Vuelve Vada en esta aceptable secuela con otro tipo de inquietudes más adolescentes y perdiendo la inocencia que nos encandiló en la primera Mi Chica. Así es, nuestra protagonista Vada es enviada con su tío con el objetivo de recopilar información sobre su difunta madre. En el pueblo, aparecerá Austin O¨Brien, o lo que es lo mismo, el niño del Último gran héroe donde hace lo que mejor sabe, acechar a la fémina de un modo impertinente hasta que la situación se ablanda y nos vuelven a deleitar con un segundo beso pero sin ser ante mortem como con Culkin.

Mi Chica 2 es una digna secuela con sus diálogos ingeniosos, su beso adolescente y su facilidad de lagrimote (escena vídeo). Cierto es que pierde el encanto y la inocencia de su anterior y que Jamie Lee Curtis y Dan Aykroyd aparecen en el film lo mismo que un pedo en una canasta (osea dos minutos), pero la película tiene ritmo y no pierde intensidad alternando con destreza el drama y la comedia familiar.

Quizás al ser más adolescente nuestro personaje principal tiene dudas ¨teenager¨ más destinadas a un público femenino pero como pasa en nuestros recuerdos, no podemos volver atrás y exigir que los personajes vuelvan a ser como eran en Mi Chica 1, sería un error. En resumen, aceptable secuela, más destinada a un público femenino y con un reparto perfecto. Si te gustó Mi Chica y las aventuras de su protagonista, quién te impide volver a ver las nuevas andanzas de Vada...nadie.

Un abrazo.

El sabor de la sandía es una horrible comedia erótica considerada por muchos individuos con pantalón de pana, como una gran película de culto. Esta oda taiwanesa al surrealismo más voraz podría haberse titulado el sabor de la sandez pero no deja de ser una cinta original y hará las delicias de aquellos consumidores de contenido visual que se deleiten con cintas como la gran el Perro Mongol doblada al iraní.

Sin duda, estaríamos hablando de un film softcore (porno blando) ya que se visualizan actos sexuales, onanismos varios y raros y un par o tres de facials cums, con uno de ellos en la conclusión de la película, realmente espectacular. Ese final consta de una brutal deep throat donde un servidor inexperto ve en aquella escena una violación oral y sin avisar en toda regla mientras otro público con la misma escena contempla una declaración de amor prohibido entre los protagonistas.
En ese inicio prometedor, también aparece nuestra protagonista femenina delante de un televisor. El audio del aparato nos introducirá en la historia y nos explicará que hay una sequía de gran magnitud y que se privará a la población de agua corriente. La sandía es la solución. También es curioso como el gobierno estimula el uso de la sandía como medio de comunicación. Si ofreces una sandía pequeña y amarilla a otra persona es que sólo sois amigos pero si es una sandía grande y roja, aquella noche mojas. Pronto me veo entregando lombardas para realizar cópulas.

Tanto las escenas surrealistas como la metodología de su director al rodar, llegan a exasperar hasta a un muerto como aquella secuencia musical donde él lleva un gorro en forma de pene o el uso de interminables planos fijos con la cámara colocada en pasillos, ventanas o cajas y sin que suceda absolutamente nada; o aquellos planos a pies y sombras. Su director Tsai Ming-Liang se jacta que en su filmografía nunca ha usado guión ni storyboards ni ná (pa qué) y si uno visiona el Sabor de la Sandía verá que esta afirmación es lo único lógico de la película.

En conclusión, el Sabor de la Sandía es un film experimental y pretencioso que consigue colmar al espectador de un aburrimiento exacerbado. Sin embargo el apoyo de la crítica y los diversos premios que ha recibido la han elevado a un culto incomprendido secundada por un público igual de incomprendido. Quizás para revistas como Cahiers du Cinema o cinéfilos que pueden ver en un bidé y una esponja una trágica historia de amor puedan disfrutar de esta película pero para un público empírico y soñador sin llegar a cotas ridículas, les será más entretenido ver un entrenamiento de la selección de Turkmenistán.

Sin duda Lionheart (1990) es otro clásico de nuestro belga de oro, Jean-Claude Van Damme y además si la dirige el guionista de Contacto Sangriento y de Rambo III, un tal Sheldon Lettich, tenemos una película de tollinas de aquellas que movías el pie desde el sofá como si estuvieras tu aporreando al malo.

Lionheart fue la primera película estrenada para una major, Universal Pictures, y no le fue nada mal en taquilla ya que costó seis millones e ingresó más de 25 millones. Además se abre una vertiente más para nuestro actor belga, que aparte de repartir como nadie, Van Damme vislumbra en su interpretación un lado más humano ayudando económicamente a su familia tras ganar cada combate. Un buen toque sensiblero al film siempre aporta al espectador que cada golpe o “patada giratoria” propinada al rival, se valore más allá que un simple ataque.

Lionheart con sus defectos y sus virtudes, es una película con aires ochenteros que actualmente no tendría cabida en nuestro cine, pero si eres un fan de aquellos años, de las películas de artes marciales y sobretodo de Van Damme, no te la puedes perder.

El film posee unos combates muy conseguidos, a priorizar el del luchador escocés y el que se organiza en una piscina. Ojalá se pusiera de moda ese bañador. Y sin duda, valorar el combate final contra Athila, encarnado por el hermano de Tong-Po, o sea el hermano de Michel Qissi, que también aparece en el film como uno de los captores enviados por el ejército. Sin duda, el reparto queda todo en familia. Y destacar la presencia de Brian Thompson (el villano de Cobra), el único actor que ha sido “hostiado” por los tres reyes: Van Damme, Stallone y Schwarzenegger.

Subjetivamente, te gustará menos que Kickboxer o Contacto Sangriento pero te gustará más que Libertad para morir si se me permite realizar un improvisado ranking. Por último. afirmar que Lionheart forma parte de la historia de las películas artes marciales y de la mejor etapa de Van Damme.

En el cine existen demasiadas películas donde la crítica asalariada no tiene cabida y Campeón de Campeones, sin duda, es una de ellas. Campeón de Campeones es una gran película de artes marciales con una base dramática que seguía los determinados estereotipos que hicieron grande este género en la década de los 80. Las fases a seguir se basaban en una injusticia que originaba un ansia de venganza, un entrenamiento duro y un final épico.

Aún así este film cuenta con una trama emocional mucho más elaborada que el resto de cintas de similar temática ya que la amistad, el sacrificio y el honor son los elementos principales de esta película. Aspectos que actualmente en las películas de tollinas están bastante olvidados. Sólo en la última media hora veremos cómo USA y Corea del Sur se enfrentan deleitándonos con unos combates espectaculares y bien coreografiados por Simon Rhee. Este Simon Rhee interpreta a Dae Han en el film y se enfrenta en el mítico combate final contra el personaje Tommy Lee, que a su vez en la vida real es interpretado por su hermano Phillip Rhee. Los hermanos Rhee no son unos “mindundis” metidos a dar patadas porque sí, son célebres maestros de Taekwondo y esto visualmente ya se percibe en el impresionante combate final.

Campeón de Campeones es una gran película de artes marciales con todo lo bueno y lo malo de la década de los 80 pero con un final épico que después de 20 años no olvidarás. Díselo a un servidor.

Buen drama carcelario del gran “Fred Astaire del Kárate” que tras Kickboxer y Lionheart, Van Damme se consolidaba como “action hero” y como un ídolo de masas en materia de pelis de tollinas y de entretenimiento. Curioso es que fue la primera película del guionista David S. Goyer, actualmente el escritor más solicitado por sus libretos en la trilogía de Batman o Man of Steel (y clavado a Stanley Tucci).

La historia trata del policía Louis Burke que se convierte en héroe local por haber neutralizado a Sandman, un asesino despiadado. Pero su próxima misión será infiltrarse en una prisión para destapar una trama de asesinatos sin resolver y nuestro protagonista al ser de Quebec pasará inadvertido.

La película posee un inicio prometedor con los típicos momentos en que todos toman a Van Damme por el pito del sereno hasta que con tres o cuatro patadas giratorias pone remedio a tal injusticia y se hace respetar. Hasta aquí bien. Pero más tarde cuando la historia y la trama principal obliga a Van Damme que a través de pistas consiga desenmascarar al culpable, no sucede así y todo el thriller se reduce a un motín para priorizar y forzar a que Van Damme reparta palizas cortas y mal hechas. Que me expliquen como alrededor del minuto 1:06:14 cuando Van Damme es acorralado por los guardias y varios presos, realiza una patada en dos tomas con el mismo plano unidas con el programa Movie Maker. Van Damme puede realizar ese golpe con los ojos cerrados y con un tapón de “Moet Chandon” metido en el culo si el guión lo requiere. Inexplicable.

Que sí, que yo si voy a ver a Van Damme es para que reparta palos; estoy absolutamente de acuerdo pero la base argumental desde un inicio es la resolución del caso y después, tal y como sucede, puedes realizar un combate final épico. Aún así aunque despachen rápidamente la trama principal con un método poco trabajado como buscando palabras que empiecen con SL (no es cachondeo) en definitiva es un film entretenido con un combate final muy digno para lucimiento de nuestro belga que nos deleita con una de aquellas patadas con salto marca de la casa.

Soporífera...Es como ver un encefalograma plano.

No se le acerca ni por pelos a Gladiator pero si que puede ser un símil al Reino de los cielos.

Durante las dos horas no desata ningún tipo de emoción en el espectador, las escenas de acción son cortas, no hay sangre ni casquería y aburren y eso que pelean con espadas de metro y medio y flechas que podrian atravesar las torres Nakatomi.

Las localizaciones, los planos y el vestuario son perfectos pero la gente como yo, aún sabiendo que existen estas facetas en el cine, va a ver una película que le haga olvidarse de lo que hay fuera de la sala y que se le pongan los pelos como escarpias con una buena escena de acción y que la banda sonora ayude.

Sobretodo en películas de esta temática y esta película todo eso lo tira por el retrete.

Creo que tengo demasiado alto el listón con Braveheart.

En plena vorágine de pelis de acción “buddy movie” de los 80 (Arma letal, Límite: 48 horas) aparece la entretenida Danko: Calor Rojo interpretada por mi dios Schwarzenegger y por el bonachón actor James Belushi (y es que el verlo en películas como “La pequeña tienda de los horrores” o de Papa Noel traficante en “ Padre en apuros”, este actor me despierta una lagrimosa nostalgia que va más allá de lo racional).

Después de utilizar disyuntivas cinematográficas en este tipo de films como en la película Arma letal, poli negro responsable y poli blanco melenudo y grillado; o como en Límite: 48 horas, policía depresivo con presidiario cantarín; solo faltaba la guinda del pastel, un poli ruso con un poli americano. Y la verdad es que había que echarle… valor para usar ese concepto viendo el contexto político en el que se encontraban URSS y EUA en esos años.
Y es que no se sabe si será por la conseguida apariencia de ruso de Chuachue o por qué no decirlo, por las pintas de su director Walter Hill, más parecido a un proxeneta reinsertado; pero fue la primera película autorizada para filmar en plena Plaza Roja de Moscú.

“La Sinosi”:

Allá en URSS, al soviético capitán Danko (Schwarzenegger) se le escapa un narcotraficante a los Estados Unidos, Víktor (Ed O’ Ross), que antes de irse del país, realiza una escabechina y se carga a media docena de agentes del Kremlin y al amado compañero de Danko. En plena coalición EUA y URSS, Danko viaja a EUA donde se le asignará como compañero de fatigas al simpático detective Ridzic (J. Belushi) para poder encontrar al traficante nariz-chafada Víktor.

La historia, no es precisamente el guión de Memento, pero toca donde tiene tocar, que es poder pasar un buen rato viendo una entretenida película de acción de las de antes, en el sofá espatarrado mientras inconscientemente hinchas tus arterias de colesterol comiendo productos saturados en grasa. Eso es el buen cine lo demás no importa.

Las escenas de acción, como la escena de los autobuses y sobretodo el cachondeo latente que se llevan los principales protagonistas defendiendo sus posturas culturales; es donde reside todo el encanto del film. A parte de poseer un reparto de segundones bastante serio como Peter Boyle (jovencito Frankeinstein), Laurence Fishburne (Matrix), Gina Gershon (la recuerdo de Cara a Cara) y Richard Bright (gángster de las tres pelis del Padrino). Y el compositor James Horner (Avatar, Titanic) que se lo comieron vivo por esta partitura; pero me pregunto qué atractiva banda sonora puedes realizar usando el folklore musical ruso.

No vamos en la misma dirección. Película premiada por certámenes independientes y alabada por algunos críticos.

A veces creo que la innovación y la originalidad está mal entendida, en el cine sobretodo.
Esta película me recuerda a un cuadro abstracto donde el 80% de la población puede contemplar horas y horas ese mismo cuadro y seguir en la conclusión de que es una tremenda mierda y que puede pintarlo un mapache. Pero en cambio hay un público selecto que forman ese 20% restante que premiaran el cuadro y lo alabarán. Así es Gummo, como el cuadro. Yo soy del 80 %.

Su apasionante argumento consta de una sucesión de escenas sin sentido y que no tienen correlación entre sí, basadas en un pueblo devastado por un tornado.
El espectador podrá observar como unos personajes patean una silla en 15 minutos de reloj o como una chica se depila el entrecejo en 10 minutos de película. Para que os hagáis una idea.

No puedo hacer spoilers porque no son viables en este cuadro, digo película.

Curioso el caso de esta cinta que gracias al boca a boca y al poco codificado (sobretodo los viernes noche) Canal + se convirtió en toda una película de culto. Y todo gracias al inefable y jaranero doblaje de Pablo Carbonell, el cual actualmente se halla interpretando un doctor en la eterna serie Hospital Central.

Pero curioso también es... que de todas las premiadas a peor película de los Razzies; ¨Las aventuras de Ford Fairlane¨ es la segunda con mejor nota en la web Filmaffinity (un 6) solamente superada por el film ¨Resplandor en la oscuridad¨(1992) de M.Douglas y M. Griffith (6,2). Más jocoso es, que en la web ¨Rotten Tomatoes¨, el porcentaje de valoración de los críticos eunucos es del 26 % pero la audiencia mundana le casca un 65% en la misma web. He aquí la divertida disyuntiva de siempre.

Gracias a Ford Fairlane, el cómico Andrew Dice Clay, capaz de ser el único monologuista en llenar dos veces el Madison Square Garden, ha sido encasillado (para bien) toda su vida en este personaje. Y aunque tras los años haya perdido su flamante tupé, haya sido vetado por la MTV y la haya liado de tal manera que ni la rompefotos Papales, Sinnead O¨ Connor, quisiera actuar con él en el Saturday night live; Ford Fairlane es un personaje querido, sobretodo por la generación nacida a principios de los 80 (aún sigo escuchando chascarrillos de la peli trece años después).

Las Aventuras de Ford Fairlane es una película simpática, de aquellas que hay que tener en DVD (en bluray, antes encontrarías el santo grial), y que posee aquel encanto de aquella época donde el chulazo ligón estaba bien visto y que un cigarrillo no era motivo de censura o de esa horrible pixelación.

Hasta la editorial DC (Batman, Superman) sacó cuatro números del personaje.
Si recuerdas los batidos de sambuca, la fender stratocaster y un koala que fue moneda de pago de INXS por la resolución de un caso de Ford, notarás como cae la lagrimilla. Increíble, ble.

La historia es verdaderamente entrañable. Trata de un pingüino marginado porque no sabe cantar, lo cuál no le permite realizar la cópula pero sí que tiene una increíble virtud y no es nada más y nada menos que es el saber bailar perfectamente claqué.

Que? La historia convence, eh? Dan ganas de gastarse 20 euros en adquirirla en Blu-Ray con sus extras en macedonio y svenska.

Iba a dar una opinión un poco más light pero al ver las críticas de los usuarios con perlas de¨Impecable simbiosis de género¨ ¨Casi al nivel de Píxar¨ ¨Sorprendente historia¨ ¨Tiembla Pixar¨ han hecho que se me hincharan los Carlomagnos y darme cuenta que alguna de las dos partes no hemos entendido bien la película en sí, con las mismas dudas que visionar ¨Origen¨ de Nolan, igual.

Creo que este público no ha visto Wall-e o Up o si lo han hecho en esos momentos estaban metiéndo mano a la novia/o, cosa que respeto y apoyo.

Lo dicho si alguien quiere ver a un pingüino bailando claqué a lo Fred Aster para ganarse un puesto en su mara pingüinil; Happy Feet es su película.

Esperaré que Pingu coja su bate de béisbol para que se le quiten las ganas de bailar al protagonista. Lo que más me duele es ver su 6,1. Que le vamos a hacer, somos muchos cerebros.

En estos tiempos no es posible realizar otra Jungla de Cristal 1 porqué seguramente la pondrían a caldo. La mentalidad ha cambiado y nos encontramos con esta secuela que no es más que una mezcla de acción actualizada con el gamberrismo entrañable del personaje McClane, de la cuál nace una película de lo más entretenida y de lo mejorcito en acción de estos últimos años.

También me encanta cuando se critica el guión en una película de acción y es que en esta secuela hasta hay un par de giros ¡pero qué importa!, lo que quiere el espectador es que McClane se cargue a los malos aderezado con alguna ingeniosa frase lapidaria. Será que películas como Transporter o los Mercenarios tienen un guión tan trabajado como el del filme Memento (¿) que por supuesto, tienen más nota.

Un buen día para morir contiene un par de escenas de acción para enmarcar. La persecución inicial tardaron 78 días en rodarla y está realizada por los presentadores del programa Top Gear británico. Gente flipada que sabe de motor, de velocidad y de contra más destrucción se haga, mejor.

El australiano actor, que le tengo cariño por ser el personaje Varro en la excelente serie Spartacus, interpreta al hijo McClane perfectamente y el director, John Moore, entiendo la opinión sobre la cinta Max Payne pero El vuelo del Fénix y Tras la línea enemiga las veo bastante potables, por no decir buenas (que lo digo).

La mejor crítica es la que uno tiene y cuando uno va al cine y escucha ancianos partirse la caja con los diálogos entre padre e hijo McClane y ver como los adolescentes lo flipan con las set pieces de la película, olvidándose del whatsapp, es que algo se ha hecho bien.