Película menor que marcó el final de la carrera de un monstruo de la interpretación como el legendario Henry Fonda, ya muy enfermo cuando la rodó y que constituye el principal motivo por el que es recordada.

No es una gran película pero simplemente por ver actuar a esos tres titanes que son Katharine Hepburn y Henry y Jane Fonda, merece la pena verla. Es una delicia verlos a los tres…qué lección dan en cada escena. Solo por ellos la cinta ya vale de sobra.

La historia es muy sencilla y muy emotiva dentro de su simplicidad. Con casos como éste se demuestra que no hacen falta presupuestos multimillonarios, grandes efectos especiales ni guiones enrevesados para armar una película más que decente que mantenga tu mirada atenta a la pantalla. Insisto, es que solamente por verlos actuar a los tres, ya cumple con creces.

No es ni de lejos la mejor actuación de Henry Fonda pero se llevó un merecidísimo Oscar al mejor actor principal, recogido en su nombre por una muy emocionada Jane… algo que la Academia sin duda le debía, en un caso parecido al que ocurrió con John Wayne en Valor de Ley. Hepburn también lo consiguió, por tercera vez creo, aunque ella debería tener un Oscar por cada película en la que ha intervenido. Es imposible actuar mejor que esta mujer. Qué maravilla.

Qué fácil es hacer una película con estos mimbres.

He tardado mucho en escarmentar pero mi cerebro acaba de hacer ¨click¨. No voy a volver a ver una nueva película firmada por Ridley Scott, lo he decidido y no hay vuelta atrás. He resisitido durante años y años pensando que las cosas cambiarían, película tras película, pero Exodus ha terminado por convencerme que Scott jamás volverá a hacer una película ni remotamente parecida a las que hizo al principio de su carrera. Siento no comentar nada expresamente sobre este film pero creo que el comentario que acabo de hacer refleja meridianamente la opinión que me merece.

Adiós Mr. Scott.

Uno de los pocos remakes que resultan ser mejores que el original, y en este caso, bastante mejor. La película de 1969 era bastante normalita, por no decir mala por respeto al gran John Wayne al que le dieron el oscar ese año porque parece que ya les remordía -y con razón- la conciencia.

Prácticamente cualquiera de sus interpretaciones entre 1939 y 1968 era mejor que la de Valor de Ley, pero Duke estaba ya muy enfermo en ésa época y sin duda la Academia quiso premiar a una de sus más emblemáticas estrellas y su grandísima carrera antes de que nos fuese arrebatada y la injusticia, en forma de falta de premio, se consumase. Afortunadamente aguantó unos años más y le dio tiempo a filmar algunos filmes de calidad como Río Lobo, Chisum o La soga de la horca, en los que su participación fue sin duda más merecedora de la dorada estatuilla que en esta primera versión de la película que nos ocupa.

Y dicho ésto...¿quién iba a atreverse a emular a un mito como John Wayne? Pues Jeff Bridges. Con un par. Y a fe mía que ha salido muy bien parado de la inevitable comparación. Bridges hace aquí una interpretación memorable, y mira que es arriesgado atreverse a que te comparen con un icono. Y un icono de ese calibre, además. Jeff Bridges es el alma de una película notablemente superior a su predecesora, excelentemente ambientada y con una muy buena recreación del viejo oeste.

Los hermanos Coen han armado una cinta a veces desenfadada, a veces emocionante, a veces jocosa y a veces solemne. pero siempre repleta de buenos momentos. La historia es en sí poco creíble, sobre todo que exista sobre la Tierra una niña como Mattie Ross, poseedora de un carácter y una decisión propios de una mujer de treinta y cinco años, pero Hailee Steinfeld lo hace muy muy bien, sobre todo teniendo en cuenta su corta edad, y hasta logra caer simpática. Rodeada por actores de peso y carácter, no solo no se viene abajo sino que se crece en la situación y sale airosa del complicado trance en el que la han metido.

Recomendable sin duda alguna.

Cualquier rancho que pueda recorrerse a pie no merece la pena verse...

Una maravilla este western que habré visto por lo menos una docena de veces. Un reparto apabullante y muy bien elegido dando vida a una historia cien veces vista pero perfectamente plasmada en la pantalla bajo la dirección de un William Wyler que se movía como pez en el agua en estas superproducciones.

Horizontes de grandeza, por una vez el título español no desmerece al original, es una película como dice su título, grandiosa en todos sus aspectos. Una fotografía soberbia, una partitura musical extraordinaria, de ésas que todo el mundo se sabe y tararea, un guión impecable, una galería de personajes perfectamente estructurados y mejor interpretados todavía entre los que sobresale ese actorazo que era Burl Ives...en fin, una obra de las grandes.

Algunas escenas son realmente memorables, sobre todo las del final. Cómo superar una escena como la de Henry Terrill internándose solo en el cañón blanco y Steve Leech calándose el sombrero, montando y arrastrando a los demás tras él...O la pelea entre Rufus y Buck cuando éste intenta ultrajar a Julia Maragon...O la escena entre Terrill y Hannasey durante el baile en casa de aquél...

Y para rematar, el reparto, que hace bueno el dicho hollywoodiense de ¨más estrellas que en el firmamento¨: Gregory Peck, Charlton Heston, Jean Simmons, Burl Ives, Carroll Baker, Charles Bickford, Chuck Connors...que funciona como una máquina perfectamente engrasada a las órdenes de un Wyler en estado de gracia. ¿Se puede pedir más?

Una muestra del género de catástrofes, subgénero evitables, que tan de moda se puso en la época. Recuerdo haberla visto en el cine cuando la estrenaron, a los once o doce años, y que me gustó mucho. Obviamente mi opinión no era muy sólida por aquel entonces pero cuando la volví a ver hace unos años no me defraudó en absoluto. La película sigue siendo válida a pesar de los años transcurridos y supera a muchas de la época con parecida temática.

Hecha en Inglaterra, no tiene nada que envidiar a las producciones hollywoodienses, más bien lo contrario. El reparto es muy bueno, con actores de la talla de Richard Harris o Anthony Hopkins y multitud de actores conocidos en papeles secundarios. La intriga está bien llevada y resulta creíble. Yo la asocio con el Hindemburg de 1975, otro buen elemento de catástrofes de los 70; llevan caminos parecidos y ambas tienen calidad.

Védla de nuevo y pasaréis un rato entretenido.

Pésima película, llena de inexactitudes y lo que es peor, de falsedades tan burdas que no resiste un mínimo análisis histórico. De todas las películas que he visto sobre el tema es sin duda la peor con diferencia. A parte de las grandes líneas generales en las que se desarrolla, prácticamente nada de lo que en ella se relata es verídico. Los hechos sucedidos están completamente deformados e incluso algunos directamente inventados. Los personajes -especialmente Hitler- no reflejan en absoluto la realidad, ni en su comportamiento ni en sus actitudes ni en sus relaciones entre sí ni en los hechos que protagonizaron. Para hacer una crítica del nacionalsocialismo y de la figura de su principal dirigente no es necesario fabricar semejante bodrio. La historia real es lo suficientemente terrible como para no exagerarla de manera tan ridícula.

Mención aparte merece el casting. Hacía tiempo que no veía actores tan inapropiados al personaje que interpretan, empezando por Robert Carlyle que es un Hitler pésimo y muy mal caracterizado, sin ningún tipo de magnetismo personal como poseía el original; siguiendo por Peter O¨Toole como un imposible Paul von Hindenburg y terminando por Peter Stormare, cuya semejanza con Ernst Röhm se acaba en las plantas de los pies. Un poco más y colocan a Stallone haciendo de Dr. Goebbels, a tal extremo llega el despropósito. Lo de Carlyle es para comer cerillas. Hasta un Hitler tan poco convincente como era Sir Alec Guinness -bien es cierto que no era suya la culpa- parece real a su lado.

En resumen, un biopic muy malo, muy irreal y sobre todo muy muy inexacto con la historia.

Mezcla de western y de intenso melodrama, folletín exagerado y sobreactuado, pero una excelente película llena de escenas memorables que la convierten en uno de los clásicos más memorables de la década de los 40. Armada sobre un reparto extraordinario, reunido a la mayor gloria de Jennifer Jones, a la sazón pareja del productor David O¨Selznick. La galería de secundarios es excelente: Charles Bickford, Lilian Gish, Herbert Marshall, Walter Huston, Butterfly McQueen...y además el aliciente de ver a Gregory Peck haciendo de malo, muy raro en él. Especialmente emotivas son las escenas del duelo a muerte entre Lewt y Perla, que ha entrado por derecho propio como uno de los grandes finales de la historia del cine, y la impactante escena del paso del ferrocarril por Nueva España, que parece sacada de uno de las grandes películas de John Ford.

Muchas veces he pensado que los años 70 son la década de las obras maestras del cine por excelencia. Los ejemplos abundan y están en la mente de todos... El expreso de medianoche no hace sino confirmar esta impresión.

Extraordinaria. Una película fascinante, de ésas que te atrapan desde el primer minuto y te da lástima que termine de lo buena que es. A priori no parece nada del otro jueves pero es ponerte a verla y dejarte atrapar por un universo perfectamente recreado que te absorbe y ya no te suelta.
La recreación de los ambientes, el comportamiento de los actores secundarios, las interpretaciones extraordinarias, la crudeza del ambiente de la prisión sin caer en complacencias morbosas...se combinan para crear uno de los hitos del cine de los setenta y tal vez la mejor película carcelaria que se ha filmado jamás.

Magnífico Brad Davis en el papel de su vida, aunque le marcó de tal forma que siempre le identificamos con Billy Hayes, algo que sin duda le perjudicó en su carrera posterior; John Hurt...qué decir de él, perfecto siempre en lo que hace, a los treinta años y a los setenta, de protagonista o de secundario, de bueno o de malo...¡qué excelente actor! El guión de Stone, perfectamente medido, acoplándose en perfecta simbiosis con la dirección de Alan Parker...

Una gozada de película, absolutamente recomendable.

Excelente western, mezcla de alegato racial y drama judicial, llevado con mano maestra por el inigualable John Ford. La película tiene sin duda su sello indiscutible. Viéndola parece facilísimo hacer cine. Sin despeinarse, con un saber hacer innato, ensartando imágenes, planos, pesonajes y situaciones, Ford crea aquí una de sus producciones más personales. Un acierto completo fue la elección, personal de John Ford, del actor que encarna al protagonista de la película, Woody Strode. Un actor que suma a su impresionante aspecto físico una fuerza interior que se escapa por sus ojos de mirada implacable. Conocido por ser una estrella del fútbol americano, Strode ha sido sin duda una de las presencias más impactantes que jamás han aparecido en una pantalla de cine. Le acompaña Jeffey Hunter, muy solicitado por aquellos años, que firma tal vez su mejor actuación delante de una cámara y el habitual cortejo de extraordinarios secundarios que John Ford nos brindaba en sus películas.
Una pequeña obra maestra.

Interesante muestra de la aproximación del moderno cine alemán a la época del nacionalsocialismo desde un punto de vista distinto a los habituales: las escuelas de élite y el deporte. No hace hincapié en los típicos temas de de estas películas -la guerra, la violencia, las persecuciones...- sino que, utilizando de soporte la relación entre dos alumnos muy distintos entre sí, muestra de fondo la complejísima concepción vital de la Alemania de los años de la guerra, que gravita como una losa sobre ambos muchachos y cómo el protagonista se va liberando progresivamente de ella.

Bien dirigida por Dennis Gansel y con una cuidada ambientación, cuenta con el magnético Max Riemelt como protagonista absoluto en un papel que le va como anillo al dedo. Riemelt es un actor con un cierto punto de rebeldía interior que enseguida le aflora a la superficie y esa sensación la transmite muy bien a Friedrich, su personaje en la cinta. Napola no fue su primera película pero sí la que le dio a conocer internacionalmente.
Unas buenas fotografía y banda sonora acaban por redondear un producto elegante y recomendable.

Muy buena recreación de la historia de los hermanos Scholl y del breve proceso que les llevó a la condena a muerte por alta traición. Marc Rothemund ha logrado una película sencilla y digna, sin grandes alharacas pero correctísima en su planteamiento y desarrollo.
La historia, prácticamente escenificada en tres o cuatro interiores, está muy bien llevada apoyada en un buen trabajo de los actores principales. Julia Jentsch nos ofrece una interpretación magnífica de la protagonista del film y un atrapante duelo interpretativo con Alexander Held, que interpreta a un duro pero no insensible agente de la Gestapo encargado del caso de Sophie. Merece mención asimismo la interpretación de Andre Hennicke en el papel de Roland Freisler, el implacable y sanguinario juez que los ¨juzga¨ . Este clava el personaje creando un Freisler auténtico, fiel reflejo de su crueldad histriónica.
Merecidamente nominada al oscar a la mejor película extranjera no lo consiguió aunque a mí me parece bastante mejor película que la sudafricana Tsotsi que fue la que lo ganó.

Atípico western, excelente y desternillante. Jason Robards en el que probablemente sea su mejor papel protagonista en la gran pantalla, con permiso de su nominación en otro recital como Melvin y Howard. Película transgresora en muchos aspectos y furibundamente rebelde, como muchas de Peckinpah, no ha pasado el tiempo por ella. Altamente recomendable.

Tras el inmenso éxito cosechado por El Ultimo Emperador, Bernardo Bertolucci firmó en 1989 esta película que no cosechó la infinidad de premios de su predecesora.

Se trata de un film intimista que adapta -con reparos- la novela homónima de Paul Bowles publicada en 1949. Apoyada en los magníficos paisajes del desierto del Sahara y en la estupenda música de Ryuichi Sakamoto, Bertolucci nos relata los esfuerzos y desesperanzas de una pareja dominada por el desencanto y la falta de perspectivas ante las encrucijadas de la vida, tomando como hilo conductor un viaje que realizan a través del norte de Africa.

El peso de la película recae casi por completo en sus dos protagonistas -Winger y Malkovich-, que aguantan perfectamente esa responsabilidad, superándola con nota. No es un film para todos los paladares, desde luego, pero merece la pena detenerse en las dos horas y cuarto que dura y meterse en la piel de ese matrimonio que camina en la cuerda floja. A mí me encantó.

Fantástica película que nos sumerge en lo profundo del alma humana a través de dos desgarradores personajes soberbiamente interpretados por Dustin Hoffman y John Voight -éste último sin duda en su mejor papel en la gran pantalla- y de la implacable descripción de los ambientes sórdidos de la sociedad de la época. La canción de Nilsson se convirtió en un clásico imperecedero.
Muy recomendable.

Turbadora historia magníficamente contada por Visconti, para mi en su mejor actuación profesional. La película es una delicia llena de melancolía. La casi absoluta falta de diálogos, la contemplación de la ciudad en todo su decadente esplendor y sobre todo la desgarradora y vibrante música de Mahler conforman una absoluta obra maestra del cine. Dirk Bogarde, protagonista absoluto de la historia, navega por la pantalla derramando buen hacer, derrochando sentimientos y consiguiendo la absoluta identificación del espectador con él.

Imprescindible.

Deliciosa comedia llena de magia y encanto sin caer en el pastelito en ningún momento. Un guión inteligente y sin altibajos y una dirección afortunada acompañan a unos estupendos Pacino y Pfeiffer rodeados por un puñado de secundarios bien elegidos.
Muy recomendable.