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Tres adioses

La verdad es que la puse un poco al azar, sin esperar nada especial, y al final me dejó bastante buen rollo. Sobre el papel parece otra comedia romántica con toque melancólico de las de siempre, pero por alguna razón me entró muy bien.

No sé si fue el día que tenía o simplemente el tono de la película, pero me resultó muy agradable. Tiene una atmósfera cálida y tranquila que hace que te relajes bastante mientras la ves. Me ayudó incluso a desconectar un poco de cosas personales que llevaba encima.

Los personajes se sienten cercanos y las emociones no parecen forzadas, algo que no siempre pasa en este tipo de pelis. Al final fue una sorpresa bastante maja para haberla elegido sin pensarlo demasiado.

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Cuando Todo está Perdido

Desde el minuto uno te mete en una situación bastante desesperante: un tipo completamente solo intentando salir adelante mientras todo empieza a torcerse. La película básicamente es eso, una lucha constante por sobrevivir cuando las cosas no dejan de empeorar. No hace falta saber nada del mar ni de barcos para seguirla, porque al final va más sobre resistencia personal que sobre técnica. De hecho, yo no tengo ni idea del tema y aun así me mantuvo enganchado viendo cómo el protagonista se las apaña como puede.

Es una película muy peculiar, sobre todo por lo poco que se habla. Hay larguísimos tramos sin diálogo y aun así funciona, porque todo se cuenta con gestos y acciones. También transmite una sensación de encierro curiosa teniendo en cuenta que transcurre en medio del océano, como si el espacio abierto no significara libertad sino todo lo contrario. A ratos te preguntas si lo que hace es realista o no, pero tampoco importa demasiado porque lo que vende es la tensión y la sensación de estar completamente a la deriva.

Más que una historia sobre navegación, es una historia sobre aguantar cuando todo se pone en contra. Tiene ese mensaje simple pero potente de seguir adelante aunque el mundo no te dé tregua. No es una peli para todos, es lenta y muy minimalista, pero a mí me pareció bastante absorbente y distinta a lo habitual.

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Hamnet

Excelente película nominada al Óscar en una nominación bien merecida.
Las actuciones, la ambientación de época, el vestuario, las locaciones, los personajes, todo es perfecto.
Tiene un ritmo bastante lento y pausado pero no aburre ni decae en ningún momento.
El final puede legar a emocionar.
Recomendable!

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Crash (Colisión)

Me dejó bastante impactado, más por lo que plantea que por cómo lo cuenta. Es una de esas películas que cruzan varias historias y personajes para mostrar cómo todos estamos conectados de alguna forma, especialmente cuando se trata de prejuicios, miedos y tensiones sociales. No ofrece respuestas fáciles ni finales cómodos, y eso es precisamente lo que la hace interesante.

Lo que mejor funciona es cómo muestra a personajes muy humanos, llenos de contradicciones, capaces de lo peor y también de lo mejor. Nadie es completamente bueno ni completamente malo, y eso hace que el espectador se vea reflejado en algún momento, aunque no quiera. El guion es inteligente y provoca reflexión sin parecer un sermón, lo cual se agradece bastante.

No es una peli ligera ni para ver sin pensar. Busca incomodar un poco y hacer que te cuestiones cosas después de verla. Puede que no sea perfecta, pero tiene fuerza y deja poso. De esas que te hacen hablar de ella cuando se acaba.

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Encuentro en el paraíso

Cuesta encontrarle algo rescatable a una película que convierte una relación claramente desequilibrada en el centro de su supuesto romance. Lejos de ofrecer una mirada compleja o crítica, el relato se mueve en una dirección incómoda al presentar comportamientos hirientes y actitudes condescendientes como si formaran parte natural de una historia de amor. Lo que debería despertar rechazo se envuelve en un tono dramático que intenta justificar dinámicas profundamente cuestionables, dejando la sensación de que el conflicto no busca analizarse, sino normalizarse.

A lo largo del metraje, la relación principal se construye sobre una evidente falta de responsabilidad emocional por parte de uno de sus protagonistas, lo que genera una narrativa donde el desequilibrio se mantiene sin consecuencias reales. En lugar de plantear una evolución hacia el respeto mutuo o el entendimiento, la película insiste en una dinámica en la que uno impone, mientras el otro parece obligado a aceptar. Este enfoque no solo resulta frustrante a nivel narrativo, sino que también transmite una visión distorsionada de lo que debería ser una relación basada en el apoyo y la consideración recíproca.

El mayor problema es que todo ello se presenta bajo un prisma romántico que intenta suavizar lo que en realidad es un retrato tóxico. La ausencia de una reflexión clara o de un cuestionamiento real convierte la propuesta en una experiencia incómoda y, en cierto modo, irresponsable. Más que una historia de amor, lo que queda es la sensación de estar ante un ejemplo equivocado de cómo representar los vínculos afectivos en pantalla, un enfoque que no solo decepciona como ficción, sino que también lanza un mensaje difícil de defender en pleno presente.

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El Viaje más Largo

Al final funciona como un drama romántico pensado para emocionar sin complicarse demasiado, mezclando una historia de amor actual con otra del pasado que termina teniendo más peso y profundidad que la principal. La parte veterana es la que realmente engancha y aporta el componente más sensible, mientras que la trama joven se mueve por caminos bastante previsibles aunque entretenidos. Visualmente es muy agradable y tiene un tono melancólico que acompaña bien toda la narración, así que aunque no sea especialmente original, se deja ver con facilidad y cumple si buscas algo sentimental y bonito de ver.

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El Vuelo del Halcón

Producción histórica ambientada en la Edad Media que se centra en un pequeño grupo de montañeses obligados a plantar cara a un ejército invasor mucho más poderoso. La trama gira alrededor de la defensa del territorio, el orgullo por la tierra y los lazos familiares, con un tono claramente épico que intenta mezclar aventura, romance y batallas a gran escala.

A nivel visual la película es bastante resultona. Se nota el esfuerzo en recrear un entorno espectacular, con paisajes montañosos muy bien aprovechados y un diseño de producción que busca dar sensación de gran presupuesto. Las escenas de combate están bien organizadas y, aunque abusan un poco del efecto digital, logran transmitir cierta épica. También hay espacio para una historia sentimental que intenta equilibrar tanta guerra y violencia.

No todo es perfecto. El desarrollo se vuelve irregular en algunos tramos y el conjunto no siempre alcanza la intensidad que promete. Aun así, se deja ver con interés gracias a su ambientación y a ese aire de aventura clásica que intenta recuperar. Sin ser imprescindible, es una propuesta entretenida para quien disfrute del cine histórico con batallas, paisajes y un toque romántico.

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Templario

Competente y entretenido film de acción histórica, dirigido por Jonathan English (“Minotaur”, 2006).

Inglaterra, 1215. El déspota rey Juan I de Inglaterra, conocido como Juan Sin Tierra, decide no respetar los acuerdos de la Carta Magna recientemente firmada con los barones ingleses, desatando una guerra civil. Apoyado por un grupo de mercenarios, decide eliminar a todos quienes le humillaron en tal instancia, en especial recuperar el castillo de Rochester.

La Primera Guerra de los Barones (1215-1217) fue una guerra civil en el Reino de Inglaterra en la que un grupo de grandes terratenientes rebeldes, conocidos comúnmente como barones, se levantó contra el rey Juan I. El monarca había tenido una serie de desastrosos enfrentamientos con el rey Felipe II de Francia, que llevarían al colapso del Imperio Angevino (es decir, la pérdida de los territorios ingleses en Francia), lo que le llevaría a ganarse el humillante sobrenombre de Juan Sin Tierra. A su regreso, Juan se encontraría con la insurrecta actitud de los barones, quienes no estaban dispuestos a tolerar su fallido liderazgo y tiránico reinado. A cambio de renovar su lealtad al rey, y aprovechando su débil posición, le hicieron aceptar y acatar la Carta Magna, que firmaría el 15 de junio de 1215. Este documento, considerada la primera constitución civil de Occidente, reducía considerablemente el poder real y otorgaba poderes a los barones para incluso anularlo si lo consideraban pertinente. Decidido a no respetar el acuerdo, y ante la alianza de los barones con el príncipe francés Luis, futuro rey Luis VIII de Francia, a quienes los barones invitaron a “invadir” para derrocar a Juan, este se reagrupó huyendo a Winchester, desde donde planeó recuperar su reino ante la arremetida del príncipe Luis quien conquistó algunos territorios, siendo proclamado rey de Inglaterra, pero sin ser coronado.

Dentro de este conflicto, uno de los puntos estratégicos más importantes de la guerra civil con los barones, ya convertida en guerra de reinos por la participación de Luis, a pesar de que el príncipe no contaba con el apoyo de su padre Felipe II y el papa Inocencio III, fue el control de los castillos de Dover, Windsor y Rochester. Los dos primeros estaban en manos del bando real y resistieron heroicamente los asedios de las fuerzas francesas de Luis, sin embargo, el caso de Rochester sería distinto, ya que terminaría siendo tomado por los barones rebeldes y convirtiéndose en un problema mayor para Juan, quien se propuso asediarlo y tomarlo. De acuerdo a un cronista de la época, que documentó el hecho, jamás había visto «un asedio tan duramente aplastado ni tan fuertemente resistido» por los rebeldes. El asedio fue brutal por parte de las fuerzas reales y mercenarias de Juan, con tácticas militares que fueron desde la utilización de catapultas hasta el uso de grasa calentada para derribar una de las torres del castillo, resultando finalmente tomado por el inglés casi dos meses después, cuando la guarnición de rindió por inanición.
Este violento y verídico suceso sirvió de inspiración a Jonathan English, guionista y director británico que tenía a su haber en su momento los discretos films de drama “Nailing Vienna” (2002) y fantasía “Minotaur” (2006) para concebir “Ironclad” (2011), cofundando junto al productor Rick Benattar (“Shoot “Em Up”, 2007) y Andrew Curtis (“The Ecstasy of Wilko Johnson”, 2015), la productora independiente Mythic International Entertainment. English concebiría un tratamiento de guión junto a Erick Kastel que interesó a varios inversores en el Festival de Cine de Cannes de 2008 y que incluso logró reclutar a James Purefoy como Marshall, Paul Giamatti como el rey Juan e incluso a Megan Fox para el papel de Isabel, la joven y bella esposa de Cornhill, señor del castillo de Rochester. Lamentablemente, se produciría una disminución de la financiación disponible en 2009, obligando a reducir el presupuesto de la película y se modificando todo el reparto secundario, con la excepción de Purefoy y Giamatti. El productor Andrew Curtis señalaría en una entrevista posterior que el asunto se complicaría tanto que terminaron acreditando a 18 productores ejecutivos (inversores). Finalmente, el presupuesto final logrado fue de US$25 millones.

En la tradición de “Centurion” (2010) de Neil Marshall, basada vagamente en la desaparición de la Novena Legión del Imperio Romano en Caledonia a principios del siglo II D.C., “Ironclad” (2011) es una película cuyo mayor mérito estará en recrear un hecho histórico con un tono muy violento y directo, de acción frenética, sin tapujos ni consideraciones. Considerando esto, cabe señalar que al basarse en un suceso real el guión funciona como relato estructurado, aunque no profundice mucho en los personajes y tienda un poco a estereotipar a algunos de ellos. Sin embargo, English es honesto en ello porque siente que lo más importante del guión no son los personajes per se, sino un hecho histórico digno de ser recreado y llevado a la gran pantalla, cuyo desencadenamiento se explica casi sólo por las acciones tomadas por los protagonistas reales de dicho evento y sus intereses. Por lo demás, “Ironclad” (2011) busca y logra recordar al espectador lo violenta y descarnada que ha sido la historia de la humanidad, especialmente en lo que respecta al ejercicio del poder en tiempos pasados. Concretamente, no tiene empachos en mostrar la miseria, la enfermedad y la guerra como flagelos impenitentes del Medievo, a la par que también incursiona en la tiranía real y en el idealismo de las otras clases sociales, desde la aristocracia (los barones) hasta las clases trabajadoras (soldados, herreros y hasta bandidos).
Ciertamente, el guión de “Ironclad” (2011), escrito por Stephen McDool, toma de inspiración el asedio del castillo de Rochester y respeta varios aspectos del hecho histórico, pero también asimila sus propias licencias en aras de poder otorgarle mayor dramatismo y fundamento a la rebelión contra el rey Juan, lo cual, por supuesto le otorga su propia personalidad, aunque se gane el rechazo de los más puristas que defienden la fidelidad de los hechos históricos recreados. Considerando las obvias distancias, he de decir que “Ironclad” (2011) no peca más en este aspecto que lo que hizo la obra maestra del cine medieval “Braveheart” (1995) de Mel Gibson, si bien se puede conceder que la película que hoy reseño carece de la épica narrativa del film que enaltece al héroe nacional de Escocia, William Wallace. Con todo, “Ironclad” (2011) resulta intensa precisamente porque no sólo se limita a recrear la brutal realidad bélica del Medievo, sino porque utiliza argumentos que fortalecen dicha intensidad, aunque no sean rigurosamente históricos, pero sí totalmente funcionales a mi parecer.

De esta forma, por ejemplo, en el prólogo se nos narra brevemente la razón del conflicto, es decir, la fallida campaña militar de Juan I contra Felipe II que lo lleva a perder las tierras inglesas en el continente y los abusos del rey respecto a la aristocracia (desde su actitud tiránica hasta sus abusos al tomar como amantes a las esposas de varios barones, documentado en crónicas de la época), que llevan al estallido de la rebelión y la firma de la Carta Magna en 1215. El guión también presenta a dos personajes claves en la trama, al arzobispo de Canterbury Stephen Langton y en gran medida William de Aubigny (Albany en la trama), ambos como garantes de la Carta Magna que obligaron a firmar a Juan I y que, por tanto, son objetivos directos del rey inglés en su cruzada de venganza. El primero, férreo opositor a Juan y aliado de los barones, termina excomulgado por Inocencio III por presiones del rey inglés, que lo considera un nefasto enemigo religioso. Sin embargo, se le adjudica viajar a Francia a apurar la llegada del príncipe Luis, cuando en realidad viajó a la Santa Sede a apelar por su excomunión, la cual le fue revocada realmente con la condición de que no volviera a Inglaterra hasta el restableciendo de la paz, lo cual ocurrió recién en 2018, cuando Juan I ya había muerto. A pesar de ello, su personaje, en la piel del gran Charles Dance (Serie “Game of Thrones”, 2011-2019), funciona como claro ejemplo del compromiso patriótico de un clérigo que está consciente de las tiranías de un rey fracasado.

Por su parte, el segundo surge como el máximo enemigo civil del enfurecido y vengativo Juan Sin Tierra. En el guión se le presenta como un exitoso comerciante de lana ennoblecido, que tiene y manifiesta una enorme animadversión por el monarca y que encabeza la defensa del castillo de Rochester, junto a un dubitativo Reginald de Cornhill, señor de la fortaleza. Si bien no defendió en realidad Rochester con apenas 20 hombres de diversos oficios (templarios, herreros, mercenarios y bandidos) sí probablemente con unos 140 soldados y no fue torturado y asesinado brutalmente en el asedio, como lo expone “Ironclad” (2001), Albany sí representa el espíritu rebelde de la aristocracia inglesa subyugada al poder real absoluto de la casa Plantagenet (1154-1485). No cabe duda que este punto está reforzado por su origen comerciante y su ascensión a la nobleza, que justifica aún más su desprecio por el rey inglés. De hecho, la película no escatima en mostrarnos en palabras y hechos el visceral antagonismo entre ambos, el rey y el barón rebelde, la tiranía y la libertad, la abyección y la dignidad. En los hechos históricos Albany fue encarcelado y casi ahorcado tras la toma del castillo por Juan, sobreviviéndolo ya que serviría posteriormente al hijo de éste, Enrique III. Otro grande, Brian Cox (“Troya”, 2004) lo interpreta con solvencia y el carisma necesario.

Probablemente, el mejor personaje del guión es Juan I de Inglaterra. Personificado notablemente por Paul Giamatti (“Cinderella Man”, 2005), el monarca inglés es retratado precisamente como un rey déspota, cruel y vengativo, aunque si somos reflexionamos bien tiene poderosas razones para dicha cruzada de venganza. Ha perdido las posesiones heredadas de sus antecesores en Francia y le han obligado a firmar un documento que debilita su poder real y otorga derechos a sus súbditos. Claramente, se trata de un hecho inaceptable para quien se considera merecedor de su condición real por origen divino, como apreciamos en una de las mejores secuencias de la película, cuando espeta violentamente a Albany, antes de torturarlo y asesinarlo, su insolencia como súbdito. Su línea de diálogo “¡Soy la sangre! ¡Soy la mano derecha de Dios! ¡Y nunca me dictarás cómo debo ser rey!” es una declaratoria ideológica definitiva de un rey que cree fuertemente en que su poder reside en la sangre real y el mandato divino. Por tanto, no le cabe dudas que tiene a Dios de su lado en su empresa. Su asedio a Rochester resulta efectivo, aunque sus mercenarios no fueran daneses realmente, sino en su mayoría flamencos, provenzales y aquitanos.

Por cierto, los Templarios tenían una muy buena relación con Juan, al contrario de lo que vemos en el film. Lo que nos lleva al personaje de Thomas Marshall, un noble cruzado, desorientado emocional y espiritualmente, es quizás el personaje menos estructurado. Se le presenta como un noble que participó de las cruzadas, un caballero templario, cuya orden apoyó a los barones en su guerra civil con Juan Sin Tierra y fue importante en obligar al monarca a firmar la Carta Magna. Sin embargo, no se nos cuenta mucho acerca de su origen ni tampoco por qué ha solicitado ser desvinculado de la Orden de los Templarios, aunque se nos deja entrever que se trata de una cuestión de reflexión traumática. En realidad, Marshall surge como el pilar militar de la defensa de Rochester por su experiencia en las cruzadas, un líder que tiene que retomar la espada queriendo inicialmente abandonarla, abrazando la causa por una cuestión más de rechazo a la tiranía, en especial tras el asesinato del abad Marcus. Está basado en el histórico William Marshall, primer conde de Pembroke, que efectivamente fue un soldado cruzado, pero que tuvo una relación ambigua con Juan, puesto que, aunque tuvo varios desencuentros con el rey, lo apoyó cuando tomó el trono y le fue leal incluso en la Guerra de los Barones. De hecho, Juan en su lecho de muerte le encargó la tutela de su hijo Enrique III, de apenas 9 años, y se hizo cargo del funeral y entierro del rey en la catedral de Worcester. Por ende, es el más vagamente inspirado en personajes reales.

Ya mencioné que “Ironclad” (2011) es una película frenética y violenta, aunque yo diría trepidante y bestial en toda su concepción y puesta en escena, gracias a la fotografía de David Eggby (“Mad Max”, 1979). Triunfa indudablemente en recrear la violencia y crudeza de las luchas y enfrentamientos militares en el Medievo, en concreto un asedio tan descarnado como el de Rochester, a través de escenas viscerales y brutales. Estas, llenas de mutilaciones bestiales, fueron recreadas utilizando prótesis y no efectos CGI, solicitud directa del director al diseñador de efectos de maquillaje Paul Hyett (“Woman in Black”, 2012), que quería que fuese lo más realista posible. Así nos encontramos con todo tipo de mutilaciones de manos, brazos, piernas y cabezas, incluso una secuencia en que Marshall parte por la mitad a un mercenario con su espada. Ciertamente, el personaje de Marshall posee y usa dos tipos de espadas. Esto era común al menos a algunos templarios. Una era la llamada “espada de arma“, la clásica espada caballeresca de una mano que se llevaba colgada del cinturón. La otra era la “gran espada de guerra“, mucho más grande, que se blandía a dos manos y solía llevarse atada a la silla de montar. Pruebas modernas con cadáveres de cerdo (que se asemejan a cuerpos humanos en cuanto a composición) han demostrado que una gran espada como esta podía cortar a una persona casi por la mitad de un solo golpe.

No obstante, la secuencia de tortura de Albany y dos de sus hombres es lo más bestial, particularmente la de Albany, a quien corta manos y pies para luego lanzarlo con la catapulta a las paredes del castillo. Es tan explícita que resulta perturbadora. Sin embargo, vale comentar que Juan sí realizó este tipo de tropelías con algunos soldados de la guarnición tras la toma, pero no con el real Albany. Si bien fue aconsejado por sus subordinados de no ejecutar a la guarnición completa que defendió la fortaleza, sí tuvo intenciones de hacerlo de acuerdo a las crónicas. Otra cuestión que no deja de ser interesante es que el film propone que la muerte de Juan se produjo por disentería, mientras que los historiadores creen que fue por envenenamiento, porque las crónicas mencionan que comía duraznos con regularidad, como se ve en una secuencia. Lo que sí es totalmente ficticio es que el epílogo fue con una victoria francesa, considerando que los franceses recién llegaron 6 meses después de la caída de Rochester y que los propios rebeldes dejaron de apoyar al príncipe Luis cuando ascendió Enrique III con 9 años, ya que les parecía evidentemente manipulable. De hecho, Luis fue derrotado en la Batalla de Lincoln por las fuerzas reales en 1217.

La fotografía principal del film comenzó en los Dragon International Film Studios, cercano al pueblo de Llanharan, en Gales, el 9 de octubre de 2009. Para la residencia del arzobispo Langton se filmó en Tree Tower Manor y para el castillo de Darnay en el castillo de Donats. Se construyó una réplica del Castillo de Rochester en el complejo de estudios y se utilizaron efectos CGI para la secuencia de los cerdos y la caída de la torre sudeste. Esta secuencia en especial fue recreada tal cual se menciona en las crónicas, incluso el mismo Juan dicta al cronista las palabras que quedaron registradas: «Envíennos con urgencia, de día y de noche, cuarenta de los cerdos más gordos, de la especie menos comestible, para que podamos prender fuego bajo el castillo». Funcionaría ya que el fuego provocó el derrumbe de una esquina entera de la torre del homenaje. Está táctica militar, tan cruel como funcional, quedó registrada como uno de los hechos más increíbles de la Primera Guerra de los Barones y como uno de los hitos en la historia de los asedios a castillos y fortalezas medievales. De hecho, “Ironclad” (2011) fue la mayor producción independiente que se ha filmado en Gales y estuvo entre las películas independientes más grandes filmadas en Gran Bretaña en 2009.

“Ironclad” (2011) cuenta con un reparto competente, encabezado por los mencionados Paul Giamatti como el rey Juan, Brian Cox como Albany y Charles Dance como el arzobispo Langton. James Purefoy (“Solomon Kane”, 2009) interpretó a Marshall, el templario, Derek Jacobi (“Gladiador”, 2000) a Cornhill, Kate Mara (“Brokeback Mountain”, 2005) a Isabel, su joven y abandonada esposa, Jason Flemyng (“From Hell”, 2001) al nihilista mercenario, Jamie Foremal (“Oliver Twist”, 2005) al bandido convertido en mercenario Coteral, Aneurin Barnard (“Dunkerke”, 2017) al joven e idealista escudero Guy, Mackenzie Crook (“The Brothers Grimm”, 2005) al arquero Marks y Vladimir Kulich (“The 13th Warrior”, 1999) a Tiberio, capitán de los mercenarios.

La banda sonora estuvo a cargo del escocés Lorne Balfe (“Churchill”, 2017) quien aporta una partitura intensa, auténtica y evocadora, que se complementa a la perfección la brutal acción medieval de la película. Combina pistas de acción intensas con emotivas piezas corales, destacando en especial las secuencias de las luchas cuerpo a cuerpo en el asedio al castillo de Rochester.

“Ironclad” (2011) recibió críticas mixtas, pero finalmente logró cierto estatus de película de culto entre los amantes del cine bélico medieval. Tuvo una secuela “Ironclad: Battle for Blood” (2014), que seguía la historia años después de los hechos narrados en la precuela, con Guy, el joven escudero de Albany, ya convertido en un mercenario adulto.

En resumen, un trepidante y bestial drama histórico medieval, que narra un interesante hecho histórico y cumple satisfactoriamente en su apartado técnico, con salvajes luchas cuerpo a cuerpo y una realista recreación del asedio de un castillo medieval.

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La Tarta del Presidente

Más que una simple historia ambientada en el Irak de los 90, la película construye un retrato muy humano sobre cómo la vida cotidiana sigue adelante incluso bajo un régimen opresivo. A través del encargo aparentemente sencillo de preparar un pastel para una celebración oficial, el viaje de los dos niños se transforma en un reflejo de la inocencia que intenta sobrevivir en medio de la escasez y el miedo. Las interpretaciones, especialmente las de los más jóvenes, sostienen gran parte de la emoción del relato, mientras la puesta en escena muestra con sensibilidad el contraste entre la propaganda oficial y la realidad de la gente común. Con un tono contenido pero muy emotivo, el film deja una sensación duradera sobre la fragilidad y la resistencia en tiempos difíciles.

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Kickboxer: Contrataque

Secuela del reboot de 2016, de nuevo protagonizada por Alain Moussi, y en donde prácticamente vuelve todo el elenco de la película anterior, junto con unos cuantos nombres conocidos en el cine y la lucha: Jean-Claude Van Damme, Christopher Lambert y el mismísimo Mike Tyson, por estrellas, que no falte.
En esta ocasión, nuestro protagonista tendrá que enfrentarse a Hafþór Júlíus Björnsson, “la Montaña“ de “Juego de Tronos“, toda una masa de músculos viviente enorme, que impone muchísimo.
Mantiene más o menos el nivel de la anterior, o yo diría que incluso la supera un poco, tanto en presupuesto como en medios. Tiene, como no podía ser de otra manera, grandísimas dosis de acción y combates realmente bestias.
Pese a ser un producto bastante desapercibido, la verdad es que entretiene y pasas un buen rato. Recomendable.

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