Obra maestra dirigida por Francis Ford Coppola, considerada una de las mejores películas de la historia del cine.
Estados Unidos, 1940. Don Vito Corleone, respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York, ignorando los consejos de Il consigliere Tom Hagen, se niega a participar en el negocio de las drogas. En represalia, el jefe de otra banda ordena su asesinato, iniciando una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.
La génesis de “The Godfather” (1972) se remonta a 1967 cuando un explorador literario de Paramount contactó al vicepresidente Peter Bart para comentarle sobre un manuscrito incompleto de 60 páginas escrito por el destacado novelista estadounidense de ascendencia italiana Mario Puzo, cuyas novelas La arena sucia “The Dark Arena” (“La Arena Sucia”, 1955) y “The Fortunate Pilgrim” (“La Mamma”, 1965) habían tenido una gran acogida. Bart vio en el borrador más que una historia de mafia y ofreció a Puzo US$ 12.500 por los derechos y US$80.000 si realizaba una adaptación para una película. Fue finalmente Robert Evans, productor ejecutivo de Paramount, quien logró el acuerdo con Puzo en la primavera de 1968 bajo los términos señalados, lo que llevó a la publicación de la novela que terminó titulándose “The Godfather” en abril de 1969 y la confirmación de su adaptación cinematográfica tras convertirse en un best-sellers, permaneciendo en la lista del New York Times durante 67 semanas, y vendiendo 9 millones de copias en 2 años. De esta forma, se proyectó el estreno del film para la Navidad de 1971.
En marzo de 1970, Paramount anunció al canadiense Albert S. Ruddy (“Wild Seed”, 1965) como productor del film, sin embargo, ante el anuncio de la producción no tardó en hacerse presente la controversia y la turbación a través de protestas de la Liga de los Derechos Civiles de los Italoestadounidenses, senadores del Congreso de los Estados Unidos y legisladores del estado de Nueva York y, por supuesto, amenazas e intimidaciones de la rama estadounidense de la Cosa Nostra en el país. Se dice que altos ejecutivos de Paramount y el propio Ruddy participaron de reuniones con representantes italoestadounidenses, legisladores y del crimen organizado para explicarles de qué trataría la película y que temas realmente tocaría para tranquilidad de estos últimos especialmente. Se entiende que de estas negociaciones se desprende el hecho que en el film nunca se utilice la palabra “mafia”, por ejemplo.
Antes de que Francis Ford Coppola aceptara dirigir el film, Charles Bluhdorn y Stanley Jaffe, dueño y presidente de Paramount respectivamente, tuvieron en mente a realizadores prestigiosos como Sergio Leone (“Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo”, 1966), Peter Bogdanovich (“The Last Picture Show”, 1971), Peter Yates (“Murphy’s War”, 1969), Elia Kazan (“A Streetcar named Desire”, 1951), Otto Preminger (“Exodus”, 1960), Richard Brooks (“Cat on a Hot Tin Roof”, 1958), Arthur Penn (“Bonnie and Clyde”, 1967) y Costa-Gavras (“Z”, 1969), pero todos rechazaron la oferta. Por su parte, Evans estaba empecinado en que el director tenía que ser de ascendencia italiana para que la película respirara su origen étnico en cada encuadre, aunque no por eso no se contradijeron al contratar a Rudy. Para el productor, el reciente fracaso de “The Brotherhood” (1968) de Martin Ritt, película de similar temática, se debía a la ausencia de un reparto de ascendencia italiana, por lo tanto, idealmente debía ser hecha por ítaloestadounidenses y no por meros estadounidenses o italianos. Por tal razón, contrataron finalmente a un joven Coppola que venía de la paradoja del fracaso comercial con “The Rain People” (1969) y la obtención del Oscar al mejor guión por “Patton” (1970) de Franklin J. Schaffner.
De hecho, Coppola fue contratado porque estaba acostumbrado a trabajar con bajos presupuestos, pero no terminaba de gustar a los ejecutivos de Paramount debido a su escaso éxito comercial y, como veríamos más tarde, su demora en escoger al reparto de sus películas. Por su parte, Coppola aceptaría la dirección por una cuestión económica y profesional, sobre todo después del desliz comercial de su última película y la fundación de su propia productora, American Zoetrope, con la cual había quedado adeudando US$400.000 a WB por haberse excedido del presupuesto del film “THX 1138” (1971) del debutante George Lucas. Sin embargo, a medida que se fue involucrando en todos los aspectos del film, especialmente en la coescritura del guión junto al mismo Mario Puzo de la novela homónima, llegando a sentir el proyecto como algo personal al cual pudo incorporarle su propia y personal visión debido a su ascendencia y experiencia como ítaloestadounidense.
Por lo anteriormente señalado, no es de extrañar que la relación entre Paramount y el director fuese muy complicada y tensa. Los problemas comenzaron cuando los ejecutivos de Paramount quisieron imponer a Coppola que la película se ambientara en Kansas y no necesariamente en los tiempos que relata la novela, propuesta que el director rechazó tajantemente porque él quería dar lógica narrativa a varias cuestiones de la novela que eran importantes, como justificar el tiempo que pasó Michael Corleone en el Cuerpo de Marines, el surgimiento de la América Corporativa post II Guerra Mundial y la consolidación del llamado “Sindicato Nacional del Crimen” por Lucky Luciano. Bluhdorn, dueño de Paramount, por otra parte, estaba molesto con Coppola por la cantidad de pruebas de pantalla que realizaba que retrasaban el rodaje y costaban miles de dólares mensuales. Otra queja recurrente era la falta de violencia real que Coppola estaba concibiendo en el film. Con el estrés de saber de la disconformidad de los ejecutivos de Paramount y algunas quejas de miembros de su propio técnico, Coppola seguiría a cargo del proyecto siempre temiendo ser despedido, y sólo fue su fuerte carácter, sus eficientes resultados y el apoyo de Marlon Brando lo que le permitieron sobrellevar el infernal rodaje.
Narrativamente, el guión del film es un extraordinario ejemplo de lo que es la eficiente traslación de novela a guión sin sacrificar demasiado los detalles de la trama y manteniendo su estructura, ritmo e interés literario. Puede que haya ayudado mucho que el propio Puzo haya escrito finalmente la novela pensando en su pronta adaptación fílmica, pero Coppola también incorporaría varios aspectos decisivos para su estructuración. A pesar de cada uno escribiría su propio borrador, demostraron tener una buena química a la hora de consultarse mutuamente sobre qué elementos incluir y cuáles descartar. Por ejemplo, Puzo vio con buenos ojos los elementos que Coppola sumó respecto a las costumbres, tradiciones y caracteres de los emigrantes italianos de las primeras décadas del siglo XX que serían claves a la hora de entender la cultura ítaloestadounidense. El prólogo del film, con la detallada exposición de la boda de Connie y Carlo, la fiesta y las reuniones privadas de Vito Corleone con sus (aspirantes a) ahijados es toda una declaración de principios al respecto, como lo son también las secuencias de Michael en Sicilia luego de acabar con Sollozzo y McCluskey y las secuencias intimistas de los Corleone y sus colaboradores más cercanos analizando pasos y planes que seguir.
En la versión final del guión se aprecia cómo la opción de Puzo y Coppola de excluir los saltos del tiempo y las respectivas narraciones desde el punto de vista de otros personajes, juegan en favor de un mayor dinamismo narrativo. Aunque ello elimina información detallada sobre las motivaciones de algunos personajes, por ejemplo, el sicario Luca Brassi y el cantante Johnny Fontane (una clara alusión a Frank Sinatra), permite que la historia se centre en la familia Corleone y la delegación de poder del padre a los hijos en el ocaso de sus días. Coppola se inspiró en “The Tragedy of King Lear” (1604) de William Shakespeare para el desarrollo de este entuerto familiar en el que es la hija menor de Lear, quien termina heredando las responsabilidades de padre contra todos pronóstico. Es así como el film -y sus secuelas- abordarán la transformación de Michael Corleone desde el hijo menor con estudios y carrera prestigiosa que Vito ha decidido mantener alejado de los asuntos del crimen organizado, al inesperado heredero del mando familiar en los asuntos de la Cosa Nostra, superando a sus hermanos mayores, el impulsivo y violento Sonny (que termina pronto muerto) y el pusilánime y mujeriego Fredo.
Visualmente, “The Godfather” (1971) goza del inigualable talento del fotógrafo Gordon Willis (“The Purple Rose of Cairo”, 1985) para una docena de las más emblemáticas secuencias de la historia del cine como la boda de Connie y Carlo, la recepción de Vito a sus “ahijados” mientras acaricia un gato, la aparición de Johnny Fontane cantando en el evento, el espeluznante descubrimiento equino en la cama de Jack Woltz, el atentado a Vito Corleone mientras compraba fruta, la mortal cena de Sollozo y McCluskey a manos de Michael, la golpiza de Sonny a Carlo por maltratar a Connie, el cortejo y matrimonio de Michael y Apollonia, la letal emboscada a Sonny, la reunión de las 5 familias, el ataque cardíaco de Vito mientras jugaba con su nieto, la traición de Tessio y el ajuste de cuentas a Carlo y Barzini, entre otras. La filmación se llevó a cabo entre el 29 de marzo y el 6 de agosto de 1971 y se realizó California, pero esencialmente New York, como el vecindario de Staten Island (boda de Connie y Carlo), Mott Street (negocio de aceite de Ooliva), el Best & Co. De Nueva York (Michael y Kay haciendo compras navideñas), el frente del edificio de la Corte Suprema Foley Square (asesinato de Barzini), la pista de aterrizaje de Mitchel Field en Mineola en donde se construyeron casetas de peaje (asesinato de Sonny), entre más de 100 locaciones. En Sicilia, Coppola escogió Savoca y Forza dAgrò como ciudades para la estadía de Michael, el cortejo y boda con Apollonia y su trágica separación.
En el caso de las escenas exteriores, “The Godfather” (1972) cuenta con una fotografía predominante iluminada en la resaltan los colores naturales (las bodas de Connie y Michael, principalmente) que rememora la plástica del neorrealismo italiano mientras que, para las escenas de interior, Willis empleó magistralmente el concepto del claroscuro (por ejemplo, para disimular el maquillaje de un Marlon Brandon envejecido, incluidos los algodones en las mejillas) También, en un claro ejercicio vanguardista para su época, para conseguir “el efecto de cueva” de las reuniones íntimas de las familias, utilizó los focos en posición cenital dar la sensación que toda la iluminación proviene desde arriba. Aunque esta técnica no gozaba de popularidad en aquel entonces por reforzar demasiado un enfoque teatral y sólo films deudores del expresionismo alemán como “The Night of the Hunter” (1955) de Charles Laughton exploraban las sombras en el rostro de los actores, Willis lograría un desarrollo psicológico de los personajes a través de la luz y un realismo visual que establecería escuela para futuros directores del cine negro como Martin Scorsese (“Goodfellas”, 1990) y Brian de Palma (“Scarface”, 1983).
Una de las tantas obsesiones de Coppola fue escoger un reparto competente y de primer nivel. Fue Puzo el primero en proponer a Marlon Brando para el papel de Vito Corleone, señalando que era él único que podía hacerlo. Coppola también lo tenía en mente, además de Laurence Olivier, mientras que el estudio quería a Ernest Borgnine. También se contemplaron a George C. Scott, Richard Conte, Anthony Quinn y Orson Welles. Coppola inteligentemente hizo un simulacro de prueba de cámara con Brando porque no quería ofenderlo tras la solicitud de Paramount de hacer una prueba de actuación. Brando convenció sin problemas y fue reclutado después de aceptar rebajar sus pretensiones salariales y comprometerse a no retrasar el rodaje. Coppola no tuvo problemas con los ejecutivos de Paramount para escoger a Robert Duvall (“Apocalypse Now”, 1979), John Cazale, Gianni Russo y Diane Keaton para los papeles de Tom Hagen, Fredo Corleone, Carlo Rizzi y Kay Adams. El papel de Paulie Gatto fue ofrecido primero a Robert DeNiro, pero finalmente lo consiguió Johnny Martino (“Capone”, 1975). También incluyó a miembros de su familia, su hermana Talia Shire (Saga “Rocky”, 1976-1990) encarnó a Connie, su pequeña hija Sofia personificó a Michael Francis Rizzi, el hijo recién nacido de Connie y Carlo. Sus padres, su esposa y otros dos hijos de aparecieron como extras.
Hubo algunas selecciones que se convirtieron en un entuerto para el futuro director de “Bram Stoker’s Dracula”, 1992). Por ejemplo, Ruddy le había dado el papel del cantante Johnny Fontane a Al Martino, pero Coppola no lo sabía y se lo otorgó a Vic Damone. Martino no tendría tapujos en recurrir a Russell Bufalino, su padrino y jefe del crimen organizado, quien presionó para que se le devolviera el personaje. Por tal razón, no sería raro que el propio Damone decidiera dejar el papel para evitar problemas con la mafia. Para el papel de Michael Corleone, en tanto, la Paramount sondeó a Warren Beatty, Robert Redford, Dustin Hoffman, Martin Sheen y James Caan, el productor Robert Evans a Ryan O’Neal y Coppola a Al Pacino, donde el director se enfrentó a la oposición de los demás por la carrera desconocida y la baja estatura de su candidato. Después de varias conversaciones, Coppola logró imponer a Pacino y le dio a Caan el personaje de Sonny. Finalmente, otra elección polémica fue la de Lenny Montana para interpretar al sicario de los Corleone, Luca Brasi. Montana había tenido una exitosa carrera como luchador profesional y también se desempeñó como sicario de la familia criminal Colombo, una de las 5 familias que controlaban el crimen organizado de Nueva York.
La maravillosa e icónica partitura de “The Godfather” (1972) fue compuesta por el compositor italiano Nino Rota para crear el subrayado de la película, incluido el tema principal. Destaca, en primer lugar, “The Godfather Waltz”, el emblemático y melancólico vals y tema principal de la película, que aparece en el prólogo, el atentado a Vito Corleone y la conversión de Michael como el nuevo padrino entre las 11 veces que aparece, en donde la instrumentación y el tratamiento rítmico varía, cambiando su significado según corresponda. También está la más recordada de toda la banda sonora, “Apollonia”, que tiene varias apariciones en escenas de los Corleone, pero que tiene su más potente protagonismo cuando Michael conoce a su futura esposa siciliana, gracias a la utilización de una mandolina. Otras melodías famosas son “Michael Theme” utilizada especialmente cuando el hijo se percata que se convertido en la padre de su padre, la reinterpretación de “Manhattan Serenade” (1928) de Louis Alter que Coppola usa para el viaje de Tom a California, “Have Yourself a Merry Little Christmas” a cargo de Al Martino, la revisión de ““All of My Life” (1944) de Irving Berlin y “The Loneliness” de Carmine Coppola, padre del director, cuando se anuncia en los periódicos la muerte de Sollozzo y McCluskey, ¨Cè la luna mezzo mare¨ y el aria de Cherubino, ¨Non so più cosa son¨ de Le Nozze di Figaro¨ (1786) de W.A. Mozart.
El film fue estrenado el 15 de marzo de 1972. Durante el primer fin de semana ganó US$ 30 millones y terminó por recaudar casi US$135 millones sólo en Estados Unidos y más de $US 110 millones a nivel internacional. En total, recaudó más de US$ 245 millones a partir de un presupuesto de US$6 millones, lo que la convierte en un batacazo comercial. La crítica, por su parte, no hizo más que elogiarla y aclamarla, coincidiendo en que se trataba en una de las mejores películas de historia del cine. Tendría dos secuelas, “The Godfather II” (1974) protagonizada por Al Pacino y Robert DeNiro, considerada tan asombrosa como esta primera entrega y “The Godfather III” (1990) protagonizada por Al Pacino y Andy García, que tuvo una menor repercusión, pero que de todas formas cierra sólidamente una de las trilogías cinematográficas más aclamadas de la historia.
“The Godfather” (1972) fue nominada a 7 Globos de Oro ganando 5 incluyendo mejor película, director, actor protagónico (Brando), guión adaptado y música, batiendo un récord que no sería batido sino hasta 2017. Fue nominada a los Bristish Academy Awards en las categorías de mejor actor (Brando), revelación (Pacino), actor secundario (Duvall), vestuario y música, ganando sólo Rota.
Fue nominada a 11 Oscars a mejor película, director, diseño de vestuario, actor protagónico (Brando), guión adaptado, actor de reparto (Duvall, Caan y Pacino), montaje, música y sonido. Sin embargo, el jurado seleccionado consideró que la partitura de Rota se había basado en la utilizada para la comedia “Fortunella” (1958) de Eduardo De Filippo y le quitó la nominación a favor de “Sleuth” (1972). De cualquier forma, Rota ganó el Grammy a la mejor partitura. De las 10 nominaciones finales, “The Godfather” (1972) se quedaría con sólo 3, pero de los más importantes, mejor película, guión adaptado y actor protagónico. Marlon Brando lo rechazaría convirtiéndose en el segundo actor en rechazar un Oscar después de George C. Scott en 1970. El polémico actor envió a Sacheen Littlefeather, activista de los derechos de los indios americanos en su lugar, para explicar las razones de su rechazo. Al Pacino también se negó a asistir alegando que debió haber sido nominado como mejor actor protagónico en lugar de secundario, pues, en su opinión, tenía más pantalla que Brando.
En resumen, una monumental adaptación de la novela de Puzo que brilla en todos sus aspectos narrativos, técnicos e interpretativas y que goza, con total justicia, el calificativo de obra maestra y una de las mejores películas de la historia del cine.
mahotsukai
10
Obra maestra dirigida por Francis Ford Coppola, considerada una de las mejores películas de la historia del cine.
Estados Unidos, 1940. Don Vito Corleone, respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York, ignorando los consejos de Il consigliere Tom Hagen, se niega a participar en el negocio de las drogas. En represalia, el jefe de otra banda ordena su asesinato, iniciando una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.
La génesis de “The Godfather” (1972) se remonta a 1967 cuando un explorador literario de Paramount contactó al vicepresidente Peter Bart para comentarle sobre un manuscrito incompleto de 60 páginas escrito por el destacado novelista estadounidense de ascendencia italiana Mario Puzo, cuyas novelas La arena sucia “The Dark Arena” (“La Arena Sucia”, 1955) y “The Fortunate Pilgrim” (“La Mamma”, 1965) habían tenido una gran acogida. Bart vio en el borrador más que una historia de mafia y ofreció a Puzo US$ 12.500 por los derechos y US$80.000 si realizaba una adaptación para una película. Fue finalmente Robert Evans, productor ejecutivo de Paramount, quien logró el acuerdo con Puzo en la primavera de 1968 bajo los términos señalados, lo que llevó a la publicación de la novela que terminó titulándose “The Godfather” en abril de 1969 y la confirmación de su adaptación cinematográfica tras convertirse en un best-sellers, permaneciendo en la lista del New York Times durante 67 semanas, y vendiendo 9 millones de copias en 2 años. De esta forma, se proyectó el estreno del film para la Navidad de 1971.
En marzo de 1970, Paramount anunció al canadiense Albert S. Ruddy (“Wild Seed”, 1965) como productor del film, sin embargo, ante el anuncio de la producción no tardó en hacerse presente la controversia y la turbación a través de protestas de la Liga de los Derechos Civiles de los Italoestadounidenses, senadores del Congreso de los Estados Unidos y legisladores del estado de Nueva York y, por supuesto, amenazas e intimidaciones de la rama estadounidense de la Cosa Nostra en el país. Se dice que altos ejecutivos de Paramount y el propio Ruddy participaron de reuniones con representantes italoestadounidenses, legisladores y del crimen organizado para explicarles de qué trataría la película y que temas realmente tocaría para tranquilidad de estos últimos especialmente. Se entiende que de estas negociaciones se desprende el hecho que en el film nunca se utilice la palabra “mafia”, por ejemplo.
Antes de que Francis Ford Coppola aceptara dirigir el film, Charles Bluhdorn y Stanley Jaffe, dueño y presidente de Paramount respectivamente, tuvieron en mente a realizadores prestigiosos como Sergio Leone (“Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo”, 1966), Peter Bogdanovich (“The Last Picture Show”, 1971), Peter Yates (“Murphy’s War”, 1969), Elia Kazan (“A Streetcar named Desire”, 1951), Otto Preminger (“Exodus”, 1960), Richard Brooks (“Cat on a Hot Tin Roof”, 1958), Arthur Penn (“Bonnie and Clyde”, 1967) y Costa-Gavras (“Z”, 1969), pero todos rechazaron la oferta. Por su parte, Evans estaba empecinado en que el director tenía que ser de ascendencia italiana para que la película respirara su origen étnico en cada encuadre, aunque no por eso no se contradijeron al contratar a Rudy. Para el productor, el reciente fracaso de “The Brotherhood” (1968) de Martin Ritt, película de similar temática, se debía a la ausencia de un reparto de ascendencia italiana, por lo tanto, idealmente debía ser hecha por ítaloestadounidenses y no por meros estadounidenses o italianos. Por tal razón, contrataron finalmente a un joven Coppola que venía de la paradoja del fracaso comercial con “The Rain People” (1969) y la obtención del Oscar al mejor guión por “Patton” (1970) de Franklin J. Schaffner.
De hecho, Coppola fue contratado porque estaba acostumbrado a trabajar con bajos presupuestos, pero no terminaba de gustar a los ejecutivos de Paramount debido a su escaso éxito comercial y, como veríamos más tarde, su demora en escoger al reparto de sus películas. Por su parte, Coppola aceptaría la dirección por una cuestión económica y profesional, sobre todo después del desliz comercial de su última película y la fundación de su propia productora, American Zoetrope, con la cual había quedado adeudando US$400.000 a WB por haberse excedido del presupuesto del film “THX 1138” (1971) del debutante George Lucas. Sin embargo, a medida que se fue involucrando en todos los aspectos del film, especialmente en la coescritura del guión junto al mismo Mario Puzo de la novela homónima, llegando a sentir el proyecto como algo personal al cual pudo incorporarle su propia y personal visión debido a su ascendencia y experiencia como ítaloestadounidense.
Por lo anteriormente señalado, no es de extrañar que la relación entre Paramount y el director fuese muy complicada y tensa. Los problemas comenzaron cuando los ejecutivos de Paramount quisieron imponer a Coppola que la película se ambientara en Kansas y no necesariamente en los tiempos que relata la novela, propuesta que el director rechazó tajantemente porque él quería dar lógica narrativa a varias cuestiones de la novela que eran importantes, como justificar el tiempo que pasó Michael Corleone en el Cuerpo de Marines, el surgimiento de la América Corporativa post II Guerra Mundial y la consolidación del llamado “Sindicato Nacional del Crimen” por Lucky Luciano. Bluhdorn, dueño de Paramount, por otra parte, estaba molesto con Coppola por la cantidad de pruebas de pantalla que realizaba que retrasaban el rodaje y costaban miles de dólares mensuales. Otra queja recurrente era la falta de violencia real que Coppola estaba concibiendo en el film. Con el estrés de saber de la disconformidad de los ejecutivos de Paramount y algunas quejas de miembros de su propio técnico, Coppola seguiría a cargo del proyecto siempre temiendo ser despedido, y sólo fue su fuerte carácter, sus eficientes resultados y el apoyo de Marlon Brando lo que le permitieron sobrellevar el infernal rodaje.
Narrativamente, el guión del film es un extraordinario ejemplo de lo que es la eficiente traslación de novela a guión sin sacrificar demasiado los detalles de la trama y manteniendo su estructura, ritmo e interés literario. Puede que haya ayudado mucho que el propio Puzo haya escrito finalmente la novela pensando en su pronta adaptación fílmica, pero Coppola también incorporaría varios aspectos decisivos para su estructuración. A pesar de cada uno escribiría su propio borrador, demostraron tener una buena química a la hora de consultarse mutuamente sobre qué elementos incluir y cuáles descartar. Por ejemplo, Puzo vio con buenos ojos los elementos que Coppola sumó respecto a las costumbres, tradiciones y caracteres de los emigrantes italianos de las primeras décadas del siglo XX que serían claves a la hora de entender la cultura ítaloestadounidense. El prólogo del film, con la detallada exposición de la boda de Connie y Carlo, la fiesta y las reuniones privadas de Vito Corleone con sus (aspirantes a) ahijados es toda una declaración de principios al respecto, como lo son también las secuencias de Michael en Sicilia luego de acabar con Sollozzo y McCluskey y las secuencias intimistas de los Corleone y sus colaboradores más cercanos analizando pasos y planes que seguir.
En la versión final del guión se aprecia cómo la opción de Puzo y Coppola de excluir los saltos del tiempo y las respectivas narraciones desde el punto de vista de otros personajes, juegan en favor de un mayor dinamismo narrativo. Aunque ello elimina información detallada sobre las motivaciones de algunos personajes, por ejemplo, el sicario Luca Brassi y el cantante Johnny Fontane (una clara alusión a Frank Sinatra), permite que la historia se centre en la familia Corleone y la delegación de poder del padre a los hijos en el ocaso de sus días. Coppola se inspiró en “The Tragedy of King Lear” (1604) de William Shakespeare para el desarrollo de este entuerto familiar en el que es la hija menor de Lear, quien termina heredando las responsabilidades de padre contra todos pronóstico. Es así como el film -y sus secuelas- abordarán la transformación de Michael Corleone desde el hijo menor con estudios y carrera prestigiosa que Vito ha decidido mantener alejado de los asuntos del crimen organizado, al inesperado heredero del mando familiar en los asuntos de la Cosa Nostra, superando a sus hermanos mayores, el impulsivo y violento Sonny (que termina pronto muerto) y el pusilánime y mujeriego Fredo.
Visualmente, “The Godfather” (1971) goza del inigualable talento del fotógrafo Gordon Willis (“The Purple Rose of Cairo”, 1985) para una docena de las más emblemáticas secuencias de la historia del cine como la boda de Connie y Carlo, la recepción de Vito a sus “ahijados” mientras acaricia un gato, la aparición de Johnny Fontane cantando en el evento, el espeluznante descubrimiento equino en la cama de Jack Woltz, el atentado a Vito Corleone mientras compraba fruta, la mortal cena de Sollozo y McCluskey a manos de Michael, la golpiza de Sonny a Carlo por maltratar a Connie, el cortejo y matrimonio de Michael y Apollonia, la letal emboscada a Sonny, la reunión de las 5 familias, el ataque cardíaco de Vito mientras jugaba con su nieto, la traición de Tessio y el ajuste de cuentas a Carlo y Barzini, entre otras. La filmación se llevó a cabo entre el 29 de marzo y el 6 de agosto de 1971 y se realizó California, pero esencialmente New York, como el vecindario de Staten Island (boda de Connie y Carlo), Mott Street (negocio de aceite de Ooliva), el Best & Co. De Nueva York (Michael y Kay haciendo compras navideñas), el frente del edificio de la Corte Suprema Foley Square (asesinato de Barzini), la pista de aterrizaje de Mitchel Field en Mineola en donde se construyeron casetas de peaje (asesinato de Sonny), entre más de 100 locaciones. En Sicilia, Coppola escogió Savoca y Forza dAgrò como ciudades para la estadía de Michael, el cortejo y boda con Apollonia y su trágica separación.
En el caso de las escenas exteriores, “The Godfather” (1972) cuenta con una fotografía predominante iluminada en la resaltan los colores naturales (las bodas de Connie y Michael, principalmente) que rememora la plástica del neorrealismo italiano mientras que, para las escenas de interior, Willis empleó magistralmente el concepto del claroscuro (por ejemplo, para disimular el maquillaje de un Marlon Brandon envejecido, incluidos los algodones en las mejillas) También, en un claro ejercicio vanguardista para su época, para conseguir “el efecto de cueva” de las reuniones íntimas de las familias, utilizó los focos en posición cenital dar la sensación que toda la iluminación proviene desde arriba. Aunque esta técnica no gozaba de popularidad en aquel entonces por reforzar demasiado un enfoque teatral y sólo films deudores del expresionismo alemán como “The Night of the Hunter” (1955) de Charles Laughton exploraban las sombras en el rostro de los actores, Willis lograría un desarrollo psicológico de los personajes a través de la luz y un realismo visual que establecería escuela para futuros directores del cine negro como Martin Scorsese (“Goodfellas”, 1990) y Brian de Palma (“Scarface”, 1983).
Una de las tantas obsesiones de Coppola fue escoger un reparto competente y de primer nivel. Fue Puzo el primero en proponer a Marlon Brando para el papel de Vito Corleone, señalando que era él único que podía hacerlo. Coppola también lo tenía en mente, además de Laurence Olivier, mientras que el estudio quería a Ernest Borgnine. También se contemplaron a George C. Scott, Richard Conte, Anthony Quinn y Orson Welles. Coppola inteligentemente hizo un simulacro de prueba de cámara con Brando porque no quería ofenderlo tras la solicitud de Paramount de hacer una prueba de actuación. Brando convenció sin problemas y fue reclutado después de aceptar rebajar sus pretensiones salariales y comprometerse a no retrasar el rodaje. Coppola no tuvo problemas con los ejecutivos de Paramount para escoger a Robert Duvall (“Apocalypse Now”, 1979), John Cazale, Gianni Russo y Diane Keaton para los papeles de Tom Hagen, Fredo Corleone, Carlo Rizzi y Kay Adams. El papel de Paulie Gatto fue ofrecido primero a Robert DeNiro, pero finalmente lo consiguió Johnny Martino (“Capone”, 1975). También incluyó a miembros de su familia, su hermana Talia Shire (Saga “Rocky”, 1976-1990) encarnó a Connie, su pequeña hija Sofia personificó a Michael Francis Rizzi, el hijo recién nacido de Connie y Carlo. Sus padres, su esposa y otros dos hijos de aparecieron como extras.
Hubo algunas selecciones que se convirtieron en un entuerto para el futuro director de “Bram Stoker’s Dracula”, 1992). Por ejemplo, Ruddy le había dado el papel del cantante Johnny Fontane a Al Martino, pero Coppola no lo sabía y se lo otorgó a Vic Damone. Martino no tendría tapujos en recurrir a Russell Bufalino, su padrino y jefe del crimen organizado, quien presionó para que se le devolviera el personaje. Por tal razón, no sería raro que el propio Damone decidiera dejar el papel para evitar problemas con la mafia. Para el papel de Michael Corleone, en tanto, la Paramount sondeó a Warren Beatty, Robert Redford, Dustin Hoffman, Martin Sheen y James Caan, el productor Robert Evans a Ryan O’Neal y Coppola a Al Pacino, donde el director se enfrentó a la oposición de los demás por la carrera desconocida y la baja estatura de su candidato. Después de varias conversaciones, Coppola logró imponer a Pacino y le dio a Caan el personaje de Sonny. Finalmente, otra elección polémica fue la de Lenny Montana para interpretar al sicario de los Corleone, Luca Brasi. Montana había tenido una exitosa carrera como luchador profesional y también se desempeñó como sicario de la familia criminal Colombo, una de las 5 familias que controlaban el crimen organizado de Nueva York.
La maravillosa e icónica partitura de “The Godfather” (1972) fue compuesta por el compositor italiano Nino Rota para crear el subrayado de la película, incluido el tema principal. Destaca, en primer lugar, “The Godfather Waltz”, el emblemático y melancólico vals y tema principal de la película, que aparece en el prólogo, el atentado a Vito Corleone y la conversión de Michael como el nuevo padrino entre las 11 veces que aparece, en donde la instrumentación y el tratamiento rítmico varía, cambiando su significado según corresponda. También está la más recordada de toda la banda sonora, “Apollonia”, que tiene varias apariciones en escenas de los Corleone, pero que tiene su más potente protagonismo cuando Michael conoce a su futura esposa siciliana, gracias a la utilización de una mandolina. Otras melodías famosas son “Michael Theme” utilizada especialmente cuando el hijo se percata que se convertido en la padre de su padre, la reinterpretación de “Manhattan Serenade” (1928) de Louis Alter que Coppola usa para el viaje de Tom a California, “Have Yourself a Merry Little Christmas” a cargo de Al Martino, la revisión de ““All of My Life” (1944) de Irving Berlin y “The Loneliness” de Carmine Coppola, padre del director, cuando se anuncia en los periódicos la muerte de Sollozzo y McCluskey, ¨Cè la luna mezzo mare¨ y el aria de Cherubino, ¨Non so più cosa son¨ de Le Nozze di Figaro¨ (1786) de W.A. Mozart.
El film fue estrenado el 15 de marzo de 1972. Durante el primer fin de semana ganó US$ 30 millones y terminó por recaudar casi US$135 millones sólo en Estados Unidos y más de $US 110 millones a nivel internacional. En total, recaudó más de US$ 245 millones a partir de un presupuesto de US$6 millones, lo que la convierte en un batacazo comercial. La crítica, por su parte, no hizo más que elogiarla y aclamarla, coincidiendo en que se trataba en una de las mejores películas de historia del cine. Tendría dos secuelas, “The Godfather II” (1974) protagonizada por Al Pacino y Robert DeNiro, considerada tan asombrosa como esta primera entrega y “The Godfather III” (1990) protagonizada por Al Pacino y Andy García, que tuvo una menor repercusión, pero que de todas formas cierra sólidamente una de las trilogías cinematográficas más aclamadas de la historia.
“The Godfather” (1972) fue nominada a 7 Globos de Oro ganando 5 incluyendo mejor película, director, actor protagónico (Brando), guión adaptado y música, batiendo un récord que no sería batido sino hasta 2017. Fue nominada a los Bristish Academy Awards en las categorías de mejor actor (Brando), revelación (Pacino), actor secundario (Duvall), vestuario y música, ganando sólo Rota.
Fue nominada a 11 Oscars a mejor película, director, diseño de vestuario, actor protagónico (Brando), guión adaptado, actor de reparto (Duvall, Caan y Pacino), montaje, música y sonido. Sin embargo, el jurado seleccionado consideró que la partitura de Rota se había basado en la utilizada para la comedia “Fortunella” (1958) de Eduardo De Filippo y le quitó la nominación a favor de “Sleuth” (1972). De cualquier forma, Rota ganó el Grammy a la mejor partitura. De las 10 nominaciones finales, “The Godfather” (1972) se quedaría con sólo 3, pero de los más importantes, mejor película, guión adaptado y actor protagónico. Marlon Brando lo rechazaría convirtiéndose en el segundo actor en rechazar un Oscar después de George C. Scott en 1970. El polémico actor envió a Sacheen Littlefeather, activista de los derechos de los indios americanos en su lugar, para explicar las razones de su rechazo. Al Pacino también se negó a asistir alegando que debió haber sido nominado como mejor actor protagónico en lugar de secundario, pues, en su opinión, tenía más pantalla que Brando.
En resumen, una monumental adaptación de la novela de Puzo que brilla en todos sus aspectos narrativos, técnicos e interpretativas y que goza, con total justicia, el calificativo de obra maestra y una de las mejores películas de la historia del cine.
Me gusta (2) Reportar