En pocas palabras: acción, acción, acción. Stallone se trae consigo a una constelación de estrellas del cine de acción y el resultado es, literalmente, explosivo. Un gran homenaje a las pelis de acción de los 80 y los primeros 90, pura evasión descerebrada, entretenimiento a tope. Es una peli que se ha hecho pensando en el público, viendo claro que es lo que querían los treintañeros y nosotros (hablo por mí), los frikis de la vida, tan relacionados con la Generación X.

Ni el guion ni las actuaciones (salvo las de Jason Statham y Mickey Rourke, bastante decentes) son gran cosa, pero estos tipos - y sus dobles - llenan la pantalla con carisma, artes marciales, determinación, músculos y testosterona. Es una de las pelis más machotas de la Historia, y como lo disfrutamos viendo como petan los malos como en un videojuego. Entre los momentazos memorables tenemos una espectacular escena en avión, la lucha entre los expertos Dolph Lundgren (Kyokushinkai Karate) y Jet Lee (Kung Fu Wushu), la actuación de Jason Statham y la fiel navaja Ceasar de Terry Crews, cuyas armas son un personaje más de la peli.

Stallone no es un gran director, pero tiene oficio y logra un producto muy lucido a nivel técnico que nos devuelve a esas películas malas pero extremadamente divertidas de la Cannon, o las mejores y más espectaculares de la Orion, la TriStar y la Carolco. Por otro lado, el doblaje es cojonudo.

Pura adrenalina y entretenimiento bien realizado con algunos toques autoparódicos. No es ni pretende ser una gran película. La ambición y oficio puestos en ella están patentes. Todo un triunfo del cine de acción ¨del de toda la vida¨, sin duda. Y eso... Eso es grandioso. Solo lamento no haber visto a Eric Roberts soltando patadas.

John Sturges realiza con su habitual aplomo y habilidad para dirigir repartos largos uno de los muy escasos remakes americanos de películas extranjeras que pueden compararse e incluso superar al original. Impelido por Yul Brynnner, que había quedado prendado de ¨Los siete samuráis¨ de Akira Kurosawa, realizó una de las grandes obras maestras del western y del cine de acción: de sus siete protagonistas, 5 de ellos fueron iconos del cine de acción - Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn y Robert Vaughn - y dos actores de carácter que repitieron bastante en este tipo de pelis: la estrella alemana Horst Buscholdt y Brad Dexter.

Significó el salto al estrellato de Steve McQueen y el triunfo de tres actores secundarios que lo harían después: Bronson, Coburn y, como villano, el entonces ya veterano Eli Wallach, una de las grandes leyendas de Hollywood que aún viven. El duelo interpretativo real entre McQueen y Brynner por robarse la escena llena sus interpretaciones de matices y detalles que no se pueden apreciar viando la peli una sola vez. Wallach logra crear un villano que logra incluso despertar cierta simpatía: es listo, cruel y bastante retorcido. Bronson hace una de sus mejores interpretaciones como el Magnífico tierno y compasivo (un papel con ciertos paralelos con su Paul Kersey, especialmente en la primera parte de la saga ¨Death Wish¨ y en menor medida en la segunda), Coburn muestra su imponente presencia y voz pero le dan poco tiempo para demostrar su indiscutible talento, Dexter y Vaughn hacen lo que se espera de ellos. Buscholdt es un poco teatral, aunque él sea el Magnífico loco (como lo define Eli Wallach) y sea de esperar. En mi opinión, no demostró ser de verdad uno de los mejores actores europeos del momento hasta la descacharrante ¨Uno, dos, tres¨ de Billy Wilder.

Es un Western que aún hoy sorprende por su ritmo acelerado (pese a su longitud) y las excitantes escenas de acción - el montaje es soberbio e influenció a muchos cineastas posteriores, empezando por Sam Peckimpah - aunque no se limita solo a eso: tiene un muy buen guion que define perfectamente a cada uno de los personajes (eso es más mérito del original de Kurosawa que otra cosa, pero bueno, lo respetan). Los mejores aspectos técnicos de la película, montaje a parte, es la escenografía: sencilla, con solo tres o cuatro localizaciones exteriores y escasos interiores, pero muy resultona, y, sobretodo, la [octava] magnífica banda sonora de Elmer Bernstein.

Walter Mirsich, que no hacía ni 10 años producía para Monogram o Allied Artists, se consagró con este gran producto.

Ingenioso Peplum serie B de Sergio Leone que representa al Coloso de Rodas como un enorme arma.

Cameron Mitchell está muy acertado en su papel, y dentro de la carestía de recursos, es una película muy bien hecha a todos los niveles y que se paladea con facilidad.

Como la vi antes de que Indiemoviez iniciara su andadura, estoy haciendo esta crítica de memoria, pero sigo considerando este film como uno de los mejores peplums italianos que he visto. Por su ingenio y cierta fabulación no desencajaría del todo en Abando.

Proyecto que Stallone tenía preparado desde antes de los tiempos de la saga de Rocky Balboa. Sigue la premisa básica del que sería su gran éxito, pero quizá tenga una premisa un tanto más amarga y un guion menos serio: Un muchacho no muy brillante mentalmente tiene la oportunidad de convertirse en un ídolo del wrestling, siendo entrenado y explotado por los listillos de sus hermanos, gente de poca ética (Sylvester Stallone y Armand Assante en su debut como actor acreditado). Un buen reparto, secundario, con Anne Archer, Tom Waits o el actor de carácter Frank McRae entre otros, acompaña bien.

Stallone no lo hace mal del todo, pero es Assante quien roba la función con su actuación ¨paciniana¨. Destacan sobremanera las coreografías del legendario Terry Funk, que aparece en la película junto a más de 20 luchadore profesionales (entre ellos un joven Ted DiBiase). Sin ser tan entretenida o interesante (depende de la peli de Rocky en que pensemos, salvo la V) como las andanzas del potro italiano, logra que pasemos un rato tan ricamente.

Bien realizada técnicamente y con buena música. Sin duda, una peli muy decente.

Con la descacharrante película (y posterior serie) M*A*S*H, la comedia dramática protagonizada por John Lennon “Cómo gané la guerra”, el desgarrador drama “Johnny cogió su fusil” empezaron a aparecer películas bélicas que en lugar de glorificar la contienda la convertían en el drama que era realmente (el mismo 1977 tuvimos la superproducción –británica, como la presente - “Un puente lejano”, una producción épica que narraba cómo los aliados la cagaron bien cagada en una operación que tenía que ser gloriosa. Los americanos la odiaron durante mucho tiempo).

Este filme de Sam Peckinpah condena el concepto de la guerra como algo glorioso (lo vemos desde los cínicos créditos). Y además lo hace desde el punto de vista del ejército alemán durante la II G.M. No era la primera vez que se intentaba ver la guerra desde el lado perdedor (“El baile de los malditos” o la fallida “Tora! Tora! Tora!” son dos ejemplos), pero nunca desde un punto de vista tan tenaz, realista y crítico: el enfrentamiento interno entre las viejas familias prusianas en busca de gloria, vendidas al nazismo (sin ser necesariamente nazis. Chaqueterismo puro) y a sus acciones criminales por obtener más oropeles y medallitas, y los militares profesionales a quien Hitler se la traía floja y estaban allí porque era su trabajo o porque los habían reclutado a la fuerza (de hecho el único nazi auténtico del pelotón es tratado con asco y desprecio por el resto, que lo consideran un asqueroso asesino).
Maximilian Schell representa aquí al primer grupo y James Coburn y al segundo, en un notable duelo interpretativo: Coburn en su habitual papel de tipo duro con un poco de corazón y el malogrado Schell como pomposo, caricaturescamente cobarde aristócrata. Magníficos intérpretes, a los que se suma el mítico James Mason (un lujazo para cualquier película) y el notable actor de carácter David Warner. La bella pelirroja Senta Berger tiene un pequeño papel y alegra la vista al mismo tiempo que nos muestra el talento que la ha llevado a ser una de las más prestigiosas actrices europeas.

Con un guion del oscarizado creador de “Casablanca”, Julius J. Epstein, basado asimismo en el best-seller de Willi Heinrich (escritor que sirvió en el mismo batallón que sale en su novela, que obtuvo un rotundo éxito en el Reino Unido y en EE.UU.), la película no tiene desperdicio. Su factura técnica es impecable: fotografía magnífica, montaje trepidante, escenas en cámara lenta que realzan la violencia (y es que boches y rusos son presentados como valientes suicidas que van hasta el final: desde el mortero al puñetazo limpio, lo que remarca la cobardía del personaje de Schell y de cierto ruso del que no hablaré porque es spoiler), buen maquillaje (algunas heridas son… Espectaculares, digamos), vestuario y atrezzo absolutamente fieles a la realidad, música de Ernest Gold… Peckinpah en su salsa (rojo sangre, claro).

Una fascinante pesadilla llena de horror, acre ironía sin humor, muerte, desolación… El material del que está hecha la guerra. Una gran película, sin duda.

La película que abrió definitivamente las puertas del Hollywood más glamouroso a un muchacho muy prometedor llamado Francis Ford Coppola, que se había hecho un poco famoso por un producto producido por su maestro Roger Corman llamado “Dementia 13”. En calidad de guionista, Coppola realizó “junto” a Edmund H.North (véase “Sabías qué…”) uno de los mejores biopics de la historia: la vida del controvertido general George Patton, que gustó por igual a la América más progre por su retrato del general como ser humano cruel, déspota sanguinario, chiflado egocéntrico y grandísimo sinvergüenza por decirlo de manera suave (el crítico de cine de la principal voz de la izquierda americana de la época, el “Village Voice”, alabó el tono neutral de la peli y la sublime actuación de George C. Scott) como a la más ultra por su *otro* retrato como valiente militar, extraordinario estratega, poeta aficionado y soñador, y, además, WASC (con C de “Católico”) de primera clase (fue película de cabecera del nefasto Richard Nixon. Oliver Stone tiene una curiosa teoría sobre este tema). Coppola y North eligieron la vía más difícil: “O les gustará a todos o no le gustará a nadie” y acertaron de lleno.

La película es épica a nivel artístico y una belleza a nivel técnico: Aunque Karl Malden es un actorazo, su actuación se ve ensombrecida por tener que interpretar al asesor militar de la película Omar N. Bradley (un personaje astuto y un poco oscuro que tuvo una ambigua relación con España. Leed más abajo), y es un poco pelotilla con el individuo en cuestión. Es George C. Scott quien con una poderosísima actuación es el principal activo de la película. Todo parece ser una continuación del monólogo inicial: el actor llena la pantalla con una brillantez cegadora y una actuación perfecta que complementa la neutralidad exigida por el guion. Él es “Patton”. Y por ello se llevó el Oscar (que no quiso aceptar). Entre los secundarios, destacar a Michael Bates, famoso entre los guastamos de la ci-fi por ser el histérico funcionario de prisiones de “La Naranja mecánica” como un general Montgomery tan presuntuoso como el mismo Patton y a los intérpretes alemanes – todos ellos estrellas en la RFA -, más que correctos como militares profesionales que viven al margen del III Reich (Rommel y su comandilla).

Pero un solista no es un solista si no lo acompaña un buen director de orquesta que se haga cargo de llevar todos los intérpretes a buen puerto. Aquí entra el excelso trabajo de director de Francis J. Schaffner, que venía de dirigir “El planeta de los simios”. Tras enfrentarse a ese desafío y llevarlo a buen puerto era casi seguro que lo conseguiría con este. Un Oscar a la mejor dirección fue su merecida recompensa.

La fotografía y los decorados son impresionantes, abrumadores. La oscarizada dirección artística es impecable, contrastando la crudeza del campo de batalla (espectaculares FX) con la belleza de la mayor parte de los decorados. La banda sonora de Jerry Goldsmith es memorable. Solo es condenable el supuesto (casi hecho según rumores) de que se mataran animales, pero, qué queréis. Se rodó en España, ya sabéis por donde nos pasamos los derechos animales por estos lares.

De alguna manera, se dice que esta película representó un puente entre el viejo Hollywood de las superproducciones épicas (Ben-Hur, Lawrence de Arabia, Cleopatra, Doctor Zhivago…) y el nuevo Hollywood, más libre, duro y cercano a la realidad. No les quitaría la razón. Como biopic, es el mejor que recuerdo haber visto; como película bélica es excelente, pero creo que es inferior incluso a otra peli del mismo año: la paródica “M*A*S*H” de Robert Altman y a muchas posteriores, como “La Cruz de Hierro”, “Apocalypse Now”, “La chaqueta metálica” o “Platoon”.

“Está loco. Dibujar muñecos le ha hecho perder la cabeza”.

Eso o algo parecido decían en Hollywood cuando Walt Disney anunció la producción del primer largometraje animado de la historia del cine americano (en Argentina y Alemania ya se habían realizado algunos). Sin embargo, “el Viejo Walt” ignoró todas las críticas y burlas, sacando adelante su idea. Y los resultados fueron óptimos. El American Film Institute la califica de mejor película de animación de la historia, está conservada como patrimonio cinematográfico en la Library of Congress (de hecho fue la primera en ganar este honor) y suele frecuentar las listas de los 100 mejores filmes de la historia.

Solo hay que echar una ojeada a los créditos para ver que se trabajó con lo mejor: Está Maurice Noble, sempiterno dibujante de fondos de los Looney Toons; Cy Young, considerado el mayor maestro de la animación de la época; Wolfgang Reitherman; Fred Moore; Vladimir Tytla...

El dibujo marcó estilo. Era la primera película Disney y en consecuencia, casi todo el cine de animación mundial se lo debe todo a esta (en el caso japonés, más bien es Bambi y el trabajo de los Fleischer en Paramount los que marcaron tendencia, aunque aquí ya empezamos a apreciar diseños similares a los de la peli del valiente ciervo): los diseños son atractivos, mezclando el realismo (con la Madrastra que tanto fascinó a Woody Allen y millones más de espectadores como exponente) con la caricatura, representada por los enanos - entre los que está el que algunos consideran no sin razón el verdadero protagonista de la película por obra y gracia del guion: el enano Cascarrabias, único personaje que evoluciona según avanza la acción, lo que quizá lo hace el más humano de la película - y los animales, y los fondos son un placer para la vista. El colorido está elegido con habilidad, para remarcar la atmósfera de cada escena, y la animación es muy suave teniendo en cuenta que solo se utilizó rotoscopia en los principales personajes humanos. Los movimientos de enanos, animales y espejo son suaves y no contrastan con los rotoscopeados (o como se llame). Incluso el movimiento de los labios rezuma verosimilitud.

La banda sonora es muy buena, con canciones que han llegado a clásicos, interpretadas por unos vozarrones tremendos (los cantantes Adriana Caselotti y Dean Stockwell). Relacionado con esto, los enanos fueron doblados por veteranos humoristas, lo que garantiza el toque de humor, pero la estrella, deliberadamente escogida por Disney, es la veterana actriz de carácter Lucille La Verne como la madrastra y la bruja (de quien también fue modelo físico). Está simplemente impresionante, añadiendo al mito del personaje, que se encuentra en el número 10 del top 100 de villanos de Hollywood. Caselotti tiene buenos momentos como Blancanieves (incluso hace imitaciones), pero siempre he pensado que era una cursi de cuidado (Blancanieves, no Miss Caselotti) y tiene cierta falta de empaque, algo hecho deliberadamente para que nos fijemos en los enanos y la madrastra, en quien Disney y su equipo se concentraron.

En la parte negativa, el personaje del Prínicipe tiene menos carisma que un príncipe de los de la vida real (suerte del vozarrón de Stockwell, padre, por cierto, de Dean Stockwell).

¿Qué otro western ofrece lo que este? Básicamente, muchos. Otra historia de bandidos “heroicos” con sus habituales escenas de camaradería. Pero si vamos más allá se abre todo un abismo: este es celebérrimo el ballet de sangre y ultraviolencia (una revolución en lo que a escenas de acción respecta) filmado con elegancia exquisita y cámara lenta, recreándose en los detalles y tocado con unas gotas de humor negro, cinismo y erotismo que nos ofreció Sam Peckimpah. Una (r)evolución, no solo en el western, sino en cine en general.

Las brutales – para la época -escenas de acción muchas veces dejan en segundo plano el impresionante reparto de la película y sus excelentes actuaciones: William Holden, Robert Ryan (magnífico en cada una de sus apariciones, despiadado y al mismo tiempo autocompasivo, traicionando a los que muy en el fondo quizá aún considera sus amigos por no tener que pasar otro infierno ), el reciente y lamentablemente fallecido recientemente Ernest Borgnine, Warren Oates, Edmond O’Brien, Strother Martin y “last but not least” el mexicano Emilio Fernández, considerado por no pocos como la personalidad más importante de la historia del cine mexicano por delante de monstruos como Cantinflas o René Cardona: gran actor, director, productor y guionista … Y en sus años mozos el tipo que posó desnudo y con una espada como modelo para la estatuilla de los Oscar.

A parte de la maravillosa fotografía y excelente montaje (que es en lo que pivota esta producción y radica su éxito), la excitante música de Jerry Fielding y el hábil uso del sonido hacen que la atención del espectador no decaiga en ningún momento.

Sin duda, a nivel técnico y artístico, uno de los mejores westerns de la historia.

Oh, por Tutatis, ¿por qué intentásteis americanizar a Astérix? ¿ Por qué se metió ahí la Fox?¿Cómo una película tan impecablemente realizada es tan mala con lo genial que era el gag CGI de apertura? ¿Cómo una película con una canción hiperpegadiza de uno de los mejores compositores de pop cinematrográfico del mundo, Eric Faltermeyer?¿Cómo una peli de dibujos de Astérix puede ser considerada netamente inferior a las de acción real?

Pasad de ella como sea y limitaos a escuchar ¨We Are One People¨ si os gusta la mítica ¨Axel F¨.

Co-producción franco-alemana con la que se quiso combinar el cachondeo padre de ¨Las doce puebas¨ con el ambiente oscuro de ¨La sorpresa del César¨, combinando ¨El combate de los jefes¨ con ¨El adivino¨. Mucho más divertida que dos sus predecesoras, la cuento como la tercera en dicordia de los dos galos.

No está tan bien realizada como éstas, pero Astérix, Obélix y compañía entraron con fuerza en los años 90 con un producto entretenido que creo que merece mayor valoració por parte de los fans.

Suguendo la estela de la anterior película, ésta se parece tanto a ¨La sopresa del César¨ que parece una secuela directa (la canción de inicio es la misma pegadiza melodía techno-pop de ¨La sorpresa del César¨ pero cantada al estilo ¨Swinging Sixties¨ y en inglés). A diferencia de ésta tiene más humor y es muy fiel al cómic original. La película que lo es más, de hecho.

Muy divertida.

Aventura casi crepusular de los dos galos, con sus buenos momentos pero que resulta demasiado seria en muchos momentos para su propio bien. Combinando ¨Astérix Gladiador¨ con ¨Astérix Legionario¨, nos ofrece una cara casi inédita de Obélix¡: el Obélix serio y determinado que a veces asoma por los cómics originales.

La batalla del inicio, cachondeo padre en las otras películas, se presenta con seriedad con un sol de media tarde y unos galos con auténtica sed de venganza y ganas de violencia. Escenas como la de Astérix en peligro durante una inundación, las humillaciones sufridas por el pobre Tragicómix (haciendo honor a su nombre) y el intento de violación de Falbalá por parte de un centurión son muestras de este tono más serio.

Solo las escenas protagonizadas por la pareja de centuriones y su desmandada tropa internacional son francamente cómicas.

Buena y original, pero un poco desviada de lo que debería ser: una comedua desmadrada.

Si tuviera que escoger una de las más perfectas perfectas adaptaciones del espíritu de cómic a los dibujos animados, elegiría una de las obras maestras de la animación europea: esta.

Con guion oríginal de Goscinny y Uderzo y co-dirigida por el primero con sus propios estudios, los Idéfix, es un juego constante con el lector avezado de Astérix, lleno de referencias a las convenciones sociales de Francia y al mundo del cómic y la animación con un humor absolutamente surrealista y un protagonismo muy equilibrado entre Astrérix y Obélix. Lejos queda ese Astérix ¨Gary Stu¨ de la primera peli

Se usan un montón de técnicas de animación (la cueva de la Bestia, con ínfulas de peli de tebeo de Metal Hurland y la Casa que vulve loco, una parodia de los burócratas en una Ínsula imposible por su altura de más de 20 pisos y el cameo del Pato Donald por encima de todos). El resto es un cahondeo constante: nada escapa a la mirada socarrona de los dos artistas (ni tan siquiera un par de casi impercetibles ¨codazos¨ eróticos muy light).

Los Estudios Idéfix hicieron un medio remake de esta peli con Lucky Luke: ¨La balada de los Dalton¨: como pasa con Doraemon y los mangas del dúo Fujio F- Fujiko), siguiendo el mismo esquema se logra hacer algo divertido. A veces la originalidad no lo es todo.

Bajo la batuta de Uderzo y Goscinny, que se implicaron tremendamente en la película, nos encontramos una adaptación cinematográfica que aprovecha las posibilidades del medio para hacer meta-humor y añadirle unos deliciosos toques de surrealismo
animado que hacen notar el paso de Goscinny por la editorial EC de Nueva York y las influencias de sus amigos Harvey Kurtzman y Jack Davis con el humor de la revista MAD, donde trabajó un tiempo.

En mi opinión supera largamente al cómic, y el ¨making-of¨ de los créditos iniciales es la oca.

Flojísima primera adaptación del personaje de Astérix al medio animado, basada muy fielmente en el primer volúmen de la colección, a su vez uno se los más flojos de la colección (tras Astérix en Bélgica, para mí el peor de los guinozados por Goscinny) por la práctica ausencia del imprescindible Obélix pero con una técnica de animación bastante limitada (lógico si tenemos en cuenta que la película estaba pensada para ser emitida por televisión y no pasó a ser estrenada en cine casi hasta última hora) y tiene muy poco del espíritu aventuraro de los cómics. Para ser claro: de todos los álbumes de la colección, fueron a elegir el más simple y fácil de adaptar, y ello se nota.

Algunos personajes se pasan la película llorando, y tienen una expresividad muy limitada. Astérix se muestra aquí particularmente antipático (lo que le hace al pobre tipo del carro no tiene nombre) y solo el personaje de Panoramix muestra cierta dignidad. Encima, hay un par de horrendos números músicales.

Afortunadamente, el éxito de esta mediocre-tirando a mala película llevaría a una serie de pelis aún en curso la mayoría de las cuales son muy buenas.

Blake Edwards y su esposa Julie Andrews se convirtieron en un tándem casi infalible en el mundo de la comedia a inicios de los 80. Dispuesta a quitarse de encima las imágenes indelebles de Mary Poppins y de la hermana María, interpretó magistralmente un conjunto de alocadas comedias con Edwards. Esta es la mejor del lote, un remake de una comedia alemana de 1933: una amable e ingeniosa comedia de enredo – el guion adaptado del propio Edwards fue nominado al Oscar - sobre travestis, homosexuales, transformistas y cabaret donde no faltan los divinos gorgoritos de la Andrews y su talento innato para la comedia. Su fantástica actuación le reportó otra nominación al Oscar como mejor actriz principal.

Además está acompañada de un brillante elenco de secundarios: brillantes cómicos todos ellos. James Garner, Robert Preston, Lesley Ann Warren (ambos nominados a sendos Oscars como mejores secundarios), o John Rhys Davies. Preston está brillante, pero quien se lleva la palma es una tronchante Lesley Ann Warren teñida de rubio platino que roba TODAS sus escenas en la película con una actuación histérica, divertida, con una gestualidad exagerada que la convierte en una especie de Jerry Lewis femenino.

El excelente vestuario y los magníficos interiores art deco y de barrio canalla parisense (de hecho toda la película está rodada en interiores, lo que se llevó la mayor parte del presupuesto), donde se hace un gran uso del color, redondean un conjunto excelente que situa a “Victor o Victoria” entre las grandes comedias de los 80 y uno de los mejores musicales contemporáneos. Claro que no es para menos con la oscarizada banda sonora del mítico Henry Mancini, llena de agradables y divertidas canciones swing.

La ví una noche de casualidad y juro que nunca me había divertido tanto con una película. Es diversión pura, de inicio a fin, un carrusel de masacre y aniquilación tan malo y casposo que es genial. Literalmente, algunas escenas me hicieron saltar del sofá del subidón de arenalina que llevaba: estaba disfrutando como nunca lo habíe hecho ante un televisor.

Es una payasada, los diálogos son de risa (con varias frases para el recuerdo del mundillo friki), la ¨ambientacón de barrio bajo neoyorquino¨ más falsa que una moneda de 3 euros, el mensaje (?) es fascistoide, las interpretaciones, histéricas (Gavan O¨Herlihy y su maldad comiquera son inolvidables). Pero debo ponerle un 10. Es injusto, lo sé, pero tened en cuenta que aún a día de hoy la considero la película más divertida que he visto en mi vida, junto a ¨Perseguido¨ y ¨Sopa de ganso¨ (esta es de 10 en serio). La he visto cuatro veces, y así como Ingmar Bergaman veía ¨La criatura de la laguna negra¨ cada año por su cumpleaños, yo haria lo mismo con esta. Lo siento, pero es mi mayor debilidad cinematográfica, mi bodrio favorito.

Aquí seré breve: es una de las mejores pelis de acción de la historia, con un reparto increíble, buenas actuaciones, impecable aspecto técnico, acción por un tubo, excelente banda sonora de John Williams... Que tiene defectos? Claro que los tiene: hay tres o cuatro de muertes que resultan bastante gratuitas, orientadas a aumentar el drama, pero al fin y al cabo se trataba de eso: es una tragicomedia de acción.

Creo que a nivel de espectacularidad fue lo más grande que se vio en una pantalla hasta el nacimiento de la saga Star Wars.

Una de mis favoritas de la saga precisamente por que intentaron hacerla distinta a las demás cuando la fórmula parecía agotada (craso error)... Y porque este estilo de cine de acción espectacular y subidón de adrenalina fácil es una debilidad personal mía.

Las películas de Bond a partir de 1973 se iban ajustando a la moda del momento: en 1973, Vive y Deja Morir entró a saco en la categoría blaxplotation, en 1974 El Hombre de la Pistola de Oro fue una de artes marciales, en 1979 se marcaron una space opera que de tan mala es buena, Moonraker...Aquí se intentó seguir la senda de las películas de la Cannon y de los productos de acción¨ machota¨ y violenta como La Jungla de Cristal, y en este aspecto les salió bien, solo que al jugársela con un estilo tan distinto les salió algo que no parecía una peli de James Bond. Y al tener que competir con Indiana Jones y La Última Cruzada y con La Jungla de Cristal 2, pues tenía las de perder. La llegada de Pierce Brosnan recuperó la fórmula y la actualizó, pero dentro de lo que cabe, esta película es entretenida, y en los últimos años está siendo muy reivindicada por la fanbase de Bond, especialemente por el sector más joven.