No es una película que vaya a cambiar la historia del cine, pero oye, se deja ver con bastante agrado. La trama gira alrededor de una mujer acomodada que de repente se ve con problemas económicos y acaba trabajando en un sitio bastante peculiar. Allí conoce a dos compañeras con sus propios líos personales y entre las tres surge una idea para ganar dinero fácil. A partir de ahí todo se convierte en una comedia de enredos bastante simpática.

Lo que más funciona es el trío protagonista. Se nota que cada una aporta su energía y juntas consiguen que la película tenga ritmo y momentos divertidos. La protagonista principal lleva el peso de la historia con mucho carisma, mientras que la compañera más veterana del grupo aporta corazón y sentido del humor. La tercera en discordia está algo más desdibujada, como si el guion no supiera muy bien qué hacer con ella, pero aun así no molesta.

Tiene situaciones algo exageradas y un tono muy ligero, pero creo que eso juega a su favor. No pretende ser realista ni profunda, solo entretener durante un rato y lo consigue sin complicarse demasiado. No es una joya ni falta que hace, a veces apetece algo así de simple para desconectar un rato y ya está.

No es una gran película ni de lejos, pero tiene un encanto raro que me hizo quedarme hasta el final. Se nota que el reparto es bastante amateur, algunos parecen gente sacada de la calle más que actores, y eso le da un aire muy casero. Curiosamente, esa falta de profesionalidad también le aporta algo auténtico, como si todo fuera más improvisado y natural.

La historia es sencillísima: viaje, encuentros por el camino y poco más, con ese rollo de ir de un sitio a otro sin mucha complicación. El ritmo es lento, bastante tranquilo, pero tiene algo que te mantiene mirando la pantalla sin saber muy bien por qué. No esperaba nada y al final me entretuvo más de lo que pensaba.

Eso sí, los fallos cantan mucho, sobre todo con el animal que va saliendo durante la peli. Cambia demasiado de una escena a otra y hay momentos en los que parece otro completamente distinto aun así, como curiosidad rara para una tarde tonta, no me disgustó.

“El ministro de propaganda“ nos presenta a Joseph Goebbels, el cerebro detrás de la propaganda nazi, de una forma diferente a lo que estamos acostumbrados. En lugar de mostrarlo como un monstruo unidimensional, la película de Joachim Lang explora su vida con un enfoque humano, destacando sus contradicciones, sus tormentos personales y sus sueños de grandeza. Goebbels no es solo un villano, sino un hombre común que usó su increíble capacidad de manipulación para convertirse en el brazo derecho de Hitler, lo que le da un toque más inquietante.

La película es una reflexión sobre el poder de la manipulación mediática y cómo, a través de la propaganda, Goebbels logró moldear la realidad y controlar las masas. Con un estilo sobrio y preciso, Lang no solo nos lleva a los años oscuros del nazismo, sino que también hace una crítica al uso de la manipulación informativa en la actualidad. El filme nos recuerda lo peligroso que puede ser un sistema que controla la información y, por ende, la verdad.

Robert Stadlober hace un trabajo impresionante interpretando a Goebbels, dándole una dimensión humana y aterradora al personaje. La ambientación, la fotografía y la atmósfera general son oscuras y potentes, creando un clima de tensión constante. “El ministro de propaganda“ no solo es un recordatorio del pasado, sino también una advertencia sobre cómo el poder puede seguir controlando nuestras vidas si no estamos atentos. Es una película que no solo se disfruta, sino que invita a la reflexión.

The Last Stop in Yuma County es una película que, aunque en principio podría parecer una historia más de supervivencia en un lugar remoto, se va tornando cada vez más interesante a medida que el caos va tomando protagonismo. Ambientada en un diner perdido en el desierto de Arizona, donde un grupo de personajes se ve atrapado mientras esperan que llegue el combustible, la historia toma un tono cada vez más delirante. Desde el vendedor de cuchillos, que llega desesperado y triste, hasta una pareja de criminales peligrosos, la tensión se va acumulando, y lo que comienza como una simple espera se convierte en una serie de malas decisiones, violencia y caos.

La dirección de Francis Galluppi se inspira en grandes thrillers de los 80 y 90 como “Fargo“, donde el humor negro y la violencia se mezclan de una manera única. Aunque la película tiene un ritmo algo constante, no deja de sorprender con giros inesperados que te mantienen atento. La atmósfera en la que se desarrollan los acontecimientos está perfectamente lograda, haciendo que el calor y el mal ambiente del lugar sean casi personajes más. La combinación de thriller y comedia negra crea un cóctel de tensión que es imposible de abandonar.

Jim Cummings, en el papel de un vendedor de cuchillos nervioso y desesperado, es el que se roba toda la atención. Su personaje, constantemente al borde de la explosión, transmite una energía única que se convierte en el alma de la película. El resto del elenco también cumple a la perfección, con Faizon Love, Richard Brake y Gene Jones, quienes aportan esa dosis de locura que eleva aún más el nivel de tensión. The Last Stop in Yuma County es una película divertida, oscura y original, que te engancha desde el primer minuto y te mantiene al borde del asiento hasta el final.

“Solos en la noche“ es una película que mezcla comedia y política, ambientada en el contexto del 23 de febrero de 1981, cuando tuvo lugar el intento de golpe de Estado en España. La trama sigue a un grupo de abogados laboralistas que se esconden en una casa mientras el país vive una gran tensión. A lo largo de la cinta, los personajes discuten entre sí sobre qué hacer en medio de la incertidumbre, con momentos de comedia que contrastan con la seriedad de la situación. Aunque el tono cómico está bien logrado, a veces los cambios entre la comedia y los momentos más tensos no son del todo fluidos.

Los personajes, con sus diferentes puntos de vista y posturas políticas, son una de las claves de la peli. Cada uno reacciona de manera distinta a la crisis, lo que crea situaciones cómicas y momentos de reflexión. Sus discusiones y contradicciones se convierten en el motor de la trama, reflejando la diversidad de pensamientos que existía en España en aquellos días. Esto, combinado con la recreación de los años 80, consigue trasladar al espectador a esa época de incertidumbre y miedo.

A pesar de que el filme tiene algunos altibajos en cuanto a ritmo, “Solos en la noche“ logra ofrecer una visión entretenida de un momento crucial de la historia de España. La mezcla de humor y política, junto con unos personajes bien definidos, hace que sea una comedia diferente y destacada dentro del cine español. Es una película que, a pesar de sus pequeños fallos, consigue mantener el interés y hacer pensar al público mientras lo entretiene.

A veces, las historias más emotivas llegan en los formatos más inesperados. “Memorias de un caracol“ es una de esas películas que, con una animación artesanal y un guion cargado de sensibilidad, consigue tocar fibras profundas. La protagonista, Grace, nos cuenta su vida a través de recuerdos y cartas dirigidas a su hermano Gilbert, mientras le habla a su inseparable caracol Sylvia. Su historia está marcada por la pérdida, la soledad y la lucha por encontrar su lugar en el mundo. A pesar de las dificultades, nunca deja de buscar la forma de seguir adelante.

El estilo visual, con su aire nostálgico y texturas cuidadosamente trabajadas, refuerza la sensación de intimidad que envuelve la película. Cada escena está impregnada de emociones auténticas, sin artificios, dejando que la melancolía y el humor convivan en un delicado equilibrio. La música, sutil y evocadora, se convierte en un personaje más, acompañando los momentos de reflexión y los instantes de ternura con una precisión envolvente.

Pero lo más valioso de “Memorias de un caracol“ es su mensaje. Nos recuerda que no podemos retroceder en la vida, solo avanzar, y que nuestras cicatrices no son algo que debamos esconder, sino aceptar. La belleza de la historia radica en su capacidad para hablarnos de heridas, pero también de la posibilidad de repararlas. Es una de esas películas que, sin hacer ruido, se te quedan dentro, despertando pensamientos y emociones que regresan cuando menos lo esperas, como una vieja carta olvidada entre las páginas de un libro.

“Menos Mal que nos Tenemos“ es una joya inesperada que te agarra de la mano y te lleva de lleno al corazón de una familia rota, pero resistente. Este drama francés, dirigido con delicadeza por Anne Giafferi, pone el foco en Vincent, un chico de trece años obligado a crecer de golpe cuando su madre intenta quitarse la vida. En ese momento, el peso del mundo cae sobre sus hombros: cuidar de sus hermanos pequeños mientras lidia con un padre tan inmaduro como distante.

La interpretación de Oscar Pauleau como Vincent es, simplemente, emocionante. Con una autenticidad arrolladora, Pauleau muestra el desgaste de un niño que se enfrenta a responsabilidades que no le corresponden, pero que asume con una madurez forzada. Es de esas actuaciones que te pellizcan el alma, porque transmite más con una mirada perdida o una sonrisa rota que con mil palabras. La química entre los actores jóvenes y la crudeza de las situaciones hacen que todo parezca terriblemente real, como si estuvieras espiando un pedazo de vida en lugar de ver una película.

Lo que hace especial a “Menos Mal que nos Tenemos“ no son los giros dramáticos o un guion rebuscado; es su humanidad. La película captura esos momentos cotidianos que, aunque sencillos, esconden una profundidad que te hace reflexionar sobre lo esencial en la vida. Porque, al final, más allá del dolor y las dificultades, la historia es un homenaje a la resiliencia, al apoyo mutuo y, sobre todo, a los lazos familiares que nos sostienen cuando el mundo parece derrumbarse.

“The Brutalist” es una película que no se deja encasillar fácilmente y es precisamente eso lo que la hace tan imprescindible. Dirigida por Brady Corbet, esta ambiciosa obra de más de tres horas se zambulle en múltiples temas complejos como el capitalismo, la inmigración, el arte, la arquitectura, la adicción y la violencia, todo sin recurrir a una narrativa obvia o simplista. Es un filme que no se limita a contar una historia, sino que establece una profunda reflexión sobre la condición humana y la lucha por la expresión y la libertad en un mundo que muchas veces nos consume.

Adrien Brody entrega una de las mejores interpretaciones de su carrera como László Tóth, un inmigrante que, a través del diseño arquitectónico, busca encontrar un propósito en una sociedad que lo margina. La película se inicia con una secuencia impresionante que establece de inmediato el tono de lo que está por venir: el simbolismo de la Estatua de la Libertad invertida marca la distorsión del sueño americano, un leitmotiv que permea la obra. Brody se mueve entre la esperanza y la desesperación con una intensidad que nos atrapa, y su presencia es el centro gravitacional de la película.

A lo largo de la trama, el conflicto entre László y Harrison (Guy Pearce), un millonario que manipula a todos a su alrededor, se convierte en una representación de cómo el capitalismo destruye el arte y la autenticidad. Harrison, con su control y egoísmo, ofrece un contraste perfecto con el carácter de László, que representa la lucha por mantener la humanidad intacta en un entorno deshumanizado. El filme se convierte en un estudio sobre la lucha por el control y el significado, tanto a nivel personal como profesional.

La dirección de Corbet es intrincada y, a veces, desafiante, pero está respaldada por un elenco sólido, especialmente Brody y Pearce, quienes se enfrentan en una batalla de poder y emociones que define gran parte de la película. Aunque algunos podrían criticar la duración de más de tres horas como excesiva o pretenciosa, hay una intención clara de construir una obra monumental que, al igual que la arquitectura que se explora, requiere tiempo para ser apreciada en su totalidad.

El filme es visualmente impresionante, gracias a la cinematografía de Lol Crawley, que aprovecha al máximo el formato en 70 mm para crear imágenes que son tanto hermosas como inquietantes. Además, la banda sonora de Daniel Blumberg y el diseño de sonido contribuyen a darle una atmósfera única, en la que cada elemento parece estar en perfecta armonía con los temas centrales de la película.

En resumen, “The Brutalist” es una obra de gran ambición, que no solo examina las complejidades del arte, la arquitectura y el capitalismo, sino que también se adentra en los dilemas existenciales del ser humano. A pesar de su duración, es una experiencia cinematográfica que merece ser vivida, especialmente por su capacidad de provocar reflexión y emociones profundas.

“El ángel de los pobres“ es el biopic imprescindible para quienes sienten interés por la historia social de Europa. Dirigida por Frédéric Tellier, la película cuenta la vida del Abbé Pierre, un sacerdote y activista que se convirtió en un símbolo de lucha contra la pobreza en el siglo XX. Benjamin Lavernhe hace un trabajo sobresaliente en el papel protagonista, equilibrando las emociones de un hombre carismático y terco que no dudó en enfrentarse a todo para defender a los más desfavorecidos. La ambientación, que abarca más de siete décadas, está muy cuidada, y el uso de imágenes de archivo le da un toque auténtico que engancha desde el principio.

Eso sí, aunque la intención de Tellier de mantener un enfoque solemne se aprecia, también es cierto que este estilo tan clásico puede hacerse un poco denso. A veces se siente más como una lección de historia que como un drama emocional, y algunas escenas alargan el metraje más de la cuenta. Pero si eres de los que disfrutan de una buena crónica social con peso histórico, vas a encontrar momentos muy potentes, especialmente en cómo la película refleja la desigualdad y la lucha por cambiar las cosas.

Esta cinta no va a reinventar el cine biográfico, pero tiene algo que la hace especial: su capacidad para inspirar. Si buscas algo que te haga pensar y te reconcilie un poco con la humanidad, “El ángel de los pobres“ es una apuesta segura. Sin llegar a ser perfecta, se disfruta y deja un mensaje que merece la pena escuchar.

Weekend in Taipei (2024) es una película de acción con tintes de comedia ligera que sigue la historia de John Lawlor, un agente de la DEA que viaja a Taipei en busca de resolver un complicado caso de narcotráfico, mientras revive una relación con una mujer de su pasado. Aunque la premisa promete momentos de emoción y tensión, el filme se queda corto en cuanto a originalidad, explorando un terreno ya trillado por otras películas del género. La trama avanza de manera predecible, sin muchos giros sorprendentes o desarrollos profundos en los personajes, lo que puede decepcionar a quienes buscan una experiencia más compleja.

A pesar de la falta de innovación, la dirección de George Huang logra mantener el interés a través de una acción constante y la química entre los protagonistas, particularmente con Luke Evans y Sung Kang, quienes aportan una presencia carismática a sus respectivos roles. La película se enfoca en las persecuciones y peleas, aunque ninguna de estas secuencias logra destacarse de forma verdaderamente memorable. Taipei se presenta como un escenario vibrante, pero el filme no explora sus matices de manera profunda. En conjunto, Weekend in Taipei es una película ligera y entretenida, pero su falta de profundidad y su enfoque repetitivo lo convierten en una opción que se disfruta más por su acción superficial que por su narrativa.

La adaptación de Pídeme lo que quieras de Megan Maxwell es una apuesta ambiciosa por trasladar al cine el erotismo y la complejidad emocional que cautivaron a millones de lectores. Dirigida por Lucía Alemany, la película tiene momentos de frescura y cierto magnetismo visual, pero su ejecución a veces se siente superficial y más orientada al impacto rápido que a construir una narrativa sólida.

Lo mejor:
La actuación de Gabriela Andrada, quien interpreta a Judith con carisma y convicción, consiguiendo transmitir la fuerza y vulnerabilidad del personaje.
La dirección artística logra captar una estética pulida y atractiva, destacando especialmente en las escenas de intimidad, que son cuidadas sin caer en lo explícito gratuito.
La fidelidad al material original hará que los fans de la saga disfruten al reconocer muchos de los momentos clave.

Lo peor:
Los diálogos en algunos momentos resultan forzados, restando credibilidad a la relación entre Judith y Eric.
Aunque se busca provocar y seducir al espectador, las escenas eróticas no alcanzan la intensidad emocional o el riesgo que prometen, quedando en ocasiones como un mero recurso visual.
La comparación inevitable con sagas como Cincuenta sombras de Grey deja en evidencia que la película no logra diferenciarse lo suficiente dentro del género.

Veredicto:
Si bien Pídeme lo que quieras ofrece una experiencia entretenida y visualmente atractiva, no logra trascender las limitaciones del género para convertirse en una obra memorable. Es un producto pensado para los fans de Megan Maxwell, que disfrutarán reconociendo la esencia del libro en pantalla, pero para el público general puede sentirse como una oportunidad desaprovechada.

“Un Desastre Es para Siempre“, secuela de “Maravilloso Desastre“, no logra capturar la chispa de su predecesora, que a pesar de ser superficial y absurda, al menos conseguía arrancar algunas risas. Esta segunda parte sigue a Abby y Travis, que tras solo tres meses de relación ya están casados en Las Vegas, pero ahora huyen a México debido a un conflicto con un criminal del pasado. Aunque la trama parece prometer algo de emoción, el guion está lleno de momentos vacíos y forzados, con un humor que rara vez funciona y un desarrollo de personajes que resulta plano y predecible.

El ritmo apresurado de la película refleja la falta de profundidad del proyecto. Las situaciones cómicas se sienten más como gritos histéricos por atención que como momentos genuinamente divertidos, y escenas que podrían haber sido graciosas, como la pelea en una lucha libre mexicana, acaban sobrecargadas y estiradas innecesariamente. Las discusiones entre los protagonistas son banales y el drama se ve forzado, dejando una película sin alma ni dirección. Aunque algunos chistes ocasionales logran arrancar una sonrisa, no es suficiente para salvarla de su mediocre ejecución y estructura caótica.

Pablo Berger, conocido por su singular visión cinematográfica, nos entrega “Robot Dreams“, una joya de la animación basada en el cómic de Sara Varón, que se destaca por su habilidad para entretener tanto a niños como a adultos con su rica paleta de colores y referencias culturales.

Siguiendo la filosofía de Hitchcock sobre la capacidad de las películas para comunicarse sin diálogos, esta obra nos sumerge en una narrativa visual centrada en la compleja relación entre un perro y un robot, explorando temas profundos como la soledad, la amistad y la transitoriedad de las conexiones personales. Ambientada en el Nueva York de los años 80, la película añade un encanto retro y utiliza la música de manera magistral, especialmente con temas como “September“ de Earth, Wind & Fire, enriqueciendo aún más la experiencia. La ambigüedad de género de sus personajes amplía la resonancia del mensaje sobre el amor y las relaciones humanas.

“Robot Dreams“ se posiciona como una de las mejores películas de animación recientes, destacando por su tono optimista y su capacidad para emocionar al espectador, mereciendo un reconocido éxito comercial.

El debut como director de Kenya Barris en “La gente como vosotros“ ofrece un conjunto mixto de risas, momentos molestos y diálogos incómodos. La película, una versión moderna de “Adivina quién viene esta noche“, tiene elementos entretenidos, pero padece del síndrome de los sketches cómicos, donde algunas escenas y secuencias se agotan rápidamente y el humor muere antes de comenzar.

La trama sigue a Ezra (interpretado por Jonah Hill) y Amira (interpretada por Lauren London), dos extraños que se enamoran inesperadamente después de un malentendido con un servicio de viajes compartidos en Los Ángeles. Aunque la química entre los personajes principales es destacable y los momentos románticos son escasos pero creíbles, la comedia de la cinta aborda temas de cultura e interracialidad de manera exagerada, lo que a veces resulta incómodo. Además, la resolución de la película en su tramo final se siente apresurada y predecible. En general, “La gente como vosotros“ ofrece una experiencia variada de risas y momentos incómodos que puede resultar entretenida, pero no aporta nada especialmente novedoso al género.

“Tyler Rake 2“ es una película de acción en toda regla. Esta secuela, supervisada y concebida por los hermanos Russo, conocidos por su trabajo en películas de Marvel, es un ejemplo del género de acción de alto presupuesto y alta violencia. En ella, Chris Hemsworth interpreta a Tyler Rake, un exsoldado de fuerzas especiales atrapado en una espiral de violencia, y aunque desea dejar atrás su pasado, se ve una y otra vez envuelto en situaciones peligrosas. Esta cinta se centra en la redención de Tyler y en su pasado doloroso, añadiendo una capa de profundidad a la trama.

El filme se destaca por sus intensas secuencias de acción, con momentos espectaculares como una fuga de prisión de 21 minutos y una emocionante batalla en una iglesia. Chris Hemsworth brilla en su papel y demuestra su versatilidad como actor, aportando un matiz de profundidad a su personaje. A pesar de los esfuerzos de la película por desarrollar la historia de los personajes, en ocasiones se centra más en la acción que en el desarrollo de la trama y los personajes.

Es una película de acción pura y dura que seguramente satisfará a los amantes de la adrenalina y las emociones fuertes. Aunque no profundiza demasiado en los personajes, ofrece una experiencia llena de tiroteos y explosiones para los fanáticos del género. Si buscas una película emocionante y llena de acción, esta secuela es una opción perfecta para una noche de entretenimiento en casa.

La película irradia la energía contagiosa de su protagonista, Sonny Vaccaro, mientras se esfuerza por cerrar el acuerdo de su vida. Desde el principio, sabemos que el ex ejecutivo de Nike tuvo éxito: Michael Jordan se convirtió en una superestrella y posiblemente en el mejor jugador de baloncesto de la historia. Y las Air Jordan, las zapatillas que dan nombre a la película, se convirtieron en las más conocidas y deseadas de todos los tiempos.

El filme nos sumerge en la historia de cómo Nike logró fichar a Jordan, creando unas zapatillas que no solo eran para él, sino que eran una extensión de su icónica personalidad. A pesar de lo que pueda parecer, “Air“ no es un anuncio de zapatillas de dos horas, sino una cinta que combina elementos de nostalgia y emoción. La dirección de Ben Affleck destaca por su sólido guion, actuaciones veteranas y la elección de expertos detrás de escena, como el cámara Robert Richardson.

La peli nos transporta al año 1984, una época en la que Nike no era un jugador destacado en la industria del baloncesto y en la que Sonny Vaccaro luchaba por convencer a todos de que Michael Jordan podía cambiar ese destino. Lo más destacado de “Air“ es la interacción entre los personajes, especialmente la colaboración entre Affleck y Matt Damon, que nos ofrece momentos genuinos y entretenidos. La película es una historia atemporal de superación, sueños y perseverancia, y aunque a veces se excede con la nostalgia de los años 80, en su mayoría es una película sólida y confiable que te emocionará.

Algo larga y con algunos defectos de forma, pero está bien narrada y filmada. Todos los actores son catalanes y algunas secuencias, (pocas), están subtituladas. No soy muy partidario de Daniel Monzón, un ex-crítico de cine que trabajaba en Fotogramas y luego se metió a realizador.

La peli retrata francamente bien la transición española de la dictadura a la democracia, (1975/1978), y uno se acuerda enseguida de los films de Eloy de la Iglesia, José Antonio de la Loma y Carlos Saura. Al igual que en esas películas de aquellos años, se trabaja en esta con actores semidesconocidos para el público en general. Un 7 le doy. Merece la pena verla

Sinceramente me ha dado vergüenza ajena.

Una producción española intentando imitar a The Raid y cintas similares, con unas historia que a cada paso es más absurda e incoherente, por no hablar de sus protagonistas que son lamentables.

Eso sí, gran producción (pasta Netflix) que es lo único que se salva de esta mala película que acaba haciendo el ridículo.

Para echarse a llorar

Una rareza que ya viene siendo habitual en su director.

Da 5 Bloods presenta una historia de unos exveteranos de Vietnan, que acuden de nuevo a la jungla donde libraron la guerra a reencontrarse con ellos mismos, pero también a otros menesteres menos benévolos.

La peli es rara de narices, sobre todo la forma en que se cuenta, y con ciertos saltos que no encaja muy bien.

Una peli reivindicativa, que no se si encaja del todo contra la ola racial, o también la critica en parte.

El Rey Leon visualmente es impresionante, su fotografía, el realismo de los animales es casi perfecto.

Pero esa perfección creo que precisamente es el problema de la película. Los personajes no gesticulan nada, porque son tan tan animales reales, que las voces parecen que no salen de ellos. No rien, no ponen caras de de sorpresa, de pena.... pierde toda la fuerza y personalidad de los personajes frente al clásico de animación.

Ese problema arrastra la producción a una película sin personalidad, ya que es un calco de la animada sin personalidad propia.

Pues eso, una maravilla visual, pero que te deja un sabor agridulce.

Peliculón.

Alex de la Iglesia sigue demostrando que su cine siempre tiene un plus, lo que sin duda lo coloca como uno los mejores directores españoles.

Perfectos desconocidos es un desfase, una comedia ácida que funciona al 100% gracias a su excelente reparto, muchos de ellos habituales de De la Iglesia.

Un buen rato con cine español, que se agradece.

Me gustó a medias. La parte de la infancia me pareció lo mejor con diferencia, tiene ambiente, nostalgia y engancha bastante viendo cómo crecen entre el contrabando y ese mundo medio oculto del pueblo. Cuando pasan a adultos la cosa se vuelve más fría y pesada, como si perdiera alma y se centrara demasiado en conversaciones largas y miradas intensas que no llevan a mucho.

Quim Gutiérrez cumple bien y es el que sostiene un poco el conflicto, pero Miguel Ángel Silvestre y Celia Freijeiro no me transmitieron demasiado. Juan Diego está correcto en su papel de jefe respetado, aunque es un personaje que ya le hemos visto muchas veces. La historia en sí no está mal, pero le falta ritmo y emoción para que de verdad te importe lo que pasa.

Eso sí, visualmente es muy bonita. Galicia está filmada de lujo y hay escenas que entran por los ojos. En general se deja ver, pero esperaba algo con más fuerza y al final se queda en un thriller correcto sin más, un poco frio incluso.

Un auténtico despropósito.

Comedia zafia sin gracia, sin guión y llena de situaciones ridículas, que solo saber de tirar de situaciones toscas con actores de muy pésima calidad. Un intento de hacer ¨Resacón en las Vegas¨ a la española, pero sin gracia.

Terrible.

No entiendo la mala crítica a esta cinta, dentro de su género está muy pero que muy bien contada. Además, mantiene toda la tensión sin necesidad de caer para nada en lo desagradable, teniendo en cuenta el tema tan complejo que toca, y lo terrible de la historia es lo que tu propia mente piensa que está pasando.

Un buen reparto que cumple con creces su cometido, lástima que no tenga un final más redondo, todo da la sensación de que ocurre demasiado rápido y me dejó un poco descolocado.

Por lo demás, toda una sorpresa y muy digna de disfrutar.

Una peli muy del montón con un Travolta en horas bajas. Creo recordar que el actor sufrió la pérdida de un hijo y eso me hace entender su implicación en este proyecto (tranquis, no es un spoiler).

Una trama que, pese a parecer prácticamente un telefilme, se hace bastante llevadera y que bebe de títulos como El Secreto de Tomas Crowd y otros similares de robos y falsificaciones.

Para una tarde aburrida, vale.