es que te sangren los ojos y te tapes la cara de la pura vergüenza que producen.

En ¨Acusado Sin Razón¨ tenemos a Leslie Nielsen haciendo de fugitivo tomando el lugar de Harrison Ford y Richard Crenna, el mítico Coronel Trautman de las películas de Rambo hará el papel de Tommy Lee Jones como el policía astuto que le sigue la pista e intenta atraparlo pese a que siempre va un paso por detrás de el. Es una película entretenida muy del estilo de Leslie Nielsen que una vez más recurre al humor fácil y absurdo pero hay ocasiones en que los gags no son tan buenos y no llegan a causar gracia aunque claro que son pocas las veces en que eso sucede ya que así como tiene sus momentos flojos también hay unos muy buenos con momentos que te harán partir de la risa así que los aficionados de Leslie Nielsen no tienen porque preocuparse ya que estamos ante otra buena comedia aunque para mí si es una de las más flojas pero no de las peores ya que sigue causando gracia.

Cómo es habitual en estas películas no solo se encargan de parodiar una sola película sino que también hace guiños a un sinfín de películas como ¨Misión Imposible¨, ¨Con la muerte en los Talones¨, ¨Juego de Patriotas¨, ¨Braveheart¨, ¨Titanic¨ , ¨Baywatch¨ y muchas otras, todo en un tono paródico excepcional y fabuloso convirtiendo a ¨Acusado sin Razón¨ en otra buena película del desaparecido Leslie Nielsen y hasta diría que fue su última gran película ya que después vendrían bodrios cómo ¨2001: A Space Travesty¨ o ¨Kevin of the North¨ (Esquia como Puedas) que son películas que dan dolores de cabeza con el simple hecho de mencionarles.

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Frente al Tornado

Me ha parecido una buena película la cual es más drama , si se espera grandes efectos y desastres está poco tiene de eso , pero la película empieza presentando a los protagonistas dando a conocer quienes son , que hacen y detallando sus conflictos con sus familias , además de sus problemas personales, he de decir que cuenta con un buen elenco el cuál es muy convincente y hace que la película sea aún más interesante, después viene el desastre el cuál es muy realista sin exagerar ya que muestra las cosas como podrían pasar , la película termina analizando cómo el tornado cambia la vida de estas personas y es un cierre muy acertado ya que uno se pone en el lugar de los protagonistas y deja en que pensar.

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Annie Hall

El bueno de Wooly Allen nos trae en esta ocasión una película romántica donde él mismo es el protagonista (como no), y nos cuenta, de forma biográfica, en ocasiones en primera persona rompiendo la cuarta pared, toda vida y su relaciones amorosas, sobre todo con el amor de su vida, Annie Hall, interpretada por Diane Keaton.
La película es bastante divertida, con ese humor tan propio de este director/guionista/actor, que se mueve entre lo treméndamente gracioso y el puro humor tonto y absurdo que, unas veces hace más gracia que otras, pero que no le queda nada mal por lo general.
La trama tiene una forma curiosa de ser contada, y es que va dando saltos temporales aquí y allá, hasta el punto que alguna vez hasta te pierdes un poco, pero que resulta interesante y atractiva por esa originalidad.
En definitiva, no es de las que más me han gustado, personalmente, de Allen, pero se disfruta bastante.

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La Vida de Brian

La Vida de Brian

Sinopsis:
Brian nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y tronchantes equívocos le harán llevar una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en que se haya sumergida la Galilea de aquellos días, le harán vivir en manos de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.

¨La Vida de Brian¨ es el tercer largometraje del grupo de comedia inglés Monty Python tras ¨Se Armó la Gorda¨ y ¨Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y sus Locos Seguidores¨, esta divertida comedia narra la historia de Brian, un hombre que nace el mismo día que Jesus y que de adulto es confundido con el en varias ocasiones, es una película fresca y divertida con la que te echas unas buenas risas gracias a algunos momentos de humor negro y escenas absurdas, es considerada por muchos como la mejor comedia de todos los tiempos y la mejor película de los Python así que es obligatorio verla ya que definitivamente se trata de un clásico de clásicos.

¨La Vida de Brian¨ es una película de humor y así hay que tomarla, puede que a nosotros nos haya gustado y la hayamos disfrutado pero no todo el mundo se la tomó como debería ya que las personas más religiosas no la vieron con buenos ojos y protestaron en contra de ella ya que la veían como una blasfemia, tal parece que hay personas a las que todo les ofende y no se toman las cosas con humor, al parecer creyeron que la película ridiculizaba a Jesús cosa que no sucede a pesar de que si aparece en el film aunque solo unos breves minutos, además parece que fichas protestas no afectaron para nada el resultado de la película ya que recibió críticas muy positivas y fue un éxito en taquilla.

Durante unos escasos pero entretenidos 90 minutos nos iremos encontrando con una infinidad de momentos divertidos que son para partirse de la risa, por nombrar algunos tenemos la mitica escena de los soldados romanos aguantando la risa o también la escena del viejito que estaba haciendo los votos de silencio, claro esta que también hay un momento absurdo que te deja con cara de ¡WTF! cómo la escena de la nave espacial ya que a mí no me pareció nada divertida pero en fin, que una sola escena no eche a perder el resultado de una película tan divertida y graciosa como ¨La Vida de Brian¨ que también cuenta con uno de los finales más famosos con los crucificados cantando ¨Always Look on the Bright Side of Life¨, simplemente genial.

Han pasado más de cuarenta años desde que se estrenó ¨La Vida de Brian¨ pero no ha envejecido ya que si se ve hoy en día sigue siendo una película muy graciosa que así se vea una y otra vez sigue haciendo reír así que quién no la haya visto no se que espera si se trata de una de las mejores comedias de todos los tiempos o posiblemente la mejor como algunos creen así que hay que verla si o si.

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Mantícora

Manticora, ese ser mitológico del bestiario persa, con cabeza humana en cuerpo de León y cola de escorpión, un ser que es capaz de llevar el sufrimiento extremo al ser humano. Muy buen nombre para esta película.

Hay que comenzar diciendo que la base de esta película es el drama, por si alguno cae en el engaño publicitario de que su corte es fantástico.
Trata un tema tan aborrecible como lo es la pedofilia.
En casi dos horas vemos la perversa evolución de su protagonista, de brillante creatividad, como desarrollador de criaturas en una empresa de video juegos, pero con monstruos internos que le hacen lidiar con esa vida vacía que lleva y que intenta encausar, pero quien vive en la fantasía no se le da muy bien la realidad.

Su final se mantiene en tensión, ya que todo se presagiar que algo irá muy mal. Pero tiene un bofetón, muy bien ideado, que hace un cierre perfecto a esta historia.

A mi juicio, su larga extensión le juega en contra, ya que hay minutos que realmente no aportan mucho a la trama y le otorga un aspecto cansado.

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