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La Lenta Batsby

Este corto es bastante divertido porque demuestra la simpatía de que tiene los personajes de DC , está bien argumentada y narra en forma de parodia como una superheroína sin poderes debe llegar a los sitios comparadas con otras superheroínas.


La animación no esta mal y una personalidad adecuada pero algo exagerada de sus personajes

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Guardians of the Galaxy: Inferno

curioso corto el cual nos hace recordar el furor que provoco la musica disco en los años 70s protagonizado por David Hasselhoff que imagino debe haber disfrutado este viaje a la nostalgia ademas de que aparecen otros actores que aparecieron en los guardianes de la galaxia , muy aceptable para ser una sátira especial a la generación de la década de los 70s ,me parece que los fanáticos de la música disco lo sabrán apreciar como curiosidad

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Superman: El Científico Loco

Corto clásico del comienzo de Superman que tardó 3 años después de estrenarse en los cómics donde aquí no es el eprsonaje no es habitual en la actualidad y no hay grandes villanos como Lex Luthor , Braniac o Doomsday entre otros..

Y tenemos personajes random ....En este caso , un científico loco que aumenta la electricidad para perjudicar al mundo
SE nota que los poderes no tiene aumento , no tiene poderes de soplido o aliento helado y apenas puede volar.

Visualmente para ser de los 40 no está mal y tiene una visualización muy buena

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Charlot: Prestamista

Muy divertido este corto, en el que en menos de media hora pasan muchas, muchísimas cosas, a cada cual más absurda y disfrutables.
A destacar momentos como el de la escalera, es increíble lo que este genio podría hacer dar de sí a un objeto.
Peleas, golpes, caídas, disimulos ante el jefe, clientes que no saben lo que se esperan, y momentos realmente caóticos. Risas aseguradas.

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Viaje a la Luna

El americano Edwin S. Porter se iba a lanzar a la conquista del Oeste a bordo de un tren, pero un año antes Georges Jean Méliès tuvo el valor de meterse en un cohete, surcar el Espacio y aterrizar en nuestro satélite vecino.
Y la magia de este viaje, casi 120 años después, aún nos continúa fascinando...

Ya llevaba algunos años trabajando sin descanso el famoso prestidigitador y diseñador reciclado en cineasta cuando se le ocurre un complejo y carísimo proyecto de nuevo en el marco de lo fantástico inspirándose en la gran novela ¨De La Tierra a La Luna¨ de Verne y en ¨Los Primeros Hombres en La Luna¨ de Wells; tres meses de producción ponen bien de manifiesto la ambición artística del parisino, quien, con una inestimable colaboración entre los trabajadores de Star Film y artistas de diferente procedencia (del mundo de la pintura, la danza, el teatro o el circo), empleó con empeño la amplia gama de trucos que le hicieron famoso y un derroche de imaginación preparado para sorprender a sus espectadores.
Tanto más cuanto que éstos carecían de precedentes para lo que el mago iba a ofrecerles, en realidad la consumación de ese deseo que ya se atisbaba en ¨La Luna a un Metro¨. El argumento que emplea Méliès carece absolutamente de rigor científico, lo que refuerza el cariz puramente novelesco y fantástico de su hazaña, que cuenta cómo el astrónomo Barbenfouillis (interpretado por él mismo) hace caso omiso de sus compañeros de profesión y se embarca en un cohete disparado por un cañón hasta La Luna, cuya expedición incluye encontrarse con una extraña civilización de carácter monárquica.

El mago despliega su típica imaginería y su genio se conjuga como nunca, haciendo aparecer o desaparecer personajes, agrandando o empequeñeciendo las figuras, imprimiendo movimiento a objetos, creando decorados y fondos interiores o exteriores de una hipnótica belleza pictórica, jugando con la perspectiva, las formas y la atractiva pirotecnia; todo al servicio de una narrativa frenética y una afiladísima sátira, quizás el mayor acierto de su innovadora obra: mofarse de los sesudos científicos (quienes aparecen como ridículos magos), de la ambición por conquistar el Cosmos y su procedimiento (la impagable escena de las bailarinas del teatro de Chatelet vestidas de marineras empujando el cohete) y en especial criticar la violencia colonialista.
En aquel momento, y como claro indicativo de su tan actual crítica, estaba por terminar la segunda de las cruentas Guerras Bóeres; aquí el grupo de Barbenfouillis no sólo queda impresionado al tropezarse con una grotesca raza desconocida cuyos individuos dan saltos, se contonean y explotan si los golpean, sino que se enfrentan a su líder y además regresan a La Tierra con el mayor de los trofeos: un selenita al que han secuestrado. Finalmente la estatua del astrónomo, triunfante, alrededor de la cual bailan todos los presentes, recuerda a las mismas caricaturas que Méliès dibujaba de los conquistadores coloniales.

La sensación de aventura flota durante toda la proyección, al igual que la del humor. Y para el espectador actual la acostumbrada disposición frontal ¨mélièsiana¨ y la carencia de un verdadero lenguaje cinematográfico será un claro impedimento para disfrutar de su obra (inevitable que echemos en falta la existencia de algún primer plano o un travelling), pero hay que intentar contemplarla como lo que es: un espectáculo teatral con el único deseo de sumergir a aquel que lo ve en sus esferas de ensueño, esas cuya lógica pertenece a los lindes ilógicos de los cuentos o las fantasías.
Los estudiosos y cinéfilos consideran apropiado enmarcar al ¨Viaje a La Luna¨ como pionera de la ciencia-ficción, pero en una época en la que los códigos de género del cine aún no se habían empezado a disponer, la naturaleza que envuelve a este mítico experimento artístico cuya importancia e influencia ha trascendido a lo largo de las décadas, y la cual se le ajusta de maravilla, es única y enteramente la de la magia, pura magia.

A todo esto, ¿hay en toda la Historia del cine una imagen más icónica de La Luna que la que Méliès nos regala aquí?
Pues, efectivamente, no.

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Snow-White

La crítica más antigua que hecho de esta sección es un corto protagonizado por Beety Boop que en esa época era tan popular como Marilyn Monroue.

Aquí es un homenaje a Blancanieves y Los 7 enanitos como pero con las características de la animación surrealista de que tiene Betty Boop.

Es divertida y con una musica muy buena aunque ahora parece que está algo envejecida pero es disfrutable

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Firebase

Interesantísimo corto que podría dar lugar a una peli bastante guapa, pero ahí se ha quedado, en el podría, al menos por ahora...
Comienza metiéndonos directamente en el follón, y luego se nos va contando la trama poco a poco, pero cuando va a empezar lo bueno... se acabo. El corto es una especie de ¨esto es lo que podríamos hacer si nos financiaran en condiciones¨. Una lástima que te dejen con las ganas, ojalá una secuela que termine la historia... o una película completa, que lo exponga todo mejor.
Tiene unos efectos especiales muy currados para ser un corto, y bastante nivel de gore. Vale la pena verlo.

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Vicious

Un cortometraje extremadamente tenso que no abusa de los jumpscares pero tampoco se molesta demasiado en explicar el desencadenante del horror que vive el personaje protagonista.
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(Escribo guiones para sobrepasar los 255 caracteres requeridos para publicar mi crítica)

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Operación Batman (Parte 2)

Es la misma versión de su primera parte como ya dije en la anterior critica parecía que iba a concursar en Videos-Videos pero se me hizo bastante aburrido , sin contar que el disfraz se nota que es de bajo presupuesto.

No está mal es interesante pero eso digo que es mejor para estar en casa

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Émotion

Un encuentro entre dos chicas desconocidas, una maravillosa tarde, sangre, odio, rosas, amor, realidad e irrealidad, no hay nada más salvo las sensaciones a flor de piel a través del espejo de las profundas emociones.
¿Qué es real?, ¿qué no lo es?

Mucho antes de sorprender a medio Mundo con la que fue y sigue siendo obra maestra de su carrera, esa sensacional ¨House¨, el bueno de Nobuhiko Obayashi ya llevaba tiempo derribando los muros de lo convencional en Japón, iniciando sus andaduras en los albores de los 60, cuando una oleada de cineastas independientes nipones se iban a dedicar precisamente a eso; el nativo de Onomichi hizo caso omiso a su padre y en lugar de cursar estudios de medicina se convirtió en fundador de una compañía de entusiastas de lo vanguardista, bautizada Group Film Independants.
Después de algunos cortometrajes y documentales, ¨Emotion¨ se considera su esfuerzo más notable, el que le fue abriendo las puertas hasta lograr una relativa difusión (era la época de romper con lo establecido, así que todo lo innovador se recibía con los brazos abiertos) y alzándole, junto a Shuji Terayama, Tetsuji Takechi o el genio Toshio Matsumoto, como uno de los más aplaudidos del arte experimental en el momento. Realiza un absoluto tributo al ¨avant-garde¨ y a las corrientes europeas de vanguardia, siendo su inspiración principal ¨Sangre y Rosas¨, de Roger Vadim (¨Las Relaciones Peligrosas¨, ¨Barbarella¨), tomando ciertos elementos y claves y transcribiéndolos a su obra.

Dicha inspiración se anuncia literalmente en un prólogo que ya nos introduce de lleno en la retorcida mente del director y sus acólitos, quienes se presentan además a lo largo de un delirante prólogo. Rebeldía juvenil que explota en pantalla a través de una serie de trucajes indescriptibles, imaginería onírico-gótica, paralización del tiempo, rápida sucesión de fotogramas, todo acompañado de dos narraciones, una japonesa y otra inglesa por parte del conocido historiador y periodista Donald Richie (enamorado de la cultura y el cine de Japón y uno de los mayores responsables de su difusión en territorio americano).
Obayashi dice a su público, a nosotros, que mientras rodaba este cortometraje también estaba ocupado haciendo un anuncio (negocio al que atendía regularmente). Tras conocer a los locos artífices del trabajo que vamos a ver (y a la todavía pequeña hija del director, Chigumi) algunos intertítulos nos ofrecen lo que parece ser un relato dramático sustituyendo a las Carmilla y Georgia del clásico de Vadim por dos jóvenes, Emi y Sari; se centra durante unos segundos en la primera con un estilo propio del documental, hasta que aparece la segunda y la atmósfera se enrarece, se vuelve inquietante, pese a la gran alegría adolescente que desbordan las imágenes (puramente sesenteras).

Pero al contrario que en ¨Sangre y Rosas¨, la quimera vampírica no se extiende a una de las muchachas, sino que aparece encarnada en un hombre que aun estando con Sari se enamora de Emi; el blanco y negro y el color se mezclan conforme a los distintos torrentes de emociones plasmados. Infidelidad, amor, pasión, violencia paternofilial y por último un nada disimulado deseo incestuoso brotando del inconsciente (ese vampiro que es el padre de Sari en el cual se convierte su novio). No hay ni una sola concesión a la lógica pese a la fina línea argumental que podemos descrifrar, más bien un incesante deambular entre catárticas secuencias y trazos surrealistas.
La narrativa se guía por la lógica de los sueños, mientras se citan los poetas Jules Laforgue y Marceline Desbordes-Valmore, perfectos para las ideas e intenciones del director, y se recuerdan en la distancia grandes referentes como Buñuel, Kinugasa, Oshima, Godard o Suzuki. La ¨trama¨ principal también se bifurca en otras subtramas que la complementan: la de los padres, la de la pareja que debe infligirse dolor (en secuencias de animación bastante primitivas), la del duelo entre el amante y el hermano, filmado a modo de los ¨westerns¨ americanos, aunque con el curioso detalle de aparecer en pantalla los propios cámaras.

Al final tanto la violencia (sentimental y familiar) como la presencia del cine (de una ficción filmada, nunca real, siempre proyectada a través del mentiroso e ilusorio ojo de la cámara) rigen las normas e impregnan la obra, siempre poética, incluso en sus más perturbadores y grotescos momentos (que no son pocos). Obayashi es evocador y juega con todo, con el sentido de la imagen, de la cámara, de los personajes, de la película, que se quiebra y se revuelve, que pasa del color al blanco y negro a velocidad pasmosa.
Y el resultado es un delicioso, demencial y confuso sinsentido donde la actuación vampírica lo contamina y destruye todo, siendo el causante ese Drácula que el director incluso asegura haber visto, y del que se despide en última instancia, al mismo tiempo que de la soñada juventud. Las preciosas y desconocidas Emi Tabata y Sari Akasaka desempeñan bien sus difíciles roles en esta interesante obra del nipón que entusiasmará a los amantes de lo experimental y surrealista, y a los que atisben ecos de ella en el futuro arte de Sion Sono, Takashi Miike, David Lynch, Teruo Ishii o Iván Zulueta.