Es una comedia bastante rara con toque fantástico sobre un tipo que lleva una vida hecha polvo y de repente se ve metido en rollos sobrenaturales para ir ayudando a la gente, todo muy de fábula con mensaje.

Intenta ser profunda y graciosa a la vez pero a mí me dejó un poco frío, como esas historias que quieren darte lecciones de vida todo el rato y se ponen un pelín intensas.

Tiene momentos curiosos y alguna idea simpática, pero en general se me hizo un poco pesada con tanto mensaje buenista y ese tono de autoayuda que no siempre funciona, entretenida a ratos pero bastante irregular.

No es una película fácil de valorar porque se mueve constantemente entre aciertos notables y decisiones que la lastran. Funciona especialmente bien en la forma en que transmite emociones y en la credibilidad de sus personajes, cuya conexión resulta natural y sincera, logrando que el espectador se implique en ese viaje sentimental donde unos vínculos te impulsan y otros te desgastan. El guion sabe explorar con sensibilidad los límites difusos entre la amistad y algo más, así como tratar con respeto la diversidad afectiva sin caer en lo forzado.

Sin embargo, su mayor problema es el cansancio que genera: el metraje se alarga y la sensación de incertidumbre emocional se estira hasta volverse casi agotadora, como si la propia historia se recreara demasiado en las dudas de sus protagonistas. Aun así, el desenlace consigue dejar buen sabor de boca y cerrar el recorrido con cierta satisfacción. Para quienes disfrutan del romance clásico con matices dramáticos, merece una oportunidad, ya que se trata de una de esas propuestas que han quedado algo olvidadas pese a tener más corazón del que aparenta.

La vi más que nada por el apartado visual, y ahí cumple bastante: se nota el mimo en el colorido y en los decorados, con ese aire clásico de western de estudio que siempre resulta agradable. El director sabía cómo sacar partido a lo que tenía y la película entra bien por los ojos incluso cuando el guion empieza a ponerse un poco raro. En ese sentido, es de esas cintas que lucen mejor de lo que realmente son.

La historia va dando giros sin parar y avanza con rapidez, pero a medida que suma sorpresas también se vuelve algo exagerada y difícil de tomar en serio. Aun así, mantiene el interés gracias al ritmo y a la relación entre los personajes principales, que funciona mejor que la propia trama. Eso sí, el protagonista tiene más pinta de estrella de cine impecable que de tipo duro del oeste, lo cual a veces saca un poco de la historia, aunque tiene su encanto.

El reparto es variado y deja momentos curiosos, con secundarios que aportan más personalidad de la esperada. También hay un toque musical y romántico que encaja dentro del tono ligero del conjunto. En general es un western entretenido y vistoso, ideal para ver sin esperar demasiado realismo ni profundidad. Se deja ver bien, pero no es de los que se quedan grabados.

Se nota que esta peli era un proyecto muy personal para Eddie Murphy, porque se implicó en todo y reunió a un reparto lleno de caras conocidas. Visualmente está muy cuidada y la ambientación tiene rollo, pero la mezcla de comedia y drama no siempre funciona. A veces parece que quiere ser una historia seria de gangsters y otras una parodia total.

Richard Pryor me sorprendió para bien porque aquí está bastante más contenido de lo habitual y se agradece, le da más peso a la historia. El problema es que en ciertos momentos el humor se va demasiado al exceso y rompe el tono, sobre todo en algunas escenas de acción que parecen casi de dibujos animados. Ahí me sacó bastante.

Aun con esos altibajos se deja ver bien. Tiene momentos muy buenos y un reparto que sostiene la película incluso cuando el guion se descontrola un poco. No es redonda, pero tampoco aburrida, se queda en un “está bien” sin más.

Un western bastante sólido y entretenido que, sin ser ninguna joya del género, funciona gracias a la tensión constante entre sus dos protagonistas. La historia gira en torno a un pistolero que regresa tras años fuera y descubre que su familia ha sido secuestrada, lo que lo obliga a emprender una búsqueda acompañado por un vecino con el que mantiene una relación más bien incómoda. Ese conflicto entre ambos es lo que realmente da vida a la película, por encima de los tiroteos y las persecuciones habituales.

Tiene acción suficiente para mantener el interés y algunos momentos con bastante intensidad, aunque el guion no deja de tirar de fórmulas muy reconocibles. Aun así, las interpretaciones principales están muy bien y consiguen que el viaje tenga peso emocional. No es un western imprescindible ni innovador, pero se deja ver con gusto si te va el rollo clásico. Quizá le falte algo de fuerza en algunos tramos, pero en conjunto cumple y entretiene sin complicarse demasiado.

“Preparativos para estar juntos un periodo de tiempo desconocido“ es un drama psicológico que te mantiene al borde del asiento, con un ritmo que no te deja respirar. La historia sigue a Márta Vizy (Natasa Stork), una neurocirujana que regresa a Hungría después de 20 años, no por su país o su familia, sino por un pacto de amor que hizo con János (Viktor Bodó), un médico con quien se enamoró en un congreso en Nueva Jersey. La idea era encontrarse en el Puente de la Libertad en Budapest, pero cuando ella llega, él no la reconoce. La película nos lleva por caminos oscuros, cuestionando constantemente si lo que ve Márta es real o el producto de su mente desmoronada.

Lo que más atrapa es la manera en que la película juega con la percepción de la protagonista y el espectador. La interpretación de Stork, con su rostro impasible, refleja perfectamente el caos interno de Márta mientras trata de descifrar si lo que está viviendo es una traición o una enfermedad mental. Cada escena está cuidadosamente construida, con pasillos interminables y escaleras en espiral que visualizan perfectamente el laberinto mental de la protagonista. El filme nos invita a reflexionar sobre cómo nuestras emociones, la realidad que creemos vivir y nuestra identidad están tan entrelazadas que a veces no sabemos distinguir lo que es real de lo que deseamos que sea. Aunque al final pierde algo de fuerza, sigue siendo una obra profundamente intrigante que cuestiona la naturaleza de la mente humana y las mentiras que nos contamos a nosotros mismos.

“La gran Lillian Hall“ es una película que te atrapa desde el primer minuto y no te suelta. La historia nos lleva al mundo de Lillian Hall (interpretada por Jessica Lange), una gran actriz de teatro que, tras una carrera brillante, se enfrenta a lo que más temía: el paso del tiempo. Mientras lucha con los primeros signos de demencia, su vida comienza a desmoronarse y se ve obligada a enfrentarse a su propia mortalidad. La cinta, que tiene una atmósfera cargada de tensión, te hace sentir como si estuvieras dentro de su mente, compartiendo cada uno de sus miedos y dudas.

Lo que hace especial a esta película es la increíble actuación de Jessica Lange, quien da vida a un personaje complejo que se niega a caer en la autocompasión. Pero no todo es drama: la relación con sus amigos, como la entrañable Edith (Kathy Bates) y su vecino Ty (Pierce Brosnan), ofrece momentos de ternura y, a veces, un toque de humor que alivia el peso emocional de la trama. La dirección de Michael Cristofer juega con el teatro y la realidad de una forma única, haciendo que cada escena se sienta tan intensa como una obra en vivo. Aunque las interpretaciones puedan parecer a veces algo exageradas, son perfectas para una historia tan dramática. Es un filme que habla de la vulnerabilidad humana con una honestidad brutal, y, aunque te remueve por dentro, te deja con una sensación agridulce pero necesaria.

El cine francés sabe cómo jugar con el humor negro, y “La suerte del ganador“ lo demuestra con una serie de historias cruzadas que giran en torno a la lotería y la locura que desata en quienes la ganan. Cada episodio muestra cómo el dinero puede sacar lo peor de las personas, desde un padre de familia que se convierte en un kamikaze del volante para cobrar su premio hasta un grupo de terroristas que reconsideran sus planes al descubrir que son millonarios. La película mantiene un ritmo ágil y una puesta en escena sencilla pero efectiva, combinando sátira y comedia absurda sin caer en lo burdo.

Aunque la estructura episódica permite explorar diferentes enfoques, algunas historias funcionan mejor que otras. La progresión de los premios en cada relato añade un crescendo de locura que mantiene la atención, pero hay momentos en los que el humor se vuelve predecible. Sin embargo, la película no intenta ser moralista, sino que se burla con inteligencia de la hipocresía y la codicia humanas. El guion, a cargo de Maxime Govare y Romain Choay, se apoya en personajes bien definidos y situaciones que llevan la exageración al límite, sin perder del todo la verosimilitud.

“La suerte del ganador“ es una comedia negra entretenida que, sin reinventar el género, cumple con su objetivo de hacer reír a costa de las debilidades humanas. Con un reparto sólido y un tono que mezcla lo cínico con lo absurdo, se sitúa en la línea de otras sátiras francesas recientes, aunque sin llegar a la mordacidad de los grandes clásicos. No es una película revolucionaria, pero sí un buen plan para quien disfrute del humor ácido y las historias donde la suerte es una trampa disfrazada de milagro.

“Un Regalo para Papá y Mamá“ es una comedia familiar que juega con la idea de los bucles temporales, algo bastante divertido y curioso. La historia gira en torno a Taylor, un niño que, tras descubrir que un reloj heredado de su abuelo puede hacer retroceder el tiempo, intenta cambiar el curso de los eventos para evitar que sus padres se separen. Lo curioso es que el día se repite una y otra vez, y Taylor va probando diferentes formas de lograr que su familia se quede unida, con situaciones cómicas y un toque tierno. A pesar de tener algunos momentos predecibles, el guion mantiene un ritmo ligero que engancha sin complicar demasiado las cosas.

La película se sostiene por sus momentos graciosos y por la química entre los actores, especialmente Isla Fisher y Greg Kinnear, que aportan cercanía a sus personajes. Aunque el concepto de los bucles temporales ya se ha visto en otras películas, “Un Regalo para Papá y Mamá“ ofrece una versión familiar sin caer en lo melodramático, lo que la hace agradable de ver. Es entretenida, pero tampoco rompe esquemas. Es ideal para pasar un rato en familia, pero no esperes algo profundamente original.

“Víctima imperfecta“ es una película que toca un tema muy delicado, el consentimiento sexual, de una forma bastante real y sincera. La trama se centra en Aly, una joven que tras sufrir una agresión, contacta con la policía a través de una llamada encubierta. Desde ahí, la película nos lleva a explorar cómo los hechos se van reconstruyendo poco a poco, mientras se muestran las repercusiones legales y personales para todos los involucrados. Lo que más me impactó fue la manera en que no se limita a mostrar la agresión, sino que se adentra en el caos emocional y social que trae consigo.

Lo interesante de la película es cómo trata el tema del consentimiento. A través de Aly, interpretada por Selma Alaoui, vemos lo difícil que es definirlo claramente, especialmente para las autoridades y la sociedad en general. Los personajes no son perfectos, lo que añade complejidad a la historia. Dary, el agresor, interpretado por Guillaume Duhesme, es un hombre que parece esconder algo, y eso le da un toque de intriga. Pero lo que más me llamó la atención fue el personaje de Anna, la operadora de policía, que nos sirve de espejo y nos permite ver la evolución de todos los implicados, desde la frialdad hasta una humanidad más real.

En cuanto a la parte técnica, el montaje y la iluminación juegan un papel clave. Los personajes se sienten distantes y ambiguos, lo que ayuda a crear esa sensación de incertidumbre constante. “Víctima imperfecta“ no es solo un drama sobre violencia sexual, sino una reflexión sobre cómo la sociedad, las autoridades y las personas cercanas a las víctimas reaccionan ante ellas, especialmente cuando no cumplen con las expectativas que se esperan. Una película que invita a pensar y a cuestionar muchas cosas.

“El club de los milagros“ es una película de tono nostálgico que se desarrolla en una pequeña comunidad de Dublín en 1967, en la que tres mujeres de diferentes edades se embarcan en un viaje a Lourdes en busca de milagros personales. La trama, algo predecible, se centra en la participación de Lily (Maggie Smith), Eileen (Kathy Bates) y Dolly (Agnes O’Casey) en un concurso de talentos local, cuyo premio es un viaje al famoso santuario francés. Cada una de ellas tiene sus propios problemas, como el duelo de Lily por la muerte de su hijo, el cáncer oculto de Eileen y la esperanza de Dolly de curar a su hijo mudo. A pesar de que la historia es algo convencional, las actuaciones de las protagonistas le dan vida a una trama que, aunque no sorprende, resulta entrañable.

La dirección de Thaddeus O“Sullivan se caracteriza por un enfoque detallado y atento a la atmósfera, con un cuidado especial en la ambientación irlandesa, que destaca gracias a la cinematografía de John Conroy. Las casas del barrio son representadas de forma auténtica, sin caer en lo artificial, lo que crea una sensación de cercanía y veracidad. La película, que se apoya en la dinámica entre las mujeres del barrio y su relación con Chrissie (Laura Linney), se va desvelando poco a poco, sumergiéndonos en sus secretos y resentimientos ocultos. Aunque es fácil anticipar cómo se desarrollarán los eventos, la presencia de un elenco tan sólido ofrece una experiencia rica en matices.

El punto más alto de “El club de los milagros“ es, sin duda, la interpretación de Maggie Smith, quien, a través de su dolor y arrepentimiento, entrega una de las actuaciones más conmovedoras de la película. A pesar de que la narrativa cae en tópicos previsibles y en escenas cómicas algo simplonas sobre los hombres que se quedan atrás, la actuación de Smith aporta profundidad emocional al film. El momento culminante de la película, cuando el personaje enfrenta su dolor, transforma lo que parecía una historia superficial en algo mucho más profundo.

Escape arranca con fuerza y promete un thriller de ritmo implacable. Seguimos a Lim Kyu-nam (Lee Je-hoon), un soldado norcoreano que decide desertar tras años de servicio, trazando un escape meticuloso a través de un campo minado. Sin embargo, su plan se tuerce cuando su amigo Kim Dong-hyuk (Hong Xa-bin) se ve envuelto en la situación, y la presión aumenta con la persecución del implacable oficial Li Hyun-sang (Koo Kyo-hwan). La película construye bien la tensión en sus primeros momentos, con secuencias de escape que mantienen el suspense, pero conforme avanza la historia, pierde parte de su fuerza.

Uno de los problemas principales de Escape es el desarrollo desigual de sus personajes secundarios. Mientras Lim es un protagonista con motivaciones claras, su perseguidor Li y su compañero Kim no logran generar el mismo impacto. Li, quien debería ser una amenaza formidable, se siente plano y caricaturesco, con gestos exagerados que no transmiten el peligro necesario. Kim, por su parte, tiene una historia emocional que busca añadir profundidad al relato, pero su presencia parece más un elemento de relleno que una pieza esencial en el conflicto. Estos desbalances restan intensidad a la persecución y diluyen el impacto emocional de la historia.

A pesar de sus fallos, Escape tiene momentos emocionantes y un ritmo que, en su mejor tramo, te mantiene atento. La dirección de acción es efectiva, aunque en ocasiones parece más preocupada por cubrir las escenas que por darles un estilo propio. Se percibe una intención de explorar el dilema de la lealtad y la identidad en un régimen opresivo, pero la cinta nunca profundiza lo suficiente en esos temas. Con un enfoque más centrado en Lim y su lucha interna, Escape podría haber sido un thriller excepcional; en su forma actual, es un filme entretenido con destellos de grandeza, pero que deja la sensación de que le falta algo más.

La película sobre Miguel Gila nos invita a explorar, desde la ironía y el humor entrañable, los años de guerra que marcaron al genio del monólogo. Con una ambientación cuidada al detalle, interpretaciones destacadas especialmente la de Óscar Lasarte, quien encarna a Gila con asombrosa naturalidad y momentos tan impactantes como la escena de batalla, logra balancear la crudeza de la guerra con la capacidad de Gila de convertir el horror en un motivo para reír y reflexionar.

Si bien algunos podrán considerar su tono algo ingenuo, resulta un homenaje fiel a su legado: encontrar humanidad y risas incluso en los momentos más oscuros.

Drama histórico con toques de terror que merece la pena, aunque llega con algunos altibajos. Con una ambientación impresionante y una banda sonora que acentúa el miedo y la tensión, la película logra transmitir el horror de los bombardeos en Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Saoirse Ronan está correcta como madre soltera, pero el verdadero protagonista es Elliott Heffeman, quien carga el peso de una historia que mezcla racismo, trauma y supervivencia en un contexto desgarrador.

Aunque arranca lento, el ritmo mejora a medida que avanza, culminando en un final emocionante. Sin embargo, los diálogos podrían haber sido más profundos, y quizá habría funcionado mejor si desarrollara la trama real con mayor antelación. Pese a todo, es una película que te deja pensando y conecta emocionalmente.

Una lástima no poder disfrutarla en cines, porque visualmente lo merece.

Gladiator 2 es un claro ejemplo del cine que se nutre de la nostalgia para revivir éxitos pasados, y aunque la película logra ser sólida en términos de producción y espectacularidad, sufre al intentar replicar el impacto de su predecesora.

Ridley Scott entrega un espectáculo visual con grandes secuencias de acción y un sentido épico notable, pero su dependencia de la fórmula original y el peso de las referencias al pasado eclipsan a su protagonista, Paul Mescal, quien queda desdibujado frente a personajes más potentes como el de Denzel Washington.

A pesar de sus fallos en ritmo y en decisiones estéticas cuestionables, la película se sostiene como un entretenimiento digno dentro del actual panorama de blockbusters, aunque sin alcanzar la frescura o la innovación que cabría esperar de una secuela tan esperada.

La protagonista tiene presencia y carisma, eso es innegable, pero ni siquiera con eso consigue levantar una película que se siente torpe y bastante aburrida. Da la sensación de que se intentó montar un thriller de acción con una idea rápida y poco más, como si todo hubiera nacido de una ocurrencia improvisada que nunca llegó a desarrollarse del todo.

El arranque promete más de lo que luego ofrece. Durante unos minutos parece que va a ser una historia intensa con una figura central fuerte, pero enseguida se queda sin energía. La narración avanza a trompicones, tarda muchísimo en arrancar de verdad y cuando por fin intenta animarse ya es demasiado tarde. Falta ritmo, falta tensión y sobre todo falta chispa.

Al final se queda en una producción bastante plana, de esas que pasan sin dejar huella. No es terrible, pero tampoco aporta nada que invite a recomendarla. Yo, desde luego, no repetiría.

La Infiltrada es una película que engancha por su intensidad emocional y su retrato de una mujer enfrentada a lo imposible. Arantxa Echevarría logra capturar la fragilidad y la fuerza de su protagonista, interpretada magistralmente por Carolina Yuste, quien lleva el peso de la cinta con una autenticidad impactante. La dirección evita el sensacionalismo y se centra en la carga psicológica de vivir bajo una identidad falsa en un entorno hostil, donde cada paso es un riesgo. Aunque se echan de menos más detalles del contexto histórico de ETA, el enfoque íntimo permite conectar profundamente con el personaje. La película funciona como un thriller tenso y desgarrador que te deja pensando en los límites de la moralidad y la supervivencia.

Kinds of Kindness intenta retomar el estilo distintivo de Lanthimos, pero se queda a medio camino entre lo que fue y lo que podría haber sido. Aunque la estructura en tres actos sin introducción resulta intrigante en teoría, en la práctica falla al presentar personajes cuyas motivaciones y comportamientos no tienen lógica ni coherencia dentro del mundo que se nos muestra. A pesar de algunas escenas visualmente potentes, el metraje se siente excesivo y las escenas sexuales parecen más una indulgencia del director que un aporte significativo a la trama. No es una película que recomendaría de inmediato, pero para los curiosos o seguidores del director, podría valer la pena verla y sacar sus propias conclusiones.​