Al principio parece una comedia negra pero en realidad es un drama romántico con situaciones irónicamente turbias.
El humor se desinfla a medida que la situación se vuelve más “dulce“ pero lo irónico es que se desata un vendaval de muerte por justicia.
Es curioso el caso que propone; donde una persona que trata de practicar el bien se ve obligada a actuar de forma cruel con aquellos que actúan con el mal por delante. Es decir, Katie Holmes - increíble papel y muy infravalorado - encarna a una “joven e ingenua“ (pero ni es una cosa, ni la otra) profesora que quiere cuidar de su vecindario, de su jardín, de sus alumnos y encuentra el amor en el sheriff del pueblo, pero al mismo tiempo es una psicópata nivel Patrick Bateman.
Sin duda muy divertido porque el peso de la actuación recae totalmente sobre Katie Holmes, quien sin duda centra toda la atención con su carisma, su belleza y su sonrisa/psicopatía.
Aunque parece que tiene aires de telefilm (que probablemente puede que lo sea) es de una calidad bastante alta en cuanto a detalles cinematográficos, pero salvo la carismática Holmes, el resto del reparto dejan bastante que desear siendo incluso los jóvenes alumnos mucho más destacados en sus breves y pequeños papeles.

Emotiva y encantadora película con una gran carga nostálgica.

Nos remonta a una época que parece de ensueño, donde niños juegan libres de ataduras y descubren todo un mundo a cada paso que dan.

Así mismo se van desarrollando los procesos químicos comunes en los jóvenes: el desarrollo hormonal y lo que ello conlleva, cambios físicos y de actitud, así como el interés sexual.

Por supuesto el peso recae sobre Vada (Anna Chlumsky) quien por razones diversas no actúa como los demás muchachos de su edad pero en cambio, tiene una amistad muy fuerte con Thomas (Macaulay Culkin).

Ambos personajes y ambos actores demuestran no solo un talento encomiable para su edad, sino que carga a la perfección el peso de la historia y son sin duda quienes convierten lo que sería una película sencilla en una gran historia.

En aquella época Adrian Lyne fue tocado con una varita mágica, y película que rodaba, éxito garantizado.
En este caso exactamente ocurrió eso. No fue un milagro, ni un acto mágico.
¿Quién se esperaría a un Robert Redford en otro drama tórrido y erótico como todos los demás que asaltaban el cine en esa época?
¿Quién se esperaría que habría tanto feeling entre Demi Moore y Woody Harrelson?
Al final la trama no es nada del otro mundo. No es nada compleja. Pero nos presenta un dilema moral que en ciertas situaciones incluso se podría valorar pese a los daños. Sigue siendo una situación antimoralista, aunque en esta época que vivimos con la generación actual, es algo más cotidiano que inmoral.
La sensualidad de Demi Moore siempre ha sido algo atrapante. Es única. El máximo exponente del erotismo en la década de los 90. Y de nuevo sorprende, no solamente por su magnífica belleza, sino por su actuación.
Sin duda Lyne ofrece otra gran película erótica, otro clásico de los romances tórridos, los dramas sucios...
Divertida pero no impactante.

El éxito de Madonna y su reinado en la cultura y música PoP se trasladó prontamente al cine. Su debut fue un éxito y le siguieron muchos más. No únicamente acapara el séptimo arte con películas icónicas de su época, sino que además hit tras hit se convierte poco a poco en la reina del PoP.
Llegan los noventa y nada cambia. Comienza el año fuerte.

Como finales de los 80 y principios/mediados de los 90, el cine erótico trata de llegar para quedarse y nada mejor que descubrir caras nuevas o bien contratar alguien icónico, sea actor o cantante.
Evidentemente el cine erótico vive plasmando su sensualidad en cada escena, en desnudos gráficos muy impactantes, y seguramente eso creía Dino de Laurentis cuando financió este proyecto.

El proyecto es indudablemente por y para Madonna.
Sus desnudos son impactantes, eróticos, sensuales. Las escenas de sexo también son increíbles, salvajes, traviesas... - como olvidar sino, la secuencia del garaje -.
Pero no terminó de triunfar. Fue un fracaso. Quien sabe si tal vez el público se encontró en la situación de que este género es inmutable y al final solo cambian a los intérpretes pero el argumento que ofrecen no tiene mucha variación, sabiendo de antemano como acabará todo y lo mejor que puede ofrecer son los sensuales desnudos y las calenturientas escenas de sexo.

No creo que la película sea para nada mala. Ni entiendo su fracaso. Detrás de Madonna hay un gran reparto que cumple - políticamente correcta - su actuación, y sin duda Willem Dafoe, quien acompaña a la reina del PoP, hace una actuación muy efusiva y se nota lo gran actor que siempre ha sido, realizando seriamente el papel que le corresponde y con la misma involucración de siempre.

Probablemente nos encontremos ante el largometraje en su categoría más infravalorado en comparación con el resto de su época.
Madonna increible.

Adrian Lyne se convirtió en sinónimo de éxito garantizado después de experimentar dos de la películas más efectivas en cuanto a taquilla se refiere. Y no solo eso, sino que también ambas se convirtieron en indiscutibles clásicos de su década.
Tras su gran trabajo en Flashdance - dando clara muestra de su faceta erótica que dejó ver de soslayo - ahora nos trae un drama erótico muy distinto a lo que veremos próximamente y que posiblemente marcaría el inicio del thriller erótico de los noventa - hablamos de Atracción Fatal exactamente, pero sin obviar que Fuego en el Cuerpo también cumple dicho papel y curiosamente, es en esta última donde un jovencísimo Mickey Rourke hace uno de sus primeros papeles - .

Si alguien recuerda que 50 Sombras de Grey era un romance tórrido y erótico que levantó pasiones entre la multitud, debería ver esta película. Y probablemente se sorprenda de lo mucho que la novela de E. L. James, se “inspiró“ en la película de Lyne.
Lo que nos ofrece “Nueve Semanas y Media“ es sexo intenso, desenfrenado, pasión, obsesión, narcisismo, ego, humillación, amor tóxico... todo ello de una forma paulatina. Obviamente no excede los límites permitidos, por muy poco.

Su argumento realmente es vacío. No tiene un nudo consistente en los personajes ni en sí la trama está completamente planteada.
La mayor fuerza la ejerce el papel de los protagonistas y las múltiples escenas de sexo.
Todo ello forma parte de una década, de una cultura... mil veces vista, mil veces copiada, parodiada y recordada.
Por supuesto no todo queda en las escenas de sexo, no. Definitivamente la banda sonora marcó varios hitos musicales de su época. Y la fotografía es increíble.

Clásico que merece la pena ver al menos una vez, y quienes gusten de romances torridos, thrillers eróticos y géneros similares, disfrutará muchísimo pues fue de los últimos grandes papeles que hizo el carismático - por aquella - Mickey Rourke.

Ni por asomo tiene las características suficientes para ser considerada “mejor película“. Desconozco la competencia en ese año, pero su nominación le queda demasiado grande.

Bien es cierto que el reparto es sencillamente magistral, y no solamente por la increíble Señora Robinson interpretada por una espectacular Anne Bancroft. El tímido papel de Dustin Hoffman - con más sombras que claros - interpretando al inocente Ben, junto a Katharine Ross - sin duda la mejor de la película - en el papel de hija de la señora Robinson, y novia de Ben. Son los dos puntos claves que convierten lo que podría ser una película de segunda en todo un clásico del cine.

¿Qué la convierte en ello?
Primero la trama. La adaptación - no sé hasta qué punto en esencia o en fidelidad - utiliza un soslayo de erotismo muy impropio de la época, pero lo suficientemente atrevido como para llamar la atención del público. Y eso empieza ya desde el cartel.

Lo segundo es la banda sonora. Una composición realizada en su totalidad por Simon & Garfunkel.
Y el inicio acompañado de una tema como “The Sound of Silence“ es sencillamente: CINE.

Y por último. Lo que me gustó es como una trágica historia de adulterio se convierte en un romance disparatado lleno de situaciones nada convencionales. Al tiempo que una situación como la de la señora Robinson, convertida en villana por el sencillo hecho de ser una mujer adinerada y aburrida en un matrimonio monótono donde su única vía de escape es el alcohol se sitúa en la órbita de un chico puro e inocente que no ha tenido la ocasión de vivir la vida y de pronto, todo de golpe en todo momento, aparece y de chico a hombre. Ella en cambio, de madre respetuosa a furcia de tres cuartos. Y entre medias la lucha de egos y celos.
Y nada se ensombrece en esta dramática película porque tiene una capacidad de hacer cómicas muchas situaciones y eso hace que sea menos incómodo de digerir.

Lo que comienza con un macabro descubrimiento desencadena en una sucesión de engaños, avaricia y capitalismo en plena guerra fría, en el interior de una hermética URSS y desde la perspectiva de un inspector ruso.
Un triple asesinato que envuelve a gente poderosa y dispuesta a eliminar cualquier rastro o prueba que les pueda implicar.
Un inspector con convicción e ideales capaz de arriesgar todo para resolver el crimen.
Una película muy intensa y bien abordada por un estupendo Michael Apted que demuestra lo gran director que fué.
Las interpretaciones son estupendas, desde el protagonista William Hurt hasta su archienemigo Lee Marvin, pasando por un grupo de caras conocidas que aportan muchísima calidad como Brian Dennehy o Joanna Pacula.
Su comienzo y casi la mayor parte de la película hasta que se descubre el culpable es quizá lo mejor y más destacable del largometraje; oscuro, frío como las propias calles nevadas de Moscú, con una ambientación tétrica y siniestra y la banda sonora de James Horner es un acierto total (de hecho hizo una composición muy similar para “Comando“ de Mark L. Lester).
A partir del interés romántico entre Hurt y Joanna Pacula, lo cierto es que empieza a bajar el ritmo y el nivel. La última parte del largometraje es la peor. Pasa por encima de personajes como si nada y finaliza de una forma muy endeble y apresurada, como si hubiesen recortado muchísimos minutos de interés dejándolo bastante incoherente y falto de espíritu, de ahí que no sea una película redonda pero sí una gran obra.

Un bajón ¿inesperado?
Se preveía la sucesión de Stallone por cuestión de edad, y era inevitable.
El problema radica no únicamente en los pocos minutos en pantalla de nuestro gran héroe, sino en la calidad del reparto.
Hasta ahora siempre tuvimos viejas glorias del cine de acción y algún que otro actor de renombre en pequeños cameos o papeles secundarios, pero está vez ni siquiera el villano se sirve de carisma.
Pasamos de Eric Roberts a Van Damme, un salto de calidad increíble. Después le sigue Mel Gibson, que no está nada mal aunque muy por debajo del belga. ¿Y ahora? ¿Iko Uwais? ¿Enserio?
No por desprestigiar su talento, sino que en realidad el papel de villano no le sienta nada bien. En todo caso sería una gran opción para suplir a Jet Li en el equipo y lo vería con mejores ojos sin duda.
Al igual que Tony Jaa, Iko Uwais está muy desaprovechado. Ambos apenas se lucen, apenas tienen su “momento“.
Por otro lado, la dramática y poco creíble historia que viven “Los Mercenarios“ de Barney tras su muerte, es lamentable... el guión malísimo, y sus actuaciones a la altura. Patético.
En realidad ni siquiera es una entrega repleta de acción. Statham se trata de camelar al público haciendo de “John Wick“ pero ni siquiera la calidad está a la altura. Ni los primeros planos, ni los planos lejanos. Es un quiero y no puedo.
La verdad es que estoy muy decepcionado. Solamente valoró la actuación de Stallone.
Ni la belleza de Megan Fox salva esto. Tan siquiera ella porqué ni su actuación es decente - y que conste que me gustan sus actuaciones -.
Sorpresa la de Andy Garcia, aunque como el resto, muy poco creíble en su papel. Tal vez ni enserio se lo ha tomado y no me extraña...

La unión Donner-Stone ha resultado una película que con el tiempo consiguió el estatus de culto.
En su momento no resultó ser el éxito esperado pese a contar con un elenco estelar encabezado por Al Pacino.
Y de nuevo Al Pacino, al igual que hizo en “Pactar con el Diablo“, se realza en un papel que le va como anillo al dedo; donde puede gritar, enfadarse y ser él mismo.
La película a veces tiene un ritmo muy de su época: como si estuviéramos viendo un videoclip de la MTV de aquella, y es que además, la banda sonora le acompaña pues en cuestión de segundos hay una variedad increíble de canciones.
Transmite la intensidad y la emoción del, probablemente, más importante deporte de los Estados Unidos. Cómo se vive cada partido desde dentro, la frustración de los jugadores-entrenadores, cómo lidian con el éxito y/o el fracaso... La verdad es que Oliver Stone hace un trabajo estupendo y te mantiene en vilo con su ritmo frenético y divertido.

El talento que destilaba Kirk Douglas siempre ha sido inigualable; es una auténtica leyenda del séptimo arte. Su gran actuación en la piel del famoso Van Gogh es en gran parte lo más memorable del largometraje a pesar del premio Óscar que acabó en manos de Anthony Quinn, en una actuación menor aunque no irrelevante pero mucho menos encomiable que la de su protagonista.
La historia nos sumerge en el crecimiento personal de un joven pintor quien todavía era un desconocido, que mientras evolucionaba con sus obras desmejoraba su capacidad mental y por fin encontramos esa caracterización de un bohemio artista con crisis artísticas que rozan la línea entre la angustia y declive psicológico y que por otro lado, es un visionario; tratando de plasmar desde su pincel, su mezcla de colores, su particular estilo y sus aclamados cuadros, una viva representación del ser humano en su más puro realismo, sin abalorios ni grandezas.
Además de las notables actuaciones de James Donald, quien da vida a Theo, el hermano de Van Gogh y su representante, o el propio Kirk Douglas en la piel del legendario pintor, su otra gran riqueza es la banda sonora compuesta por el legendario maestro húngaro Miklós Rózsa.

Si de alguna película el tiempo ha tenido en consideración como clásico de aventuras es ¨El Prisionero de Zenda¨ que junto con la mítica ¨El Malvado Zaroff¨ conforman algunos de los largometrajes que influirían notablemente en el cine de acción y aventuras en décadas posteriores.
Ante todo debemos adaptar nuestra objetividad actual a la época en que fue rodada - y estamos hablado de los años 50 - por lo que no podemos esperar situaciones que parezcan tan cotidianas o elementos afectados por el progresismo socio-político.
Tenemos al típico héroe solitario con su típico romance imposible y enfrentando a la muerte por, sencillamente, una promesa. Algo sencillo. Pero muy noble - valores de otra época -.
La gran actuación de Stewart Granger encubra en todo momento situaciones que podrían languidecer por exceso de romanticismo o diálogos. Pero es precisamente eso lo que debemos entender. Aquella época no proporcionaba tanta acción ni tanto espectáculo debido a la falta de medios y evoluciones técnicas que de hoy se disfrutan, exageran y exceden en utilizar.
Así pues debemos disfrutar de la expresividad, gran actuación y guión de los personajes; Granger, Kerr, Mason, etc.
Divertida, emocionante por momentos y obra clásica por excelencia - lo que no quiere decir que por ser una obra clásica de cine vaya a variar mi calificación final -.

Perfecta combinación de realismo y comedia negra.
Un largometraje que sirve como expresión del nuevo milenio y lo fina que es la línea que existe, ahora mismo, en el amistad y el amor.
Una fina línea que, al igual que las relaciones de cristal o el amor líquido, todo puede decidirse en instantes por puro egoísmo y superficialidad.
El mundo se ha vuelto demasiado individualista, demasiado egoísta y la era de la tecnología no ha hecho otra cosa sino que enfrentarnos, depender de ella, depender de la opinión del resto y ocultar sentimientos, mentir, fingir, creer en cualquier autocracia vía IG, Twitter, etc. porque ahora mismo es así; tienen poder los que mienten y se esconden detrás de un ordenador.

Quizá no estemos ante la mejor película del señor Alex de la Iglesia, pero si una con la mejor metáfora para aplicarse ante la falta de sentimientos que existe. Donde si hubiera una oportunidad para volver atrás y cambiar ¿lo harías? Y más sabiendo todo lo que puede estar en juego por lo mismo que mencioné anteriormente.
Las actuaciones muy convincentes y divertidas, y los derroches de humor negro etiqueta de Alex, siempre son bienvenidos.
Una buena historia bien complementada por las actuaciones de un reparto de lujo.

Westerm enmascarado inspirado - y también sirve de homenaje - en el clásico y violento cine del maestro Sam Peckinpah. Walter Hill no solo es un alumno aventajado del maestro, sino que además ha sabido definir un estilo propio muy particular que durante las décadas de los setenta y ochenta se pudo ver plasmado en grandes clásicos del cine de acción, o más bien, thrillers cargados de acción y violencia a raudales.
Traición sin Límites demuestra una vez más la inspiración de Peckinpah, concretamente del mítico westerm ¨Grupo Salvaje¨ y he aquí el ¨Grupo Salvaje¨ de Walter Hill; donde quizá los nombres no sean tan reconocidos como aquellos, pero tenemos un muy buen elenco lleno de caras conocidas y cada uno responde positivamente a su interpretación.
Quizá me dejó un poco indiferente la poca participación de Clancy Brown en comparación con un semi-desconocido - por aquel entonces - William Forsythe.
La película es un clásico de los duelos por traición, donde Powers Boothe y Nick Nolte - ambos ya habían trabajado previamente con Walter Hill - se enfrentan por los distintos rumbos que han tomado en su vida siendo amigos en el pasado. Esto también podría aplicarse al pequeño duelo entre Michael Ironside y Clancy Brown. Salvo que en este último caso, desaprovechan muchísimo las intenciones tanto del personaje de Ironside como de su grupo de soldados/mercenarios.
Con el gran compositor Jerry Goldsmith al cargo de la banda sonora y que tan poco me supo a una de sus grandes composiciones, también es motivo de importancia. Ya que no resta tampoco suma...
Olvidada pero muy buen largometraje en la filmografía de Walter Hill.
Ni por asomo es de las mas regulares o peores en su carrera, para nada.

Nada tiene que reprochar en cuanto a estética y vestuario, de hecho, ha sido una encomiable labor que bien puede ser apreciada a lo largo de sus más de dos horas.
Como toda superproducción biblica - que gozó de tantísima fama entre la década de los años 50 y 60 - cuenta con un reparto de grandes nombres. Grandes artistas reconocidos en el día de hoy, pero seguramente en su momento, muchos de ellos, no eran más que meros secundarios de otros actores de renombre.
Ese es el caso de su protagonista, Anthony Quinn. Un artista legendario, sí. Pero también un artista que pese a sus dos Oscar en el palmarés, no dejaba de ser un secundario de lujo que pasó a ser protagonista principal de una producción que pretendía - al menos Dino de Laurentis lo creía de ese modo - arrasar en premios y la verdad sea dicha, no alcanzó gran repercusión. Quizá por haberse tratado de una película europea. Quizá por la competencia. ¿Quién sabe?
Lo objetivo es darse cuenta de la ambientación y el personaje. Sí, un personaje interesante pero no más que lo fue Poncio Pilato, o el mismísimo Lázaro de Betania, sin olvidar al centurión Longinus. A fin de cuentas, tras la crucifixión de Cristo y antes de que Nerón quemase Roma, suceden los hechos. Por supuesto, Neron. El sádico emperador, que tenía como consejero al gran filósofo Séneca de su lado.
Centrarse demasiado en Barrabás y su martirio, olvido por completo otros hechos importantes y que hubieran supuesto una partida más interesante para aquellos ateos que como yo, disfrutan de una interesante adaptación pero que no cumple fielmente los hechos históricos verídicos, sino que en cambio, se va por las ramas hacia la nobleza de un hombre cuyo destino está en manos de... quien supuestamente murió por él.
Acceptable sin más.

¿Cómo una situación que podría tildarse de ¨cotidiana¨ se convierte en una auténtica y desenfrenada locura? Pues es lo que el maestro Alex de la Iglesia nos ofrece en está desenfadada comedia con tintes dramáticos, románticos y de acción. Eso sí, que nunca falte la acción Alex.
Podemos presumir de tener al Tarantino español, y no es columpiarme cuando lo digo.
Alex de la Iglesia sabe ofrecer buenos argumentos y mejores diálogos.
Recurre a una cantidad ingente de actores que reconvierte o destaca después de tiempo ¨en el anonimato¨ por falta de mejores papeles o secundario en obras sin demasiada relevancia.
Lo que está claro es que todo funciona a la perfección en su cine, como el engranaje de un reloj moviendo las agujas y ofreciendo la hora correctamente.
Es casi perfecto.
Puede que su argumento sea sencillo o simple. Pero no es en sí el argumento, sino más bien la situación, las vivencias, el desarrollo de personaje, la situación y la conclusión. Es eso mismo lo que hace su cine grande, y lo que hace que está película se merezca el reconocimiento de ser: una de sus mejores obras.
Mención especial a Ernesto Alterio - y el resto de reparto, desde el genial Jaime Ordóñez (me encantó en ¨Las Brujas de Zugarramurdi¨ y aquí no le vi el mismo nivel) hasta su protagonista, Alberto San Juan. Sin olvidar a Blanca Suarez o Carlos Areces, quienes también hacen papeles relevantes y destacados - . Pero Ernesto... Ernesto Alterio es increíble, fabuloso... Su actuación es una delicia.
El Cuarto Pasajero es una obra que merece la pena ver y analizar. Ya que su trasfondo esconde mucho más que una sencilla película llena de completos desconocidos que acaban metidos en el mismo lio y todo a raíz de un romance inexistente hasta ese momento.

El tiempo no perdona.
Tres artistas de renombre, tres premios Óscar.
Una comedia tan divertida como nostálgica, donde el bueno de Christopher Walken se marca una actuación brutal pese a su inexpresividad. En cambio, Al Pacino, mucho más entregado a la causa no terminó de convencerme.
Es probable que mi problema con Pacino venga desde mucho antes, y aunque no le considero mal actor, no me pega como tipo cómico.
A pesar de todo, ambos, junto con la escasa participación de Alan Arkin, nos llevan a una noche tan ¨larga¨ y divertida como aquellos clásicos de los 80: ¨Cuando Llega la Noche¨ de Landis o ¨¡Jo, qué noche¨ de Scorsese.
Vamos, una locura tras otra, un sinsentido tras otro, y todo ello en un breve espacio de tiempo.
Aceptable y divertida.

En una época en la que el cine de abogacía y juicios tuvo un inesperado éxito de taquilla, sucedió una cadena de películas que salían una tras otra con ese propósito. Y es cierto, el estatus que gestionaron fue como grandes éxitos de los noventa.
Sleepers no es más ni menos, a pesar de contarnos una traumática historia de abusos sexuales, de maltrato al menor y crueldad. Una década, los 60, donde la violencia se gestionaba a través de la tortura.
Con un director de éxito - quien ya antes había trabajo con grandes estrellas y siempre triunfante - Barry Levinson, acogió un reparto de ensueño encabezado por Kevin Bacon, Robert de Niro y Dustin Hoffman - cada cual mejor en su papel -.
Pero sin obviar todo lo que le sigue; Brad Pitt, Brad Renfro, Jason Patric, Billy Crudup, Vittorio Gassman... y la gran banda sonora compuesta por John Williams.
A pesar de que el juicio y el tema de abogacía queda, inevitablemente en segundo plano, es quizá, donde Dustin Hoffman se come al resto del reparto con su papel de alcohólico defensor.

Impactante historia que nos muestra la crueldad de la guerra, como la ocurrida en Camboya tras la victoria de Vietnam.

La ocupación invasora de vietnamitas empujó a los camboyanos a huir a Tailandia y otros a unirse a la filas del Khmer rojo para luchar con los soldados vietnamitas.
En medio de esta locura un niño de apenas unos doce años pierde a sus padres junto con el resto de su familia. Ahora su deber es proteger a su pequeña hermana que tan solo tiene 18 meses de edad.
Su misión es llegar a la Tailandia, vivos.

Durante la historia podemos encontrar desde momentos de crueles y llenos de una absoluta frialdad: - La escena de tortura de los camboyanos enterrados hasta el cuello, el templo-cueva lleno de los huesos y esqueletos de los civiles camboyanos, el ataque de las fuerzas vietnamitas durante el enfrentamiento final en el puente o el memorable final donde el niño sostiene las cabezas decapitadas de los vietnamitas -. Hasta partes emotivas que te dejan respirar después de tanta crueldad.

La imagen con la que ha sido grabada así como su fotografía, nos envuelve en una sensación que recuerda a un documental de los años 70.
Película muy dura y más cuando nos hacen ver la historia desde la perspectiva la inocencia de un niño así como todo que le envuelve y sucede a lo largo de su camino.
La banda sonora hace un trabajo excelente dotando de una ambientación mucho más siniestra y terrible.

Solamente Robin Williams es capaz de convertir una catástrofe en una comedia, y todo se debe a su incuestionable talento para el humor.
Quizá se trate de uno de sus papeles más recordados, no así su mejor película ni tampoco su mejor actuación.
Política de guerra, manipulación de os medios de comunicación y el alentador trabajo de un locutor por mantener la moral de sus compatriotas y compañeros en alza, todo ello forma una sátira bélica donde el sarcasmo y la ironía son una buena receta para una comedia insólita.

¡Oh, Capitán! ¡Mi Capitán!

Nos encontramos aquí nada menos que la opus magnum del australiano Peter Weir; un clásico del cine por excelencia y que debe se rememorado por los valores que transmite su trágica y a la vez, esperanzadora historia.
Cuenta con la inestimable actuación de Robin Williams junto a sus pupilos, entre los que destacan los todavía por consagrarse, Robert Sean Leonard e Ethan Hawke.

Se trata de un largometraje de bajo presupuesto sin éxito aparente. Muy probablemente a día de hoy sea una película ¨de coleccionista¨ ya que lo único que la rescata del anonimato es uno de sus protagonistas; un joven y todavía desconocido Sylvester Stallone.
Además ni el propio Stallone es el protagonista. Perry King, que más adelante sería protagonista del clásico de culto ¨Curso 1984¨, es sobre quien recae el protagonismo.
Otro actor que destacaría más adelante y volvería a coincidir con Stallone en ¨Juez Dredd¨ es Armand Assante, y juntos conforman tres de los cuatro ¨rebeldes¨ de la película.
Un drama de tipos duros, gamberros callejeros con tupés engominados y chaquetas de cuero al más estilo motero de segunda, y sería algo que no mucho más tarde pondría en boca de todos John Travolta con su ¨Saturday Night Fever¨ o en la maravillosa ¨Grease¨.
Aquellos que han disfrutado de las mencionadas anteriormente, así como otras del estilo ¨La Ley de la Calle¨ o ¨Rebeldes¨, deberían darle el beneplácito de curiosearla. Incluso lo recomiendo para incondicionales de Stallone; les sorprendería ver su faceta dramática lejos del ¨action hero¨ por el que se catapultó a la fama.

Desde las endebles actuaciones hasta la absurda trama, nos deleitamos con una demanda de violencia sexual que despierta intereses oscuros en el público.
Lo curioso de todo ello es, lo controvertido que sería hablar sobre un tema como el que nos muestra el largometraje. No exento de polémica y muy posiblemente injurias. Difícil de tratar en tiempos modernos, donde es más un tabú que algo propio de una mente abierta.
A fin de cuentas, la película solo trata de mostrar ese ¨lado salvaje¨ del sexo, donde encontramos un dominador y dominado, la violencia justa pero aceptable, y la peor y más indignante parte, el dinero y el poder para adquirir sentimientos y emociones propias.
Indignante verlo, como espectador. Todos sabemos que ocurre. Más indignante todavía.
Prototipos horribles sin duda.
Debido a su personaje, a su trasfondo, y formar parte de una historia ¨no real¨ la convierte en una película simple, llana, sencilla, y con una única finalidad, llamar la atención. Y lo consigue, evidentemente, pero ¿merece la pena? ni mucho menos. Hay película porno con mejor trama y más auténticas.
De hecho, siendo realistas, si las hazañas de nuestro protagonista las hiciese un hombre común, el resultado sería muy diferente.
Una película de lo peor que he visto en mucho tiempo y con un final horrible, donde las interpretaciones en ningún instante desde el comienzo, y propiamente en la parte final, siguen en su línea, inexpresivas, nos deja el amargo final de saber que habrás más continuaciones.

Siempre controvertido y polémico, Sacha Baron Cohen regresa con su emblemático Borat.

Borat es uno de los personajes ficticios que el propio Sacha Baron Cohen interpretó hace algunos años y forma parte de una pequeña lista de personajes que él mismo interpreta como crítica social en diferentes ámbitos.
Como de costumbre existe diversidad de opiniones, su humor no es complejo pero tampoco aceptable para todo el mundo.

Nos encontramos ante un estilo cinematográfico que juega con la sátira, la ironía, la mofa, el humor negro... Pero al mismo tiempo, los elementos que toca van desde el racismo, machismo, feminismo, homofobía, etc. Temas que dan de que hablar si el contexto en el que los usa no son comprendidos.
Precisamente por ello, Sacha Baron Cohen es tan polémico, y su cine tan controvertido.

Evidentemente la película ni es tan buena, ni es tan graciosa. Los puntos cómicos son divertidos y despiertan alguna carcajada, pero no es suficiente cuando la trama es tan pobre.
También lo bizarro es repulsivo y excesivo. En ocasiones ni plantearía su recomendación personal.

Muy en la línea de todo su cine, el cual puedo visualizar como pasatiempo pero nada más. Mi recomendación es que no merece la pena salvo para aquellos fanáticos del artista o del personaje.

Siempre tarde... ¿Es mejor tarde que mal y nunca?

Los dos afamados personajes creados por Kevin Smith y protagonizados por él mismo y su gran amigo Jason Mewes, han sido desde ¨Clerks¨, las estrellas por excelencia; ya fuera como protagonistas absolutos (¨Dogma¨ o ¨Jay y Bob el Silencioso Contraatacan¨) o meros secundarios (¨Persiguiendo a Amy¨ o ¨Mallrats¨).
La conexión entre todas esas películas, a pesar de sus historias, personajes y diferentes aventuras, siempre es un punto divertido para recordar aquella época, para viajar en el tiempo y volver a los noventa... Además todos esos pequeños guiños y homenajes al cine, a los cómics, a la vida común... Es fabuloso.
El problema siempre ha sido el mismo, el tiempo.
Desde ¨Jay y Bob el Silencioso Contraatacan¨ hasta su secuela, han pesado la friolera de 18 años. Lo mismo que ocurrió con ¨Clerks¨ solo que eran 12 años de diferencia. Y probablemente siga ocurriendo con la prevista tercera entrega, o la secuela de ¨Mallrats¨ si finalmente se realizan...
Pues nada, salvando el hecho de que Jay y Bob el silencioso tuvieron bastante protagonismo en ¨Clerks 2¨, han sido 18 años desde la primera parte y 13 años desde la secuela de ¨Clerks¨.
¿Y cúal es el problema?
Pues sencillamente me remito a los años.
Kevin Smith cambió fisicamente, su aspecto es totalmente distinto al de hace unos años y enhorabuena, aún sigue siendo ¨Bob¨. Pero Jason Mewes y su dantesco viaje de adicción le ha dejado secuelas notables. El cariño por su personaje es quizá lo que me haga más benevolente para valorar su trabajo, pero ni por asomo es el Jay de ¨Clerks 2¨.
El resto de los miembros de ¨la familia Smith¨ también han envejecido, y ahora la temática cambia a un entorno más familiar, con algún picaresco toque de humor negro tocando temas que prácticamente ahora, son controvertidos, polémicos y señalados.
La historia sigue siendo lo mismo de siempre, disparate tras disparate y divertirse viendo dos cabezas de chorlito liándola y saliendo victoriosos, mientras de por medio nos llenamos de cameos de élite, guiños al cine, cine dentro de cine y homenajes a ilustres artistas.
Deseaba tanto verla que, creo que la decepción a sido mayor. ¿Qué veremos en ¨Clerks 3¨?

La historia transcurre, de nuevo, exactamente tras la conclusión de la anterior. No hay ningún cambio. El personaje es idéntico y las situaciones similares.
Keanu Reeves sigue encarnando a su nueva gallina de los huevos de oro, y la película, como era de esperar, triunfa.
No es para menos. Si la anterior tuvo unas espectaculares secuencias de tiroteos, aquí tenemos varias persecuciones brutales y frenéticas por donde se las miré.
Por supuesto, fanáticos y público en general, podrá deleitarse con otro final para encumbrar.
No hay escala de medidas para la trilogía. Una vez vistas las tres, es fácil deducir que es una historia continúa desde la primera, sin bajar el ritmo, ni modificar ningún aspecto. Por lo tanto, ¡disfrutemos de la cacería!