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Los Asesinos de la Luna

Scorsese en esencia, Scorsese. 82 años, ¿eh? 82. Con una descollante y llamativa ambientación y sin escatimar extras, este maestro “abusa“ de sus actores elegidos, exprimiéndoles todos sus potenciales artísticos y aplicando su sapiencia cinematográfica en este arte para gozo de los espectadores, a los que pone los dientes largos durante las más de 3 horas de proyección.

Es cine intenso, abigarrado, y a la manera de «Uno de los nuestros», exponiendo intrigas y maldades por sus protagonistas a lo largo de todo el filme. Así pues, el autor de la también generosa «Gángsteres de Nueva York» (entre 30 más) nos regala estos «Asesinos de la luna» para disfrute de los corrientes mortales. Una cinta de rango SUPERIOR. 4️⃣/5. ..PICARD..

P.D. -Pero una postrera apreciación: la voz habitual de De Niro en español, Ricardo Solans, es sustituida por la de Manuel García, que pareciera que estamos visionando algo de Robert Redford... si cerráramos los ojos. ¿POR QUÉ? le preguntaría a la distribuidora. INACEPTABLE desprecio para el doblador y para el espectador en general. Ya os vale, Paramount. ..PICARD..

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Klaus

La pelicula me gusto, realmente no esperaba mucho.
Es una pelicula familiar para niños no tan pequeños.
Yo la vi cuando la estrenaron en Straming y la volvi a ver hace poco.

Creo que lo que mas me gusto es la historia, mostrando el origen de Santa Claus y dando una explicacion de como empieza a dar regalos en Navidad.
Tiene momentos divertidos y tambien emotivos pero no esperes una pelicula muy comica como el Grinch, ni tampoco nes un musical.
La historia es del cartero, y como llega a un pueblo alejado de todo y conoce a Klaus.

La animacion es bastante buena, de hecho me gusta bastante, es de alguna manera diferente a la que nos tiene acostumbrados Pixar y Disney en cuanto a diseño de los personajes y sus caras pero de una calidad igual o quizas superior a Disney/Pixar.

A mi en general me gusto el final, no puedo decir mas pues serian spoilers.
Si no la has visto date una oportunidad

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Mallrats

Una película del bueno de Kevin Smith que se me pasó en su época y que había tenido ignorada hasta ahora, pero nunca es tarde para el cine, es lo bueno que tiene, que no caduca... aunque algunas películas envejecen mejor que otras, y esta entra en el segundo grupo.
He visto 2 partes de “Clerks“, “Dogma“ y algunas otras películas cómicas de este director, y lo pasé muy bien en su momento viéndolas, pero esta me ha resultado sumamente tonta. No se si es que el humor es muy “de su época“ y hoy en día a mí no me hace gracia (no pienso volver a ver las otras pelis cómicas de las que ya he hablado para comprobarlo, tengo muy buen recuerdo de ellas como para estropearlo así), o es que es sólo esta peli, pero me ha resultado muy mejorable en muchos aspectos.
El humor es bastante básico y muchas veces tonto, aunque algún que otro momento divertido tiene, y siempre se agradece encontrarte a Jay y Bob el Silencioso haciendo de las suyas por ahí.

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The Holiday (Vacaciones)

No es mi género preferido ni por asomo, películas románticas con cierto dramatismo y lo mejor es el elenco Kate Winslet, Cameron Diaz, Jude Law y Jack Black, la trama muestra como dos chicas que están desilusionadas con el amor, deciden intercambiar casas, una en Los Angeles y la otra en un pueblito en Inglaterra, por dos semanas hacen una vida distinta, conocen gente nueva, romance y otras cosillas, a pesar de sus más de dos horas y no siendo fan del tema me resultó entretenida, le hacen a uno seguir creyendo en el amor.

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Drive

La verdad, esta pelicula es una de las mejores que he visto en mi vida, su música, su estilo de los 80“s y Ryan Gosling protagonizando al conductor el cual fue una buena elección de actor, sus giros inesperados de la trama, su trama criminalista la cual es una trama fresca y nueva, los actores hacen una excelente actuación, tiene toques crudos y maduros, y su final que no es el típico final de todos donde no reciben daño y se sabe que paso al final, este incluso te deja la intriga de que fue lo que le paso al conductor si siguió vivo o no.

Yo le doy un 10 de 10, porque de verdad se lo merece, lastima que no haya una segunda parte.

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Valkiria

“Golpe de Estado“, pero perpetuado de la peor manera posible. Podríamos denominar al grupo de Ludwig Beck, Hans Oster, Carl Goerdeler y otros como Los Perdedores, pues desde el principio sabían qué sucedería si sus planes fracasaban.
A las 12:40 del jueves 20 de Julio de 1.944 la suerte iba a estar echada para todos...

Un solemne Terence Stamp en su rol de Beck acierta al avisar a Von Stauffenberg “Esto es una operación militar...las cosas nunca salen según lo planeado“, y qué razón tiene. En la vida real no salió nada bien; se trató sin embargo de uno de los muchos atentados fallidos contra Adolf Hitler, un golpe deseado por los miembros de una Resistencia situada en el mismo estómago del ejército nazi. El guionista Chris McQuarrie paseaba por Berlín a comienzos del 2.000 y la idea de recuperar los hechos de aquel intento de golpe, que ya se había llevado varias veces a la ficción, germinó en su cabeza desde que visitó el emblemático Bendlerblock.
Pero esto necesitó un tiempo de maduración mucho más largo, primero por la cantidad de documentación histórica, luego porque no confiaba en que aquello pudiese llegar a ver la luz como largometraje de alto presupuesto...y por suerte, en un cajón, el guión fue descubierto por su longevo colega Bryan Singer, que se animó a participar (desligándose, gracias a Dios, de sus obras de superhéroes). Cuando llegó Tom Cruise al barco, que deseaba trabajar con él desde hacía mucho tiempo, la cosa cambia y se triplica el presupuesto; ahora la historia podía recrearse con un lujoso despliegue de medios.

¿Pero qué tenía el neoyorkino en mente? Como estaba pronosticado, y lo declaró una y otra vez durante todas las fases de la producción, no pretendía realizar un documental exhaustivo, sino una película de suspense, y lo más alejada posible de cualquier drama bélico o relacionado con el Holocausto; al parecer hubo encuentros con muchas de las familias de aquellos a quienes se recrea en esta ficción, pero visto el resultado no sirvió tampoco de mucho. A Cruise, sin embargo, le encantó meterse en la piel de una de las piezas clave del fallido “staatsstreich“, no sólo por sus similitudes físicas con Stauffenberg, sino porque el uniforme de oficial nazi iba muy acorde con él (algo de eso tiene y lo sabemos).
También hay rigor histórico. Empezamos por eso en la campaña de Túnez, cuando el protagonista ha sido ascendido a teniente coronel, pero antes de ser atacado por los cazas norteamericanos se nos presenta un instante, él solo con sus pensamientos, sobre el despiadado orden de Hitler y la condena irrevocable de Alemania; esto es vital según las pretensiones del trío Singer/McQuarrie/Cruise: al narrarse la gesta de un hombre que lucha contra el nazismo, y al ser el último una estrella de la acción, se embellece su figura, la realidad se maquilla, y vemos más al héroe épico en lugar de al auténtico Stauffenberg.

No vemos a ese aristócrata presuntuoso que describió a los habitantes de Polonia como “chusma impresentable que sólo podría servir para trabajos de agricultura“, ese tipo que se unió posteriormente a la Resistencia manteniendo sus ideas de una Alemania que debía conservar su hegemonía en Europa exigiendo la ampliación de sus fronteras y la anexión de otros países; pero aquí el actor es un héroe, o más bien un anti-héroe con quien poder empatizar perfectamente (éstos de Hollywood...). El primer salto que da la trama, y que resulta confuso (ya empezamos con los problemas narrativos), se separa del teniente coronel para irse al lado del general Von Tresckow.
Lo que tiene lugar es el otro atentado fallido a Hitler a base de una bomba escondida en dos botellas de licor. Toda esta secuencia es un garante de la habilidad de Singer como narrador visual, de su puesta en escena clásica y sin saltos exagerados, y de un alto nivel de interpretación...factores que quieren fascinarme y evitar que me fije en un detalle horrible: el reparto no es de origen alemán. A otros sí, pero a mí no me gusta ver a un nativo de Siracusa en la piel de un bávaro, ni al irlandés Kenneth Branagh, por gran actor que sea, en la de un prusiano...al que por cierto se le parece en el blanco de los ojos.

Una clásica maniobra hollywoodiense, claro...y resulta repulsiva, porque todos esos personajes fueron reales, no producto de ficción, y aun así el plantel está formado por un 85% de actores británicos (Wilkinson, Nighy, McNally, Stamp, McNeice...) y un 10% de estadounidenses, quedando eso, lo restante de verdaderos europeos (¿por qué el protagonista no pudo ser Gedeon Burkhard, o Til Schweiger?).
Está Carice Van Houten, holandesa, como esposa de Stauffenberg, una mujer florero que apenas habla y cuya aparición podría haber sido eliminada del metraje. A dicho plantel lo vamos a conocer más tarde...

Porque por alguna razón es Branagh quien asume el protagonismo hasta que Cruise vuelve a incorporarse, ahora con un parche y una mano menos. Le seguimos y nos metemos en el hueso de la intriga: la preparación de un definitivo asesinato de Hitler; hubo muchos, pero el guión se centra en el atentado con bomba preparado para la Wolfsschanze, además de en la puesta en marcha del plan “Walküre“.
Es importante el punto de vista de este Stauffenberg, indignado con las actitudes de los conspiradores, y hasta aquí el guión va bien, porque no cabe duda de la hipocresía de Von Witzleben al afirmar que sus acciones están destinadas a satisfacer la necesidad del pueblo.

McQuarrie lo presenta de una manera sutil pero no esconde las verdaderas intenciones de esos aristócratas de alto rango de la Wehrmacht, más preocupados de su posición política y militar que de los genocidios causados por orden de Hitler; de hecho muchos de ellos habían sido parte de dichas atrocidades (Tresckow no fue un ángel, ni mucho menos) y sus ideas eran casi las mismas que las de Stauffenberg: lograr una hegemonía alemana en Europa tras asesinar al dictador y firmar la paz con los aliados. Esta ambición flota en el ambiente, lo asfixia, crea ambigüedad y recelo, lo cual es un acierto.
Se reafirma esta intención por medio de la técnica visual en la secuencia clave: Tresckow anuncia su traslado y Stauffenberg comenta sus impresiones sobre la operación “Walküre“ y los actos del ejército de reserva una vez caigan en la manipulación de los golpistas; pero Cruise habla desde las sombras, como si sus palabras estuvieran revelando sin querer un terrible propósito, y esta secuencia aterroriza por la duda convertida en certeza: de haber triunfado el golpe tal vez Stauffenberg hubiera luchado para obtener el poder, convirtiéndose en otro Hitler más. Y en el desarrollo de la trama Cruise hará gala de la ferviente obsesión de su personaje, hasta llevarlo a la paranoia.

Lo que sigue es el “thriller“, narrado con el oficio de un experto en el género, absorbente y tenso a cada paso, heredero de las grandes aventuras de espionaje y conspiración bélica de antaño. Pero hay otro error de Singer: en el transcurso confía demasiado en la mecánica, la técnica y se olvida de los personajes, que nunca fueron de carne y hueso (sus diálogos no pueden sonar más artificiales, más vacuos), para ser peones de los dispositivos de la intriga (si la hubiese dirigido Eastwood todo sería distinto), además de en peleles del destino (es genial la forma de suceder los hechos: primero planeado el golpe al milímetro desde la imaginación, luego fracasando poco a poco todo el proceso a causa de la fatalidad, hasta incluso hacer sentir lástima al espectador por todo el esfuerzo malgastado).
Así que hay que tener en cuenta que lo esencial de esta operación nunca fue el intento de asesinato, porque como este hubo muchos, sino la magnitud a la que llegaron las secuelas del mismo, provocada por la ignorancia de unos oficiales que creyeron tener la victoria en sus manos...cuando la verdad es que sólo la saborearon durante cuatro horas, los pobres. Aunque quedará en el desconocimiento si la situación en Alemania, de lograrse el golpe, hubiera sido diferente o igual pero con otros nombres en el poder, por eso se debe prestar atención al descenso de Stauffenberg, firme en sus erróneas convicciones hasta el final.

No hay duda de la similitud entre el protagonista y Hitler durante la intensa última parte: ambos son dos acaparadores del poder que no se enteran de lo que sucede a su alrededor y que niegan la realidad manteniendo un sistema y unos procederes erróneos. Stauffenberg no habría sido ningún héroe, sino otro candidato a dictador...
Y el director hace énfasis en los gestos, la voz y los ojos del inglés (otro más) David Bamber como si su Hitler no se tratase de un humano, rodeando su presencia de una atmósfera incómoda, casi sobrenatural; pareciera más bien un monstruo que causa terror a la cámara, un terror que sale de la pantalla y llega al espectador. Por su parte Thomas Kretschmann (¡vaya, un alemán!) habría sido una gran opción para el papel protagonista. La película es un tremendo éxito de taquilla. Singer no deseaba nada más, claro...tal vez la Historia sí.

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Napoleón

Excelente película sobre Napoleón la cual se basa en dos ramas de su vida: su amor por Josefina y sus tácticas y estrategias bélicas.
El film está increíblemente dirigido; y no se podía esperar menos del gran Ridley Scott. Tiene una fotografía que impresiona y unas imágenes realmente muy bellas de ver.
Los efectos especiales son excelentes.
Otro de sus mejores puntos es la actuación de Joaquín Phoenix, actor que nunca defrauda.
Sumamente recomendable!

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Sé Infiel y no Mires con quién

Cuenta la leyenda que al mítico Andrés Vicente Gómez no reportó ningún beneficio personal la miniserie producida para TVE y dirigida por Gonzalo Suárez “Los Pazos de Ulloa“, por eso mismo se le ocurrió la brillante idea de, al estilo de los cineastas de serie “B“, aprovechar los costosísimos decorados para rodar otra cosa...

Y sin un proyecto real dispuso comprar una obra de teatro, y esa fue “Sé Infiel y no Mires con Quién“, originalmente “Not Now, Darling“, farsa británica que batió récords de butacas desde su estreno a finales de los “60, y aún se mantenía popular dos décadas después. Lo más lejos podía quedar todo eso para un Trueba de 30 años que había realizado películas imaginativas pero extrañas, de bajo presupuesto y la última (“Sal Gorda“) fracasando por completo; Gómez sin embargo le ofreció hacerse cargo de su pequeña empresa, desafío aceptado con una condición: cambiar el argumento porque no le atraía en absoluto.
Así que mientras los genios de producción y diseño artístico Josep Rosell y Gerardo Vega configuran unos atractivos y grandes escenarios interiores, el madrileño remodela desde la raíz la mordaz farsa “british“ de John Chapman y Raymond Cooney y la traslada a la España de los “80...pero a una de pura fantasía de la mano de Paco y Fernando, a quienes podríamos considerar “yuppies“ castizos pese a que su editorial de libros infantiles está casi en la bancarrota. Trueba da muestras de su estilo único y experimental a través de una introducción muy larga y carente de diálogos, con la llegada del segundo a la mansión del primero para anunciar que las ventas de un libro han sido magníficas.

Su narración omnisciente nos lleva a ese instante en que se decide su futuro económico. Inevitable que llegue la nostalgia al contemplar a esos jovencísimos Santiago Ramos y Antonio Resines, y aún más cuando aparecen Carmen Maura y la María del Pilar Acosta conocida como Ana Belén en coloridas prendas de gimnasio, incluso más bellas que los dos anteriores. Con estas dos parejas la obra original pega un vuelco: ya no hay peletería y el elemento principal para armar el enredo que era el abrigo de visón se transforma en una carta de amor; el Paco de aquí es el Gilbert de antes y Fernando toma el relevo de Arnold.
Pero donde éste era más bien un secundario a merced de los donjuanismos de su socio, el personaje de Resines toma el protagonismo cuando esa carta del amante de Carmen (mujer de Paco) se olvida en el lugar menos adecuado y complica a Rosa (mujer de Fernando)...y se desata el más clásico de los clásicos vodeviles, siendo los celos y la infidelidad el motor de la trama, que la mueve a un ritmo vertiginoso entre puerta abierta y cerrada. Por el camino Trueba lo engalana todo de una puesta en escena y diseño artístico elaborados, prefiere tirar por lo sofisticado mirando de reojo a los maestros de la “screwball comedy“ norteamericana.

Porque hay mucho de Hawks, Lubitsch y Cukor en ese apartamento de colores chillones y diseño vanguardista, el rincón ecléctico y cómodo alejado de las crisis y los problemas del país, y sin embargo turbado por las manías de los maridos y las esposas. Desde luego el director es elegante en muchos aspectos: da de lado al tono picante de la obra de teatro (que incluso se intensificaba en la genial adaptación cinematográfica de 1.973) y evita crear un enredo en la tradición de la comedia popular del momento, es decir, sin la sal gorda del “destape“ (a punto de desaparecer cuando esa maliciosa Pilar Miró remodele por completo y a su gusto el sistema del cine español).
Por tanto las mujeres, además de no enseñar un centímetro de piel para no ofender a la espectadora femenina, también tienen la voz cantante en cuanto a poder llevar una vida de lujuria y depravación sin rendir cuentas a nadie, menos a un marido que está enrollado con la secretaria. En este sentido Ramos, que da vida al mujeriego sinvergüenza, cínico y encantador de toda la vida, encuentra su total reflejo en su esposa, personificando Maura a la perfecta víbora devorahombres, desinhibida, sensual y muy “moderna“ (porque si una mujer no es así no es moderna, claro).

Quedan esas precisas coreografías de salidas y entradas orquestadas por un Trueba que jamás trabajó en decorado, las miradas furtivas, las situaciones embarazosas que tienen lugar justo cuando otro personaje entra en escena, y el matrimonio Fernando/Rosa quebrándose por culpa de su inocencia y de la perversión de sus amigos; así que, aunque Maura nos hipnotice y Ramos quiera ganarse la atención, son un Resines irascible y una decente (qué raro en ella) Ana Belén quienes roban el protagonismo al reparto...pero qué reparto, empezando por Guillermo Montesinos, con esa graciosa debilidad que le caracteriza, Verónica Forqué, algo desplazada en su rol de secretaria dolida, pero deslumbrante siempre que aparece, y Chus Lampreave, suave y mordaz como de costumbre.
Pero nadie, ni el también barbilampiño José Miguel Monzón (“El Gran Wyoming“, ¡de policía, señores!), ni siquiera Manuel Fernández con su (precioso) disfraz de “Bibi Andersen“, logran eclipsar la magistral actuación de José Luis “Pirri“ Fernández, en su salto a un tipo de cine que jamás pensaba que fuese a hacer, y todo gracias a Trueba, quien, para suerte de Gómez, su versión tergiversada de “Not Now, Darling“ se convierte en un éxito de taquilla y crítica, abriéndole también las puertas a la industria.

Todo es fresco, leve, socarrón y veloz, y sin los esperpentos de Almodóvar.
Una comedia, creo yo, imprescindible de la época.

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Torrente 2: Misión en Marbella

Segunda entrega del expolicia devenido en investigador privado, fue dado de baja de las fuerzas policiales debido a todas las tropelias que realizó, esta vez investiga casos de menor valia hasta que por accidente se ve involucrado en una maniobra de un malevolo personaje, la accion transcurre en la bella Marbella, un sinfin de escenas alocadas, las mismas guarradas que tanto nos hacen reir, Santiago Segura la dirige y actua, lo que más me gustó es su ayudante, Gabino Diego de solo verlo ya te descojona, el tipo nació para estas cintas de risas, la peli es re entretenida, un vocabulario totalmente adaptado para este personaje sin escrupulos, sinceramente te tienen que gustar las peliculas de este tipejo, no tiene medias tintas o lo amas o te es indiferente, a mi me sacó varias carcajadas como en su antecesora, no busquen la profundidad actoral ni de argumento, es cine hecho con mucha pasion por lo que se ve, espero que en sus secuelas no decaiga.

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Chato el Apache

Chato el Apache

Sinopsis:
Chato es un apache mestizo que vive entre dos culturas: por un lado, siente un cierto sentimiento de fidelidad a su tribu; pero, por otro, experimenta una poderosa atracción hacia el mundo de los blancos. Después de matar a un malvado sheriff en defensa propia, se ve obligado a huir perseguido por una partida encabezada por el sanguinario Quincey Whitmore, un antiguo soldado confederado que ansía ahorcarlo. Son trece hombres contra uno, pero Chato sabe cómo conducirlos hasta territorio Apache, donde la salvaje y cruel naturaleza estará de su parte.

“Chato el Apache“ fue la primera película que Charles Bronson rodó bajo la dirección de Michael Winner con quién colaboraría en cinco ocasiones más y conseguiría algunos de los mayores exitos de su carrera como las tres primeras películas de “Death Wish“ o “América Violenta“, aqui el mítico actor interpreta a un apache mestizo llamado Pardon Chato quien después de matar en defensa propia al sheriff de un poblado se ve obligado a huir y es perseguido por un grupo de hombres que odian a los apaches.

Chato llevará a sus perseguidores hasta el desierto que es el territorio que el domina e intenta hacerlos desistir de la persecución ya que se niega a utilizar la violencia porque el no es ningún asesino pero después de que matan a su hermano y violan a su mujer los papeles se invierten y el mestizo pasará de ser perseguido a perseguidor e iniciará su implacable venganza.

La película esta hecha especialmente para el lucimiento de Charles Bronson, su personaje apenas tiene diálogos pero su sola mirada vale más que mil palabras y ya con eso le basta para infundir respeto tal cual como lo hizo en “Hasta que Llegó su Hora“, en el reparto nos encontramos también a otro mítico actor que es Jack Palance cuyo personaje junto al de Bronson son lo mejor de la película aunque tampoco hay que desprestigiar el trabajo de otros buenos actores como Simon Oakland, Ralph Waite, Victor French y James Whitmore.

“Chato el Apache“ es una película que no pasará a la historia ni es uno de los westerns más memorables pero indudablemente es muy entretenida. La acción está bastante bien, las actuaciones son decentes y tiene un ritmo muy llevadero así que es una buena película para pasar la tarde y que los fans más incondicionales de Bronson deberían ver si o si.

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