Méliès sigue haciendo exitosas pruebas con la exposición múlitple, creándose siete clones que aparecen y desaparecen limpiamente y se ponen a tocar música.

Depués hace una serie de trucos de cámara y escenario más bien discretos.

De nuevo una película absolutamente innovadora y que puede seguir sorprendiendo al espedctador que intente ver ese espectáculo con ojos del S.XIX.

Méliés se atreve a ilustrar uno de los casos más tristes e infames de la historia militar de Francia: el injusto arresto y juicio a Alfred Dreyfus.

Fue su proyecto más ambicioso y épico hasta la época, y mostró que su genio cienematográfico iba más allá de los trucos: la película es de género documental y tiene una duración que en su época era tremenda: 13 minutos. Y todo sin esos trucos de cámara y FX. Tan solo mostrando su habilidad para narrar una historia cruda e incluso violenta con convicción, con realismo y con su sello (véase ¨opinión¨) personal sobre el asunto, Méliès se apuntó otro exitazo y de paso creó una brutal polémica sobre su persona con su postura favorable a Dreyfus (la inmensa mayoría de católico practicantes como Méliès eran anti-Dreyfusistas).

Destaca la gran variedad de escenarios y la coherencia interna de la historia. Era muy difícil representar un caso tan polémico con exactitud. Además incluye una novedad: la acción no es ¨plana¨: los intérpretes se acercan y se alejan de la cámara como si ésta fuera un espectador más; un factor poco visto entonces en el cine de ficción (¿quién no ha visto en documentales de la época al típico señor que pasa al lado del cámara saludando cortésmente con el sombrero?) y que le da más viso documental a la peli.

No es ni será una de mis favoritas de Méliès, pero a nivel artístico es una de sus obras cumbres.

Canela fina, oigan: en un convento aparece un trasgo para hacer el gamberro - ¡El tío sale de la pila baptismal! - se hace pasar por prior, espanta a unas pobres monjas y convierte el lugar en un templo dedicado al culto de Satanás. Eso sí, todo en tono de comedia desenfadada y con un final bastante chulo.

Otra película de tema religioso, más imaginativa, movida y entretenida que la San Antonio aunque al contrario que ésta la acción sí que está supeditada a los FX.

Adaptación del cuento popular recogido por los hermanos Grimm y Perrault entre otros autores. Se estrenó al parecer coloreada (los primeros segundos de película lo están). Sigue lo esencial de la historia (según he podido ver, de la versión Perrault) pero le añade unas visiones de pesadilla que Cenicienta tiene sobre el tiempo que seguro influeciarian mucho en las oníricas pesadillas que la factoría Disney imaginó en ¨Dumbo¨ o ¨Fantasía¨ y unas espectaculares secuencias finales, para las cuales Méliès ya se rascaba el bolsillo para contratar a las bailarinas de los mejores cabarets de París, elemento que acabó siendo marca de la casa del cineasta.

Cogiendo como base su corto de 1896 ¨Le cauchemar¨ (¿Inventó Méliès el remake?) y multiplicando el tiempo (este corto dura 3 minutos) y los FX en cantidad y calidad, Méliès crea otro de sus grandes clásicos. Se nota un mayor cuidado en la producción: fondos más elaborados, uso cada vez más creativo del stop-motion y la doble exposición, vestuario más rico...

La marioneta que representa la luna malvada debió asustar mucho a los espectadores: a mí me impresiona hoy día: ¨eso¨ lo menos hacía tres metros. Pero Méliès siempre se superaba a si mismo; era una constante. Y eso es tan solo el principio.

Otra de las obras más importantes de Méliès, en que juega con las transparencias y la cuádruple exposición creándose trea cabezas clónicas. Hoy día resulta impresionante que Méliès lograra mejores resultados en exactamente los mismos FX que muchas producciones ci-fi de los años 50. Pero lo lograba. Y estamos en 1898.

Méliès nos muestra que sus trucajes pueden aplicarse de forma didáctica formando este cuadro religioso donde Lucifer tienta a San Antonio para que ceda al placer carnal (atreviéndose con actividades cantidá de blasfemas) hasta que la aparición de un ángel salva el día y el alma del santo varón.

Este es uno de los pocos cortos con FX de Méliès donde dichos FX se supeditan al argumento, en lugar de ser el argumento el que se supedita a los FX. Se sea religioso o no, se debe reconocer que, de nuevo, Méliès se reinventó. Menudo máquina.

Méliès nos deleita esta vez con un espectáculo en color. Siempre dispuesto a sorprender a los espectadores, el prestidigitador se lanzó a lo bestia haciendo colorear sus fotogramas por un grupo de dedicadas coloristas. El trabajo de estas mujeres representó un paso adelante en el mundo del cine: aunque fuera meramente ilusorio, como el 3D en los 50 y ahora, se podían ver pelis en color.

Esta en concreto es una pieza breve y que va al grano. No por ello es menos divertida.

Mélies utiliza de nuevo los rudimentos del stop-motion para ofrecernos la simulación de un número de magia. En aquel momento debió impiactar lo suyo ver a una mujer ¨desaparecer¨ sin trucos de escena, sino con trucos fotográficos. Y además Méliès nos gasta alguna de sus bromitas macabras, que siempre son bastante graciosas.

Avuenturilla tipo ¨Little Nemo¨ protagonizada por el propio Méliès que se avanza un par de años a la idea de ¨La luna a un metro¨. Todos los personajes son muy graciosos y la sensación de amenaza [de que un tipo pintado como Al Jolson te pueda pegar en el culete con un banjo] es elevada.

Bromas a parte, Méliès, a parte del clasico truco de las desapariciones introduce algo nuevo en la acción: una marioneta bastante grande.

Esta es realmente la primera peli de terror de la historia. Un dramático enfrentamiento entre un valiente (¿?) caballero y las fuerzas de Lucifer. Aunque nada estaba más lejos de la mente de Méliès que asustar a la gente, realmente, el agresivo aquelarre de brujas está muy logrado y sus constantes cambios de armamento y aspavientos de espectáculo de variedades devieron acojonar a más de uno. Méliès es un buen Diablo para esos tiempos. Se nota su experiencia en los escenarios de las ¨revues¨ parisenses.

Merece el 10 por su enorme originalidad y por fundar un género.

Algunos califican este corto dirigido y protagonizado por Méliès como la primera película de terror. Ciertamente, a mí me parece más bien una comedia, y bastante divertida por cierto (¿Podemos, pues, decir que es la primera comedia de terror?). Aquí tenemos a un Méliès primitivo; quizá aún más ilusionista que cineasta mostrando sus trucos de desaparición y de objetos que se mueven solos. Ciertamente, en su época debió ser impactante, pero si tenemos en cuenta la rapidez con que evolucionó Méliès, no se cuenta entre sus obras maestras.

Obra maestra de la animación mundial que introdujo muchas novedades en el género: fueron los primeros dibujos pensados más en clave de acción que de comedia, eran muy fieles al espíritu del cómic, y, sobretodo, estaban calculados hasta el último detalle: se filmaba cada episodio con actores reales para tener referencias y aplicar después el método rotoscopico de Dave Fleischer: el resultado, una serie adelantada a su tiempo, con una animación suave y realista y una ambientación brillante (aunque flojeó en cuando se convirtió en propaganda bélica, llegando al ridículo). Y está en dominio público, así que vale la pena verla a poco que os gusten los dibus.

Siempre me parto de risa con este antepasado de lo que ahora los muy freaks llamamos ¨Youtube Poop¨. Imágenes en principio sin relación alguna una con la otra combinadas con sonidos que a veces no vienen a cuento (se trata de eso, de pillarnos por sorpresa). Aquí le añaden un narrador que suelta algún que otro chiste afortunado.

Es muy entretenido.

El mejor videoclip de todos los tiempos, dirigido por un John Landis en la cúspide, un Michael Jackson aún normal, cuendo era aquel gran cantante y bailarín lleno de gracia y de talento, un ballet excelente y un magnífico maquillaje de Rick Baker.

Deprime un poco ver lo que fue Michael Jackson bajo la sabia batuta de Quincy Jones y en lo que acabó siendo: algo que se sale de toda calificación negativa.

La época con los Jacksons, Off The Wall, Thriller, Bad. No necesitáis nada más para ver la parte buena (qué digo buena: excelente) del mito caído.

Con pocos efectos pero imaginativo argumento, de Chomón, bajo su propia productora, realiza un film con andaluces estereotipados, gitanos aún más esterotipados, experimentos genéticos, fantasmas y otras lindezas en su película más freak.

Segundo de Chomón se despidió de su etapa en Francia con esta genialidad donde encontramos todo tipo de efectos, desde alimañas saliendo de comida (rollo Indiana Jones y El Templo Maldito) hasta sombras animadas, pasando por muñecones y stop motion. Es notable la evolución desde ¨Ah! La Barbe¨ hasta aquí en solo 4 años. La etapa en Pathé de Chomón fue admirable, y lo siguió siendo de vuelta a Barcelona y en Italia.

Don Segundo se marca un homenaje a H.G. Wells y se adelanta en 24 años a John P. Fulton creando unos efectos de invisibilidad impresionantes para la época. El resto se logra mediante alambres, transparencias y stop-motion. Una propuesta meritoria e interesante.

Primera película de Segundo de Chomón (queda graciosilla la frase) donde hay intertítulos y los efectos se supeditan a la acción, y no viceversa.
Pulgarcito es interpretado por un chaval bajito (de hecho, uno de los hermanos es aún más retaco), pero es un tipo tan duro y cabroncete como el del cuento original. Es el jefe de los hermanos, y, claro, se enfrenta al ogro, cuyo tamaño de oso grizzly es logrado con la perspectiva forzada (su mujer, la ogra, es ¨normal¨), aunque falla cuando se acerca a su mujer o a los zagales.
Los mejores momentos son el robo de las botas de siete leguas (con unos grandes pies de mentira, pero que resultan más realistas que por ejemplo la ¨sensual¨ mano de Allison Hayes en ¨El ataque de la mujer de 50 pies¨) y la consiguente huída, mediante transparencias.

El gran defecto, el final: ¨Los Niños vuelven a casa¨: cuando llega el primero, se acaba la peli de golpe y porrazo (habrá más escenas que no se han podido conservar?).

Estamos ante uno de los grandes clásicos de los primeros tiempos del cine fantástico. Con un uso magistral del stop-motion, Segundo de Chomón realiza su película más famosa, una historieta en un hotel mágico donde la electricidad hace que cualquier objeto se mueva solo.

Aún sorprende que en 1908 se pudiera hacer stop-motion con tanta maestría. Aquí fue cuando el cineasta turolense sentó cátedra y logró la fama. Las risas están aseguradas, aunque sea solo por ver las cosas moviéndose solas de manera medio espasmódica; el mérito cinematográfico es enorme.

Una peli de 10.

Impresionante comedia de terror del gran de Chomón, con montones de FX de la época como animaciones, transparencias, stop-motion o exposición múltiple. Contiene una escena que es todo un precedente de la ya mítica ¨El Hotel Eléctrico¨ en que una longaniza se corta sola.

Sencilla comedia de mamporros con tintes fantásticos que nos ofrece algunos de los trucajes de Segundo de Chomón, como las desapariciones y las exposiciones múltiples. Chomón cada vez se acercaba más a Meliès, incluso en el uso del coloreado.

El relativamente olvidado cineasta turolense Segundo de Chomón, el único mago conocido de los FX epocales que podía competir con Méliès (junto a Ferdinand Zecca y sus trucajes fotográficos) nos ofrece su versión de un viaje espacial lleno de la magia de la época y con la entrañable ingenuidad del momento. El único ¨pero¨ es que muchas veces de Chomón copiaba descaradamente a Méliès - y aquí tenemos un caso claro de ello - pero con el tiempo encontró su propia identidad en pelis como ¨El Hotel Eléctrico¨ (también dirigida por él), ¨Cabiria¨ o ¨Maciste All¨Inferno¨.

Una joyita.

Tiene que ser un 10. Esta fue la primera gran obra maestra de la historia del cine y la que dio origen a los géneros de fantasía y ciencia ficción. Y además es enormemente graciosa.

Película que este año 2010 cumple su centenario. Destacan el maquillaje, la creación alquímica del monstruo y el mensaje final. Muy interesante.