Ficha Amanecer

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Críticas de Amanecer (4)




bigladiesman

  • 31 Oct 2019

9


En los Oscars de 1927 hubo dos categorías de lo que podríamos llamar “Mejor película”, pero por motivos de cohesión, la estadística ha decidido que “Alas” sea la ganadora oficial. La oficiosa fue esta “Amanecer” con la que FW Murnau entró en Hollywood. Y lo que hizo fue los que algunos consideran la película muda definitiva.

Y eso que parte de una premisa simplísima (basada en una historia del novelista y dramaturgo Hermann Sudermann): campesino bastante bruto (el actor de wsterns y compañero de fatigas de John Ford George O’Brien, alternando muy bien entre pelele psicótico y marido ejemplar) se enrolla con lagartona de ciudad (Margaret Livington, una de las muchas vamps de la época) dejando a la santa de su esposa (con su ora vulnerable, ora jovial actuación y su aura de ternura la legendaria Janet Gaynor se llevó un Oscar por esta y dos películas más en esa peculiar primera edición) y al ninio de ambos marginados. Lagartona quiere que campesino se cargue a la pobre esposa. Campesino se arrepiente a tiempo, esposa queda empero traumatizada, van a parar a la ciudad por esas cosas, tienen un epifanía y aquello se convierte una segunda luna de miel. Pero la lagartona no soltará tan fácilmente a su presa...

¿Sencillito, no? Pues esperad a ver la puesta en escena: Murnau y su guionista favorito Carl Mayer convierten lo que sería un drama romántico con ligeros elementos cómicos en un poema visual.

Murnau se trajo a los EE.UU. varios de los hallazgos técnicos que había ido desarrollando en Alemania. La estética de la película es eminentemente expresionista (los sets de la ciudad son pura elegancia, y las vistas de maquetas recuerdan al Fausto del propio Murnau) así como el uso de la cámara: ángulos complejos y bastante movimiento.
El montaje es muy ingenioso: por ejemplo, el hecho de que algunas escenas se desarrollen como flashbacks dentro de los intertítulos los integran por completo en la trama. A parte de eso, dichos intertítulos están cargados de efectos y detalles para enfatizarlos: uno se puede hacer una idea mental no solo de los pensamientos, sino incluso del tono de voz que utilizan los personajes. Cabe decir que conforme avanza la acción se hacen menos frecuentes hasta casi desaparecer (Murnau odiaba los intertítulos en general).

Murnau dio un ejemplo de libro de cómo convertir una historia mundana en un poema épico y aprovechar los recursos expresivos del cine mudo justo cuando nacía el sonoro. Una obra de arte.



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mahotsukai

  • 6 Aug 2013

9



Primer film en Estados Unidos del genial F.W. Murnau, en una nueva muestra de su talento, está vez alejado de castillos siniestros y criaturas diabólicas, para traernos una obra altamente sensible y conmovedora, que le significó además llevarse 3 Óscar en la primera edición de los premios en 1928.

Murnau presenta la historia de un familia de campo, un matrimonio y un niño de corta edad, cuya apacible y aburrida vida se ve afectada por la llegada de una sofisticada mujer desde la ciudad. El campesino se obsesionará con esta nueva mujer, comenzando a descuidar la granja y a su familia y tendrá su punto álgido cuando la mujer le pide que se deshaga de su esposa para irse con ella a la ciudad. Contrariado, el hombre planeará el ahogo de su esposa en un lago.

Un film que profundiza una serie de aspectos como la infidelidad, la obsesión y la traición pero también el perdón, el derecho a comenzar de nuevo en un entorno simbólico que contrapone el anonimato de los personajes en su propio entorno y en el de la ciudad.

Y digo anonimato, no sólo porque los personajes de esta historia no tienen nombre, sino porque el simbolismo que denota es la universalidad del amor y el perdón, en donde lo que importa es esta relación fundamental entre dos seres que se aman, de ahí, el título que Murnau pone a su obra: ¨Sunrise: A Song of Two Humans¨ (Amanecer: Una canción de dos seres humanos)

Hay que reconocer que podría abrirse un debate por la forma en la que Murnau presenta la actitud del campesino al querer estrangular a su amante, ante la posibilidad de que su esposa haya muerto. Esto puede verse de varias formas, pero lo cierto es que no advierto tintes machistas en la perspectiva murnauniana, ya que lo que intenta el director alemán no es encontrar una justificación al sentimiento de culpa del campesino, sino mostrar su reacción más obvia, como macho al fin de cuentas, si bien el personaje asume su responsabilidad, pide perdón y decide darse otra oportunidad con su mujer. Por otra parte, hay algún detalle con el bebé de ambos, ¿qué sucede con él? ¿quién se hace cargo de él mientras estos dos se reconcilian en la ciudad y deciden empezar de nuevo? ahí noto algún vacío, que en ningún caso es muy decisivo.

El film supone un ejemplo de la impronta técnica traída de Europa, especialmente a través del trabajo de los germanos Charles Rosher y Karl Struss, éste último responsable de la cinematografía de clásicos como ¨Dr. Jeckyll and Mr. Hyde¨ (1931), ¨The Great Dictator¨ (1940), ¨Limelight¨ (1952) y ¨The Fly¨ (1958), por nombrar algunos. Rosher y Struss fueron de los primeros que introdujeron los ¨travelling shots¨, conocidos como el ¨acarreo¨ de la cámara por rieles que siguen a los actores en sus desplazamiento, en especial, en las escenas de acción. En ese momento, pioneros.

De la misma forma, destaca la utilización de la perspectiva forzada, que muestra por ejemplo en una sola toma a la gente y la ciudad en primer plano y otras figuras más pequeñas en el fondo, algo que también era una innovación en esos años, ya que se privilegiaba una toma central con los protagonistas de la acción, prescindiendo de los secundarios, que preferentemente estaban en otras tomas.

Ya expuesto mi punto de vista, agradezco a Murnau esa capacidad de maravillar en el género que le pongan por delante. Eso es ser un gran director: poder hacer películas de todo.



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gery

  • 6 Feb 2013

7


Fallar -con o sin querer- a alguien que te quiere, ya está mal. Pero mucho peor es traicionar al ser que te ama por culpa de terceras personas a las que su máxima diversión sea manipular. Algo así como la sumisión, cuyo significado es el sometimiento de alguien a otra u otras personas. La sumisión y el arrepentimiento son las palabras con las que se centró el cineasta alemán F. W. Murnau (Nosferatu) para llevar a cabo el mensaje de la película Sunrise, en 1927.

El film trata sobre la historia de una modesta familia que convive felizmente en el campo. El bienestar del matrimonio será puesto a prueba a causa de la amante del granjero, después de que ésta le pidiese que asesinara a su mujer para así fugarse juntos.

El cineasta utilizó un ordenado desenvolvimiento –en los que ojearemos unos planos exteriores e interiores sobre el humilde hogar familiar-, nudo –en que la toma de decisiones de los personajes será clave- y desenlace. Este orden fue empleado por un correcto transcurso de escenas, del que abundan los juegos psicológicos y sentimentales (amor y desamor; traición; arrepentimiento) que posee la película y que tanto caracterizaron al astro alemán.

El equipo técnico de la película era sólido. Con un George O’Brien que se uniría con Murnau después de rodar con John Ford El caballo de hierro. El intérprete logró una buena actuación, representado a un personaje que demuestra que a uno se le puede quedar cara de loco de remate (literalmente) al no saber enfrentarse a los propios miedos. El actor estuvo acompañado por una Janet Gaynor que figuraba todo lo contrario; un papel que mostraba la inocencia e ilusión por un mañana mejor. La buena y natural interpretación que cuajó la dulce actriz significó otro Oscar a su carrera -dos en un año, al también conseguirlo en Seventh Heaven-.

La banda sonora fue compuesta por Hugo Riesenfeld. Con unas melodías que variaban según el tema que comportara la escena. Creando una angustiosa atmósfera ante los instantes en que el granjero tendría serios dilemas sobre qué hacer. A destacar los momentos en los que un plano entero con travelling muestra las dudas que acaparan la cabeza del protagonista, o los de un plano detalle que resaltan un trozo de madera -algo que cobra un significado simbólico al inicio del film, pero que acaba con un mensaje totalmente opuesto-.


En definitiva, Sunrise es una buena película de romance dramático con dosis de intriga en el que cada detalle cobra un significado propio. Con muchos pensamientos ocultos y con muchas respuestas arriesgadas.



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billy_lum

  • 2 Aug 2010

8


Esta película ya estaba en la sección de abandomoviez, pero realmente creo que está mucho mejor aqui en la sección de clásicos de culto. De entrada decir que a pesar de tratarse de cine mudo no me pareció nada aburrida. Tampoco me resultó empalagosa, todo lo contrario, me pareció divertida, entretenida, emocionante e interesante. Genial sin duda, aunque le hubiese dado mejor nota si hubiese sido más cortita. De obligada visión para descubrir cómo se debe filmar una historia en imágenes, cada fotograma encierra más expresividad que cientos de minutos del actual cine hollywoodiense. Muy recomendable, una historia de amor de verdad.



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Críticas: 4


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