---

Japan Organised Crime Boss

Los últimos rayos del Sol de la tarde entran por la ventana y revelan un escenario en ruinas. El yakuza suspira.
¨Nunca pude soñar: Al fin y al cabo un yakuza es un yakuza...su destino no le pertenece¨. La mujer, a su lado, no puede entenderlo.

Esta es una de las interpretaciones definitivas del gran Koji Tsuruta, anunciando, y la nombrada secuencia sirve de paradigma de ello, el ocaso del yakuza. El yakuza honorable o yakuza ¨del camino recto¨ como tan bien lo vendió Toei a lo largo de los 60, se iba a dar de bruces cuando en la década siguiente Kinji Fukasaku quebrara dicho concepto con sus ¨Batallas sin Honor ni Humanidad¨. Pero aún quedaba algo de honor y humanidad en el género y quien mejor lo representaba era el nativo de Nishinomiya, dispuesto a iniciar otra saga para la productora (de las docenas que ya había protagonizado...).
Basándose en las andaduras de la familia real Yamaguchi, Fumio Konami y Norio Osada, colaboradores del director, dan comienzo con ¨Nihon Boryoku-dan¨ a una de esas clásicas fábulas gangsteriles del momento. En retrospectiva la película se postula como todo un preámbulo de las ¨Batallas¨, en especial gracias a su prólogo, que nos sitúa en un Japón hecho añicos, arruinado y humillado tras la 2.ª Guerra Mundial, cuyo único método de supervivencia es el mercado negro, controlado por los primeros clanes yakuza. Relato narrado, colores sepia, documentación histórica, imágenes de archivo, combates filmados con nervio y cubos de sangre...Fukasaku define su particular estilo para la posteridad.

El guión nos lleva entonces al Japón actual, el del capitalismo, el de la gran industria, un imperio financiero, social y político levantado desde las tripas del repugnante submundo. Visión agria donde las haya acerca de la prosperidad económica. En este lugar también prospera otro imperio, el de la familia Danno, que a fuerza de violencia han conseguido escalar peldaños inimaginables en la sociedad. Es en este escenario de cambios donde entra Tsukamoto, tras una larga condena en prisión; muy propio de las conocidas como ¨ninkyo-eiga¨, este hombre es representado cual yakuza de la vieja escuela lanzado a una tierra extraña.
Un tipo de yakuza cuya mentalidad no encaja con los ideales del nuevo sistema. La lucha se desencadena precisamente por ello. La postura ambiciosa de Danno es la de un político corrupto, pasando por encima de quien sea por la expansión y el control absoluto de la nación, empleando los métodos más sucios mientras se regodea en su cinismo ofreciendo una imagen pública diametralmente opuesta; la del protagonista es la postura del gángster clásico, a quien le basta con marcar los límites de un pequeño territorio, alimentar a sus secuaces y mantener lejos a otros malhechores.

Lo curioso de esta historia es que Tsukamoto se encuentra con tal responsabilidad de bruces, tras ser su oyabun atacado por una banda rival y transferirle a éste los poderes, y en lugar de abandonar al clan, compuesto básicamente de jóvenes que no tienen donde caerse muertos, se queda con ellos para protegerles. Sin muchas complejidades pero con un entramado plagado de giros y subtramas, ¨Boryoku-dan¨ profundiza en el deber y sacrificio de este hombre contra la crueldad exterior, personificada en un antiguo ¨aniki¨ que ahora trabaja para Danno, o en una pandilla de drogadictos recién llegada a esta Yokohama de sangre, tiros y basura.
Sin descolgarse por el mosaico colectivo como sucederá en las ¨Batallas¨, Fukasaku introduce una galería de pintorescos secundarios que estrechan el círculo alrededor del caballero yakuza de Tsuruta, y quienes llegarán incluso a robarle el protagonismo durante buena parte del argumento. Parte de culpa la tiene el Tomisaburo Wakayama más asqueroso que pueda imaginarse, a las órdenes de esos locos sibilinamente utilizados por Danno para borrar al anterior del mapa; imagen que pone sobre el tapete el tema esencial de la película: los yakuzas modernos y corruptos contra los rectos y honorables.

Prueba de fuego: el heroinómano y esnifador de pegamento Miyahara tiene secuestrado a uno de los hombres de Tsukamoto, quien va a buscarle, y mientras el primero pega repetidamente, incluso acuchilla al segundo, éste no hace más que levantarse y soportar estoicamente la paliza, comportamiento honrado que descoloca al otro. Este sentimiento de humildad y honor vibra en el interior de un secundario metido con calzador en la historia (la verdad...), Oba, mutilado por los hombres de Danno, (interpretado por el gángster real Noboru Ando), a quien encargan el asesinato de éste para luego deshacerse de él, pero encontrando en el camino la ayuda de Tsukamoto. Mientras, los episodios de ambos con sus mujeres sacan a relucir el lado más oscuro, melancólico y romántico de la poética ¨fukasakiana¨ de este periodo.
Ellas, cerca de los hombres pero ajenas al microcosmos de miseria en el que se dejan la piel, no alcanzan a comprender la máxima básica del yakuza por la que ellos viven: luchar por el clan, mantener a los compañeros y posponer cualquier intento de ilusión, de sueño pasajero. Podemos ver cómo cada personaje hace planes pero ninguno llega a buen puerto, y sólo queda la resignación a la fatalidad y el honor, siempre el honor; el que domina al protagonista, sin embargo, se dispara tras la decisión sacrificial de Kazama (joven Bunta Sugawara que aún era un secundario en este cine).

Y de algún modo, este honor pareciera transmitirse entre los hombres que aún conservan algo de esa humildad perdida en el cinismo de los tiempos modernos (lo que lleva a momentos increíbles, ya que nada hace pensar que despojos como Tsubaki o Miyahara pudiesen mostrar el más mínimo atisbo de honor).
Pero ese es el espíritu de las ¨ninkyo-eiga¨: los caballeros que atacan de frente con cuchillos contra los gángsters del progreso que disparan por la espalda. Una delicia de matanza servida con crueldad, fango, plomo y cámaras espasmódicas para los duros de estómago.

Me gusta (0) Reportar

---

El Perro Rabioso

Murakami se ha embarcado en una aventura que le ha llevado al límite, física, psicológica y emocionalmente.
Sato, a su lado, herido, sólo puede decirle que el primer arresto nunca se olvida, pero es algo que debe hacer...

El sr. Kurosawa, que ha logrado un éxito considerable con su extraño melodrama ¨Duelo Silencioso¨, vuelve a recurrir a su sociedad independiente Eiga Geijutsu para plasmar en imágenes un guión que había empezado en formato literario influenciado por el estilo de la novela negra social; los jadeos de un perro sobre el sucio pavimento (muy controvertida escena que tuvo sus consecuencias para él) anuncian muchas cosas, un relato de supervivencia y miseria en el sentido más estricto de la palabra. Al haber concebido su historia como una novela la estructura se despliega a varios niveles.
Iniciándose la acción con la voz de un narrador, cuando el accidente ya se ha cometido: a Murakami, el policía joven, le han robado su arma en el centro de la ciudad. La vergüenza absoluta por este error abre la trama hasta lugares insospechados durante un primer acto muy largo, y todos los atravesamos junto a él; así, mientras ¨El Ángel Borracho¨ se desarrolla a partir de un único decorado, el film que nos ocupa se basa, habitual de Kurosawa, en los espacios abiertos y a la vez cerrados, en el caminar infatigable y la travesía de multitudes, expresados a partir de un montaje frenético e ingeniosos fundidos encadenados.

Filmadas por Ishiro Honda en calidad de asistente de dirección y arriesgando su propio pellejo, todas estas escenas son de una fuerza visual y estética poderosa; la búsqueda, el laberinto, una sinfonía de los bajos fondos compuesta por la carne apiñada, la miseria reunida, las paredes rotas de esos edificios medio en ruinas, y sobre todo el clima, esencial, que expresa esa agitación como un último tránsito ante la muerte: el calor sofocante de un rodaje en pleno verano, pegajoso, es también el reflejo de una sociedad oprimida, acorralada, la sociedad de la derrota y la pérdida, el desamparo, la humillación y la invasión extranjera.
Kurosawa crea un cuadro social vivo y en tensión, esbozado con la melancolía neorrealista de ¨Un Domingo Maravilloso¨ y los trazos negros de ¨El Ángel...¨. Aquí, el héroe traicionado por sí mismo, obsesionado por su doble invisible, que le ha robado su fuente de poder y la está usando en el sentido contrario a sus valores: propagar la muerte, la maldad; se seguirá el modelo de investigación policíaca de manual, y sin embargo los resortes de la intriga están perfectamente hilvanados y no parecen fruto de la casualidad. Ni siquiera la unión de Murakami y Sato, con el segundo ya indagando en el caso de la pistola robada sin saber que pertenecía al primero.

Con dicha unión, una vez más aprovechando el director la gran química que en pantalla posee la dupla Toshiro Mifune-Takashi Shimura, éste regresa también a uno de sus temas predilectos: la relación maestro-alumno y la enseñanza que extrae cada uno de ella. El policía inexperto, idealista, sigue los consejos del experimentado, quien le forma y le inicia en la ética dura de su oficio, robándole el protagonismo (Murakami desde luego ha de perderlo todo para luego valorarlo), lo que constituía el aprendizaje en ¨Sugata Sanshiro¨; sus pasos a través de los múltiples escenarios pagan su deuda con el ¨noir¨ clásico y el más puro neorrealismo.
En este sentido destaca una larga secuencia dentro de un estadio de baseball, de la cual, al estilo De Sica, Kurosawa quiere que nos sintamos parte, respirando el mismo aire viciado del público; una atmósfera de bochorno tan bien transcrita, unido al gran uso de los espacios y la profundidad de campo, cuya potencia es tal que a veces roza lo onírico (inolvidable instante en el club, donde las bailarinas danzan entre el humo de los cigarros y el sudor que resbala por sus piernas). Pero esa unión maestro-alumno culmina en un tramo demoledor donde el director desnuda su alma y predica sus ideas en boca de sus personajes, de un marcado humanismo.

Y es que el policía joven, como el criminal sin rostro a quien persigue, también fue a la guerra, y lo perdió todo al regresar. Este movimiento de separación y corrupción de valores se amplificará en ¨Los Siete Samuráis¨: mientras uno elige el camino correcto el otro elige el equivocado; el Mundo exterior es el desafío, con sus demonios, su decadencia, su maldad, que hay que evitar o amoldarse a ella. Sato es realista, de una generación anterior donde sólo hay extremos blancos y negros, y la rutina del oficio, una forma de lucidez desprovista de idealismo y a su vez de cinismo, constituye el realismo inquieto de Kurosawa, y se resume en la necesidad de compartir la responsabilidad entre la sociedad y el individuo...
En otra escena memorable, al joven, apenado por la miseria social según su visión, le insta el veterano a observar esa dulce estampa de sus hijos durmiendo, mostrándole una dimensión opuesta donde aún reside la paz. Durante el 3.er acto la trama gana en intensidad al separarse los protagonistas y quedar desprotegidos ante esa realidad violenta y deprimente, bajo el auspicio de una tormenta que presagia lo terrible; todo a partir de aquí es un encadenado de frenesí ¨in crescendo¨ con el que el nipón eleva la tensión del suspense hasta el límite para terminar con un gran impacto dramático.

Nos dejaría así uno de los clímax más recordados de su carrera y del cine en general cuando el detective se halla frente a su doble maligno, ya encarnado, para acabar ¨viajando¨ a base de golpes a los tiempos de la guerra, donde al fin ambos se pueden tratar como iguales, pero con esa línea divisoria que la sociedad les ha impuesto.
La pasión por los dispositivos del género y la dureza de la realidad documental hacen del film un logro, el gran paso de madurez del nipón, quien no obstante, y pese a un rodaje placentero, lo considerará demasiado técnico y hueco. Desde luego no hay tormenta a gusto de todos...

Me gusta (0) Reportar

---

Sky on Fire

Leyenda viva del cine, Ringo Lam resiste aún en 2.015, vuelve al ojo público, a las entrevistas y las producciones, cuando ya parecía que todos se habían olvidado de él.
No podía haber estado más equivocado. Los fans esperábamos su regreso. Aquí lo tenemos en todo su esplendor.

Incluso él se sintió abrumado cuando, tras nada menos que ocho años fuera de circulación, fuera convocado al Festival de cine de Hong Kong en New York para obtener un premio a su carrera. La razón de esto fue ¨Wild City¨, la cual le hizo lidiar con algo que detestaba: la industria del cine actual y los modos de operación de las productoras en su país; pese a todo, incluido verse obligado a abusar de las técnicas de efectos digitales, aquel esfuerzo queda como un entretenimiento más que digno en el ¨thriller¨ criminal, ese que tan bien ha sabido facturar desde hacía tres décadas.
Se siente con fuerzas, según afirma, pero la muerte de su madre le golpea de lleno. Movido por este cúmulo de sentimientos, más la promesa de conceder al actor Daniel Wu un papel protagonista en condiciones (lo intentó en la obra anterior pero se lo acabó llevando Louis Koo), concibe una nueva entrada para su mítica saga ¨On Fire¨, abandonada años atrás. Es curioso como empieza ¨Sky on Fire¨, presionando nuestros sentidos un incidente en ¨flashback¨, donde en efecto el fuego se guarda un papel importante; fuego en un laboratorio, que presagia muchas cosas. Pero todo esto pasará rápido.

Entonces nos vamos a pie de calle, entre gente corriente, y la tragedia llega de repente, en este caso a la pobre Zhen. Esto ya sí se siente un trabajo de Lam, y su impotencia por la pérdida familiar se refleja en el iracundo Joseph Chang, quien no puede hacer nada por el aparentemente incurable cáncer de su hermanastra; tal y como nos lo presentan, y teniendo como destino una importante clínica de tratamiento de enfermedades terminales, podemos suponer de este Jia que va a protagonizar un ¨thriller¨ dramático de denuncia social en el universo de la medicina, al estilo de ¨John Q.¨...
Nada más lejos de la verdad. Exigencia de productores, Lam debe garantizar espectáculo, y sin comerlo ni beberlo atrapa a esos humildes personajes en una especie de complot entre grupos donde no faltan los disparos, las persecuciones, las explosiones y las luchas cuerpo a cuerpo; coreografías imposibles se suceden sin cesar y rellenas de unas ingentes cantidades de CGI de calidad pésima. ¿En qué demonios se ha convertido esto? Al parecer, donde han llegado Jia y Zhen es a SkyOne, una empresa ultratecnológica que se erige sobre la ciudad y por encima de las nubes, como un monumento divino, indestructible.

La intriga se arma entre la guardia de seguridad del lugar, que para sí la quisiera la más avanzada organización secreta norteamericana (y que por sus brutales procederes se asemeja más bien a una organización mafiosa de alto standing), y un grupo de renegados (o lo que sean), liderado por el joven Ziwan, quien tiene cuentas pendientes con el actual jefe, Tang. El director cae en el farragoso error de meternos a empujones en todo este embrollo donde cada personaje llega con su propio punto de vista, sus propios pecados y su propio pasado, siendo el elemento codiciado, el ¨macguffin¨, unas células que regeneran los tejidos y curan el cáncer.
Pero los fines de la compañía se escoran al puro beneficio. Como de costumbre Lam lanza una crítica ácida al sistema, las grandes corporaciones y los tipejos que las gobiernan, quienes se creen con el poder de dominar el Mundo; la falta de moral y la corrupción campan a sus anchas, incluso el nivel de crueldad e insensibilidad por la destrucción y el asesinato se pasa de nauseabundo. El gran problema es que, al ser la premisa una estupidez (los dos hermanos metidos sin ton ni son en este ¨thriller¨ corporativo), el desarrollo no hay quien se lo crea, ya que todos los personajes quieren su porción de tiempo en pantalla, todos desean acaparar la atención.

Ziwan, hijo del creador de las células milagrosas, misteriosamente asesinado durante el incendio (el que vimos al principio); Tianbao, policía cuya mujer falleció por la negligencia médica del equipo de SkyOne; Yu, doctora que ve su causa noble destruida por la codicia de su marido, Tang (uno de los villanos más repulsivos de todos los tiempos). Todos desplazan a los pobres Zhen y Jia, a pesar de que dieron pie al argumento; la incoherencia se apropia del devenir de los hechos y esos matones sin cerebro que no cesan su persecución a los protagonistas redondea la cosa...
Pero a veces tienen la oportunidad de tomarse un descanso y servirnos sus dramáticas subtramas con la mayor de las frialdades, con una desafección que hay que ver para creer. Y en lugar de centrarse en la intriga de Ziwan, Lam se desmelena, eleva el nivel de acción superando en disparate a su colega Woo, pero sin cámaras lentas; aquí y allá habrá persecuciones, tiroteos, peleas y cadáveres en abundancia, necesario para llenar los tremendos agujeros del guión. Y por si no fuera suficiente, y para hacer honor al título del film, el director va más allá de lo inverosímil regalándonos un clímax donde los protagonistas deciden vengarse de Tang y su imperio del Mal.

Todo un homenaje a ¨Jungla de Cristal¨ y a ¨Hard Boiled¨ (aquél también tenía lugar en un hospital) con su punto de catástrofes más cerca de ¨El Coloso en Llamas¨. En este caso el cineasta lo deja en llamas, extiende la locura y la violencia y lo fulmina hasta que sólo quedan escombros. El espectáculo del despropósito de la acción en su más genuina concepción, el summum del paroxismo del cine hongkonés.
Por desgracia aquél muere poco después mientras duerme por causas no muy claras; una lástima que una carrera tan digna aunque con altibajos tuviera tan terrible final. Pero su legado permanece intacto y manteniendo su importancia capital en el cine de acción y suspense moderno, eso nadie se lo quitará a Ling-Tung Lam, fallecido a los 63 años.

Me gusta (0) Reportar

---

Tiro Mortal

A través de las fronteras de los recónditos estados del Sur, un inspector se embarca para dar caza a una obsesión.
Sin descanso y sin tregua, pasando por encima de quien haga falta, hasta descubrir la semilla de un imperio del Mal que amenaza la integridad norteamericana...

Sí, es cierto, el penosísimo título que la escolta puede hacerle a uno fruncir el ceño por la desconfianza, pero más allá de, por ello, parecer un inverosímil producto de acción de baja estofa facturado por la Cannon, ¨Tiro Mortal¨ es toda una curiosidad en sí misma, y no poco satisfactoria de descubrir. Desgraciadamente llega en las horas más bajas de John Frankenheimer, en el momento en que sólo es una vieja gloria más del cine que sobrevive como puede a lo largo de los convulsos 80, manejándose entre su alcoholismo y la mala suerte de ser sustituido a mitad de muchos proyectos por directores mediocres o principiantes.
Sólo un devenir tan pobre explica su colaboración, precisamente, con Yoram Globus y Menahem Golam para ¨52 Pick-up¨, segunda adaptación, y dentro de lo que cabe aceptable, de la novela de Elmore Leonard, llegada sólo dos años después de la primera. Hacen falta un tiempo para que se interese por un guión; éste, escrito por el sheriff de Los Angeles Jerry Beck, cuenta sus andanzas reales a lo largo del Sur de EE.UU. para desmantelar una peligrosa organización neo-fascista. Es un tema que prolifera en la década, y también encandila a un Don Johnson con ganas de saborear el éxito en el cine mientras disfruta de un paréntesis en la todavía en emisión ¨Corrupción en Miami¨.

De todas formas, para ser un título que tiene lugar en la peor época profesional y personal del neoyorkino, se mantiene con dignidad dentro de la misma. Pero es Johnson quien acapara la atención; deja a su Sonny Crockett en las soleadas playas para dar vida a un tipo de policía menos glamuroso, álter-ego nada disimulado del Beck real. El anterior dedica un tiempo a que lo conozcamos, a este padre frustrado divorciado, desastroso, solitario y medio alcohólico, todo un anti-héroe endurecido en su trabajo de inspector; la premisa se dispara con un cliché, el atraco a una tienda y dos asesinatos...
Es el tatuaje en el brazo del autor, un símbolo neo-nazi, lo que lleva a la historia a otra dimensión. Sin embargo los arreglos de Robert Foster (guionista en ¨El Coche Fantástico¨) nos llevan a pensar que la segunda parte del film ha sido dirigida por alguien que desea olvidarse de la primera parte; la profundización de Beck es oscura, pero rápida y escueta: a sus hijos los vemos de soslayo, mientras Penelope Ann Miller sólo aparece para meterse en su cama y revelarse la viuda del policía asesinado tras el atraco. Algo similar sucede con Bob Balaban, un agente de la condicional que ayuda al protagonista en las pesquisas tempranas...

Y de repente la trama crece, aparecen nuevos personajes, se cometen otros crímenes, y para sobrellevar su repugnante vida, el policía lo convierte en su obsesión. Situándose la acción en fechas de Navidad, lo que parecía ser una tradición en el ¨thriller¨ de Hollywood (¨Arma Letal¨, ¨Jungla de Cristal¨...), cuando éste empieza a moverse de Estado en Estado el ritmo que imprime el cineasta es tal que uno se olvida de todo lo anterior, y eso sólo lo logra alguien de veteranía y experiencia, desplegando unas dosis de violencia más crudas y despiadadas que el nivel estándar en escenas de acción, intensas pero para nada inverosímiles.
Puede que se recurra más de una vez al humor, sobre todo tras aparecer un William Forsythe en su versión de agente del F.B.I. repeinado y un tanto subnormal, pero incluso esto no desentona en el conjunto, de hecho sirve para quitarle hierro a una premisa tan espinosa y para mostrar la evolución del protagonista, quien se vuelve cada vez más paranoico e inestable mientras marcha más al Sur del país y el caso se abre a sendas insospechadas (hasta el punto de amenazar de muerte a un psiquiatra de la policía que puede apartarle del caso...). Esas sendas nos acercan al fanatismo de la supremacía blanca y el racismo recalcitrante tan predicados en ciertos estados del país.

Frankenheimer, que dirige a lo Walter Hill o John Flynn, sin concesiones ni florituras estéticas, no tiene miedo de volver a la temática de ribetes políticos o de denuncia social alrededor de ideologías fascistas/racistas, las cuales ya tratara en su anterior ¨El Pacto de Berlín¨, aunque eso desate las comparaciones con ¨El Sendero de la Traición¨, realizada en las mismas fechas por Gavras. La presente se mueve, de todas formas, dentro de los límites de la acción con estrella, pero conducidos con mucha más inteligencia que otros del momento (sólo hay que pensar en ¨Tango y Cash¨, ¨Road House¨ o ¨El Cadillac Rosa¨...).
Las escenas climáticas, filmadas en el túnel subterráneo, es una muestra más de las habilidades del director para atrapar, en este caso literalmente, al espectador del mismo modo que a sus personajes y exponer su vulnerabilidad ante el peligro. Johnson, imitando a Gibson en ¨Arma Letal¨, es más un anti-héroe en la tradición ¨hammettiana¨, arrastrado por el nihilismo, la violencia y la amargura, pero a su lado los secundarios palidecen, incluso si lo acompañan los eficaces William Traylor, Tim Reid o Michael Higgins. A Miller y otros el guión se los quita de encima y parece no molestar demasiado hasta que al final uno se pregunta dónde se metieron...

El sr. Foster tampoco atina en última instancia, y su primera vuelta de tuerca de las dos que habrá con respecto a la identidad del homicida de la tienda de comestibles, es muy reprochable.
Para conservar el tono negro de la historia, más acorde al cine de Frankenheimer, esa identidad nunca tendría que haber sido descubierta y el policía marcharse habiendo fracasado, pues al fin y al cabo Beck es un perdedor, no un héroe. De todas formas el entretenimiento está asegurado con esta versión tétrica de Crockett.

Me gusta (0) Reportar

---

Magia a la Luz de la Luna

De un encuentro fortuito a un hechizo instantáneo. ¿Cómo creer en lo que no se puede ver cuando todo es mentira y no lo parece, y cuando todo es realidad desmentida?
¿Se puede creer en el amor producido por ese polvo mágico inhalado que flota en el aire?

Aparentemente sí, como se nos quiere hacer ver. Es envidiable la rutina de trabajo mantenida por Woody Allen, quien lleva estrenando una obra por año pese a las adversidades exteriores; y a comienzos de aquel 2.014 no pudieron presentarse peor tras aparecer la famosa carta de Dylan Farrow acusándole de agresor y pedófilo, abriéndose aún más unas heridas que no dejaban de sangrar desde 1.992. Y pese al renovado odio de medio Mundo contra su persona sigue refugiándose en el cine, sin alterar esa rutina; y puede dar todas las excusas que desee, hablando de cómo se inspiró en la vida de Houdini o William Robinson, pero ¨Magia a la Luz de la Luna¨ le serviría sobre todo de válvula de escape.
Europa siempre ha estado ahí para él, y cuando las cosas se ponían feas no dudaba en irse allá a filmar (y al parecer con más asiduidad). Un rodaje en Francia es un paraíso despejado de la tormenta mediática norteamericana, y ese es el motivo de que nos sirva, en un envoltorio tan delicado y elegante, el proyecto presente, donde de nuevo (y por enésima vez) la magia es el elemento fundamental del mismo, ¿y qué mejor lugar para evadirse que esa Europa de los años 20? Allí nos lleva y no tarda en introducirnos en un gran espectáculo de prestidigitación.

Bellamente filmado, Darius Khondji consigue unos tonos de luz cálidos y unos colores sugerentes que magnifican la película, mientras Colin Firth (ese gran actor a quien nunca se le ha elogiado lo suficiente) se transmuta en un álter-ego poco disimulado de Robinson bajo el alias ¨Ling-Soo¨. Pero no deja de ser otra versión más del desagradable artista demasiado cínico y egocéntrico como para pensar en que hay algo más que la gris realidad de la que él es parte y a la que contribuye, un clásico personaje ¨alleniano¨; en Stanley podrían combinarse amargamente aquel Leopold de ¨La Comedia Sexual de una Noche de Verano¨ y el más reciente Boris de ¨Si la Cosa Funciona¨.
El director sugiere a éste como un hábil cazador de médiums estafadores, y su próximo objetivo va a ser una hermosa muchacha que ha encandilado a una familia francesa rica con sus supuestos poderes mentales. Así que, sin mucho lustre, se pretende el desenmascarado de alguien que no es quien dice ser, con todo el asunto mágico alrededor, tal cual sucedía en ¨Scoop¨...pero cambiando los roles de género, siendo Stanley el detective y Sophie la investigada. Y toda esta artimaña de identidades y apariencias da pie a lo mismo que aquella simpática obra rodada en Londres: a convertirse en una sofisticada comedia de enredo en la pura tradición del género.

A través de escenarios ostentosos y puesta en escena sencilla, Allen nos conduce en su regocijo de sacar el lado más empalagoso, cursi y algo malévolo e idiota de las clases altas y la burguesía, todo lleno de personajes pseudointelectuales cuyos diálogos aglutinan una imparable charlatanería ¨snob¨ hasta la náusea. Sólo Sophie, como le sucederá a Stanley, nos saca del tedio, una Emma Stone más adorable que nunca que enamora con su sonrisa, su mirada cándida, su excéntrico carácter, su determinación firme y sus maneras algo burdas. Ese personaje femenino tan peculiar del universo ¨alleniano¨.
El flechazo entre la pareja protagonista, de increíble química, es una delicia para los fans del empacho amoroso, y sin embargo debería haber sucedido más tarde para aprovechar el impacto de la verdad revelada...pero sobre todo sin que se nos informe de todas las acciones que llevan a cabo los personajes, el antes-durante-después que priva de misterio y sorpresa al argumento (eso sí es un truco sucio). Cuando dicha verdad llega con dureza a los oídos de un Stanley incapaz de plegarse a ver más allá del mundo real no es creíble (su opinión varía en un abrir y cerrar de ojos todo el tiempo), y él y Sophie quedan vagando en una especie de vacío, sin saber el guión muy bien adónde dirigir su relación.

Pero hay una espinosa sensación que se acrecienta llegado este 3.er acto, cuando las cartas se ponen sobre la mesa y las identidades falsas caen, y viene dada por el curioso reflejo que conforma la propia película sobre la realidad del cineasta, marcada por la decepción y el trauma, cuando éste (como Stanley tras ser hechizado con la nueva visión mágica del mundo que le ha dado Sophie) es sacado a golpes de su tranquilo refugio de privacidad. El rodaje de ¨Misterioso Asesinato en Manhattan¨ fue su escapada feliz para salir del escándalo mediático, pero aquí pareciera cargar contra los recientes problemas de su vida de manera directa.
En una torcida representación de su hija Dylan, Sophie engaña y traiciona a Stanley (un Allen más joven) manipulada por Howard Burkan, su amigo de toda la vida pero a quien odia en secreto (¿versión masculina de Mia Farrow?); la desenmascarada defiende su derecho a engañar y traicionar y Stanley/Woody la llama impostora mientras Howard/Mia se regocija en su juego de mentiras (no parece algo casual esta extraña maniobra del guión, donde el mago despierta repentinamente del sueño cayendo en la cuenta de que es inútil creer en algo que no sea la cruda realidad ni en alguien que no sea él mismo...).

Por eso precisamente lo que pretende proponer en la resolución, tan propia de las ¨screwball¨ románticas, es harto vergonzoso, un sinsentido cursi, que además echa por tierra el carácter determinante, egoísta y despiadado de Sophie.
A sus 79 años, el neoyorkino prosigue enfrascado en su universo imperturbable y petulante, lejos del asqueroso mundo exterior y sus seres infames; quizás es mejor quedarse como Stanley, bajo ese hechizo que lo hace ver todo mucho más luminoso, romántico, mágico. Insisto en que Stone nunca estuvo ni estaría tan hermosa como aquí...

Me gusta (0) Reportar

---

J.F.K.: Caso Abierto

J.F.K.: Caso Abierto

Sinopsis:
El fiscal de Nueva Orleans Jim Garrison (Costner) reabrió el caso del asesinato del presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy y presentó cargos contra algunas personas. Después de entrevistar a numerosos testigos de Dallas y a personas relacionadas con los hechos, mantuvo la tesis de que el magnicidio fue fruto de una conspiración en la que podrían haber intervenido el FBI, la CIA y el propio vicepresidente Lindon B. Johnson.

¨J.F.K.: Caso Abierto¨ es una película dirigida por Oliver Stone que narra la investigación sobre el asesinato del presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy y las posibles conspiraciones que hubieron contra el. Existen varias teorías sobre el asesinato del presidente Kennedy y muchas de estas proponen una conspiración que envuelve a la mafia, la CIA, el FBI y hasta el mismo gobierno. Si leemos un poco sobre Kennedy nos podemos dar cuenta que era un tipo con anhelos de paz, justicia y diálogo, quería cambiar las cosas y pensaba de una manera diferente pero hay quienes no estaban de acuerdo con lo que proponía así que no me parece para nada raro que quienes no estuvieran de acuerdo con su manera de pensar hayan tomado la opción de silenciarlo.

Lo indignante es que le hicieron creer a un país entero que el asesinato de Kennedy fue obra de un solo hombre que fue Lee Harvey Oswald, resulta que ese tal Oswald disparó tres veces con un rifle de repetición manual en 5,6¨ y le ocasionó nada menos que siete heridas a Kennedy y a Connaly, causándole la muerte a Kennedy con un disparo que le hizo estallar la cabeza y perder una tercera parte de su masa cerebral. El caso es que lograron detener a Oswald y antes del juicio un tipo llamado Jack Ruby lo mata a quemarropa y el asunto se da por terminado, lo peor es que el pueblo se lo creyó pero tres años después el Fiscal de Distrito de Nueva Orleans Jim Garrison reabrió el caso dando inicio a esta interesante investigación que nos mantendrá pegados a la pantalla durante tres horas y veinte minutos.

Kevin Costner hace un excelente trabajo interpretando al fiscal Jim Garrison, siempre he admirado a Kevin Costner y me parece un actor brillante, he visto la mayor parte de su filmografía la cual está repleta de grandes películas como, ¨Los Intocables¨, ¨Robin Hood¨, ¨Bailando con Lobos¨ o también de películas infravaloradas como ¨El Misterio de la Libélula¨ o grandes fracasos como ¨Waterworld¨ que tampoco es que sea un bodrio ya que de mi parte la encuentro muy entretenida, Kevin Costner es un actorazo tremendo y en ¨J.F.K.: Caso Abierto¨ vuelve a demostrarlo ya que realiza uno de los mejores papeles de toda su carrera.

Kevin Costner está enorme pero hay otros grandes actores que también sobresalen y brindan unas actuaciones increíbles como Tommy Lee Jones quien fue nominado al Óscar en la categoría de mejor actor de reparto, otro que también se lleva la palma es Gary Oldman interpretando a Lee Harvey Oswald ya que lo hace de una manera increíble y otro legendario actor que también nos brinda una actuación brutal es Donald Sutherland quien solo tiene una breve participación pero esos escasos minutos son suficientes para que brille en pantalla y sea uno de los personajes más interesantes de la película.

El reparto lo completan Michael Rooker que de vez en cuando se lucía con buenos papeles siendo el que hace aqui uno de ellos, también contamos con la presencia de Sissy Spacek quien fue Carrie en el mítico film de Brian de Palma aparece como la esposa de Kevin Costner junto con otros actores de gran calibre como Kevin Bacon, Joe Pesci, Jack Lemmon, Walter Matthau, John Candy, entre otros. Definitivamente un casting de lujo repleto de grandes estrellas dónde cada quien cumple con su papel.

¨J.F.K.: Caso Abierto¨ es un verdadero peliculón, para mí es la mejor película de Oliver Stone que también dirigió grandes producciones como ¨Nacido el 4 de Julio¨ o ¨Platoon¨ pero aquí estamos ante su obra maestra. Dura tres horas y veinte minutos claro que se llegan a sentir pero cada minuto de ella se disfruta y es algo así como cuando una serie nos engancha y nos parece tan buena que hasta somos capaces de ver 10 capítulos de un solo tirón. Tiene un excelente montaje con fotos y videos de la vida real, las actuaciones son impecables y la banda sonora a cargo de John Williams es muy buena así que de mi parte no le encuentro nada negativo ya que es una estupenda película cargada de misterio, intriga y drama que culmina con una fascinante escena de juicio dónde se nos explica la teoría de la bala mágica y dónde se nos muestra la película Zapruder donde vemos el momento exacto en el que le estalla la cabeza a Kennedy, no tengo nada más que decir sobre esta tremendo peliculón así que un 10/10 para este pedazo de obra maestra.

Me gusta (0) Reportar

---

Gotti

Pese a que la película no es un desastre y se puede sobrellevar, no se puede evitar la sensación de que está totalmente desaprovechada. Podría sacar más sustancia de este personaje en un documental básico sobre él que en esta película. Mi problema está en que un personaje tan complejo y con tanta historia vital como John Gotti queda desaprovechado en una película bastante mediocre.

La película no sabe en que centrarse. Intenta centrarse en la violencia pero no lo hace en absoluto, también lo intenta en la historia y tragedia familiar (punto fuerte de la peli, ya que aquí si consigue centrarse) y también en su escalada dentro de la Familia. No me convence.

Travolta hace un buen papel, con muy buena caracterización, como de costumbre, derrochando carisma. El resto de actuaciones se nota que tienen mucho menos peso, aqui el lucimiento es solo para el prota.

Me gusta (0) Reportar

---

Fedora

Willy Wilder nos presenta en esta ocasión una película que se nota que es muy personal, donde plasma su amor por el cine, mostrándonos una sobrecogedora historia que no dejará a nadie indiferente.
Contándonos, con diversos saltos temporales, la historia de Fedora, una actriz muy muy grande en su momento, ya retirada del cine y viviendo de forma totalmente aislada, a la que un productor que la conoció en su momento y tuvieron un affaire, está buscando para proponerle que vuelva a la pantalla para una película producida por él.
Es una historia llena de intriga, donde vemos al protagonista hacer todo lo que puede para llegar a esta escurridiza mujer, que esconde un inesperado secreto que poco a poco se irá desenvolviendo.
Con ciertos elementos, poquitos, pero suficientes para darle el toque perfecto, que recuerdan a su obra maestra ¨El Crepúsculo de los Dioses¨, y con una historia que te mantiene en vilo de principio a fin, Wilder consiguió de nuevo crear una película muy digna de verse.

Me gusta (0) Reportar

---

Forrest Gump

Película: ¨Forrest Gump¨ (1994).

Hace muy poco realice un viaje a Miami y me encontré con la famosa cadena de restaurantes ¨Bubba Gump¨ el cual visite sin ver la película y pues me pareció tan maravilloso que esa misma noche la vi y la cinta me sorprendió bastante. Una historia muy bien lograda, mostrando de manera sencilla temas muy complejos. Diálogos correctos. Actuaciones muy buenas. Personajes excelentes.De ritmo anda muy bien, ni se sienten sus más de dos horas. Muy buena banda sonora. Desarrollo correctos y un tremendo final.

Mi puntuación para ¨Forrest Gump¨ es 9 de 10 posibles. Prefiero hacer un critica breve, pues no hay nada malo en esta cinta, al contrario, es una cinta espectacular que todos deberían ver en algún momento. Recomendada.

Tabo.

Me gusta (0) Reportar

---

El Gran Torneo

El Gran Torneo

Sinopsis:
Cada siete años se lleva a cabo “El Torneo”: una batalla entre los treinta asesinos más peligrosos del mundo. El vencedor recibirá un premio de de 10.000.000 de dólares y el título de número 1 del mundo.

¨El Gran Torneo¨ es una película de acción simple pero efectiva con un ritmo trepidante cargada de muchísima acción donde hay persecuciones, tiros, sangre, violencia y explosiones, eso es lo único que nos puede ofrecer pero a mí no me molesta para nada ya que eso es lo único que se le exige a una película de este estilo y esta cumple en todo eso así que créanme que es una película que no decepcionará a aquellos que solo busquen acción, muerte y violencia por doquier.

El argumento es sencillo y no se anda con rodeos ya que va a lo que va, se nos dice que existe un torneo de asesinos dónde todos se enfrentan y tienen que matarse hasta que solo quede uno con vida, los asesinos se buscan y se matan gracias a unos chips que tienen implantados y la poderosa organización que está detrás del evento hace pasar todos los desastres como accidentes, atentados y demás para que nadie sospeche nada.

Entre este grupo de asesinos vemos a varias caras conocidas como a Ving Rhames quien ganó el torneo pasado pero participa de nuevo cuando se entera que el asesino de su esposa también participara en el, otro participante es un padre alcohólico interpretado por Robert Carlyle que accidentalmente se traga uno de los chips y por esa razón es que se ve involucrado en toda esta masacre, también están Kelly Hu y hasta Scoot Adkins aparece por ahí haciendo lo que mejor sabe hacer pero es una lastima que su participación sea un poco escasa.

Si se ve ¨El Gran Torneo¨ como un simple producto de acción para pasar el rato funciona bastante bien ya que lo que tiene de sobra es entretenimiento, no hay que matarse la cabeza con ella ni buscarle alguna lógica sino que solo hay que sentarse y ver como estos habilidosos asesinos se matan entre si porque créanme que así se disfruta mucho mas.

Poco hay que decir de una película donde la acción sobresale mas que el argumento pero igual la película aprueba y vale la pena así que a aquellos a los que les gustan películas tipo ¨Los Condenados¨ o ¨Death Race¨ pues esta también vale la pena para ver un domingo en casa y relajarse un rato.

Me gusta (0) Reportar