Segunda parte de la película Noruega ¨La Ola¨.
Tres años después que ocurriera aquel incidente, y ya la familia separada y devastada por este hecho, se mudan a øslo.
Sin embargo, Kristian, comienza a decubrir que lejos de los tsunamis de vivir al lado del mar, esta vez el peligro es un gigantesco terremoto que amenaza con gestarse y transformarse en catástrofe.
Todo está contra el tiempo, incluso la incredulidad de todos, quienes (obviamente) piensan que el geólogo es un alarmista.
Así, con un muy lento arranque que une ambas películas, se va medio filme sin que nada ocurra. Hasta que llega el momento.
Lo aburrido es que la película dura casi dos horas y la acción llega después de una hora de película. Dos minutos de un correcto terremoto, con animaciones bastante logradas, y de ahí cambia el giro al survival.
Los personajes son un poco insulsos, poco compromiso con el espectador, que quedará con un sabor a ¨Deja vú¨, ya que todas las escenas del rescate del terremoto se han visto anteriormente, es una lástima que termine siendo la película de desastres más típica de todas, solo se diferencia de las demás, por ese frío aire noruego en la actuación.
La profecía va a cumplirse. Los astros se han alineado. El Diablo va a ser despertado, comenzando así una nueva era de oscuridad que nadie podrá impedir...
De este modo, entre tinieblas, demonios y fuerzas maléficas, el sr. Carpenter nos trae la segunda entrega de su Trilogía del Apocalipsis, que completan ¨La Cosa¨ y ¨En la Boca del Miedo¨.
Una confesión escrita por un sacerdote guardián es descubierta por otro de la misma diócesis; ésta desvela un horrible secreto que ya no puede permanecer más tiempo oculto, y junto a él una misteriosa llave la cual abre una habitación en el interior de una iglesia abandonada de Los Ángeles. Como para el sacerdote es mejor obtener pruebas científicas que hacer conjeturas pide al profesor de física Birack que le ayude a descifrar un viejo libro donde supuestamente hay grabados mensajes sobre el Apocalipsis y que estudie el extraño líquido verde que contiene una urna guardada dentro de la habitación de la iglesia.
Lo que hay en esa urna es la pura esencia del Mal, el espíritu de Satán, y su propósito es servir de prisión; los alumnos de Birack tendrán que estudiarla, y todo marcha sin problemas hasta que empiezan a ocurrir hechos muy extraños. Todos se acabarán quedando encerrados en el lugar, a la espera de que el Maligno vuelva desde su recóndito plano de existencia, sino hacen lo posible por impedirlo, claro está, lo que significará enfrentarse a fuerzas desconocidas y terroríficas.
No había salido muy bien parado John Carpenter de su encontronazo con la taquilla cuando su majadería de aventuras, magia y fantasmas ¨Golpe en la Pequeña China¨ fracasara estrepitosamente, aunque él siempre se ha mostrado orgulloso de haberla dirigido, y hoy por hoy permanece como una joyita de culto del género. Esos malos resultados al intentar realizar cine comercial hicieron que el director optara por regresar a los cómodos y más seguros terrenos que el cine independiente siempre le había deparado.
Tras cinco años alejado del terror (¿se puede considerar ¨Christine¨ una película de terror?...hay quienes piensan que sí), con el que tan bien se manejaba a finales de los 70 y principios de los 80, Carpenter se aventuró a mezclar el género con la física, la religión y las teorías científicas, firmando el guión como Martin Quatermass, dando así a entender que se influenciaba de Nigel Kneale, creador de la serie de televisión ¨El Experimento del Dr. Quatermass¨, que contó con varias adaptaciones cinematográficas y que guarda varios aspectos en común con ¨El Príncipe de las Tinieblas¨.
Lo más interesante de este film, como decíamos antes, es que a Carpenter le da por juntar ese terror de regusto a serie ¨B¨ que tan bien sabe hacer con teorías metafísicas, antimateria y todo ese rollo científico el cual queda enfrentado a supersticiones de ámbito religioso y al mundo de los sueños y las predicciones; asimismo, el hombre continúa con algunos temas recurrentes de su cine, como es el fin del Mundo (que manía tiene con eso), la amenaza alienígena y su obsesión por las fuerzas ocultas, esas que permanecen enterradas sin que sepamos de su existencia y que fácilmente podrían revelarse para destruirnos.
La intención del director y la premisa estaban bien pensadas, eso hay que reconocerlo, pero sin duda fallan tal y cómo él quiere contarlo, pues el aspecto serio y verdaderamente terrorífico de la historia queda como en segundo plano, disfrazado de película de terror al uso de los 80, incluso muy manida, diría yo, y poco ayudan algunos diálogos que abusan del humor llegando a rozar lo ridículo y el sinsentido. Al fin y al cabo, ¨El Príncipe de las Tinieblas¨ es puro Carpenter, con sus cosas buenas y malas; se encuentran similitudes con ¨La Niebla¨, ¨Asalto a la Comisaría del Distrito 13¨ o ¨La Cosa2, aunque su narrativa se ve influenciada por Lovecraft y Stephen King y el estilo visual recuerda al terror italiano que practicaban por la misma época Fulci, Argento o Bava.
Repiten con el director el carismático Victor Wong como el profesor Birack y el repelente de Dennis Dun, que añade la nota cómica...aunque de cómica nada de nada, ¿eh? (¿por qué siempre tenía que ser un chino el que hiciera las gracias?). De Jameson Parker, Lisa Blount o Peter Jason no es que se pueda decir mucho, pero creo que están correctos; Jessie L. Ferguson y el genial Donald Pleasance son los mejores con diferencia, aunque el plantel no es una de las mejores virtudes del film. El mítico Alice Cooper sale de secundario como uno de los mendigos chiflados que amenazan la iglesia.
Entretenimiento asegurado para los fans del cine de terror de serie ¨B¨ de los 80 y del director, no obstante, éste tendría que habérselo tomado más en serio y haber hecho una película de miedo de verdad (bueno, cuando me la vi por primera vez me pasmé vivo, lo reconozco). Su mejor baza es su poder visual; a eso no hay quien gane a Carpenter.
Una vez más, y para no variar, Emmerich se empeña en querer destruir el planeta entero, y nada menos que en el Día de la Independencia, pero los protagonistas son americanos, así que, ¿de verdad creéis que los alienígenas se van a salir con la suya?
De niño me quedaba petrificado cuando veía la inmensa nave de los invasores situarse sobre Los Ángeles...el corazón en un puño, de verdad. Ahí se queda, en la nostalgia, el aprecio ahora inexistente que le tenía a ¨Independence Day¨, uno de los mayores éxitos hollywoodienses de los años 90, tan estúpido y previsible como espectacular, y que acabó recaudando diez veces su presupuesto en taquilla. Seguramente Emmerich ya sabía que iba a estrenar un bombazo cuando, tras su paso por Europa presentando ¨Stargate¨, empezó a pensar en ello a causa de la impertinente pregunta de un periodista (¨¿por qué hace películas sobre extraterrestres si no cree en éstos?¨) comentándoselo más tarde a su compañero Dean Devlin.
Según ambos, la idea de hacer un ataque masivo a escala mundial era su respuesta a aquellos films clásicos donde los extraterrestres siempre iban a lugares desiertos para empezar a invadir a la raza humana (se nota que en películas de ciencia-ficción no estaban muy puestos). El caso es que se fueron a Mexico y allí, entre tacos, arena y mucho tequila, dieron forma al guión que poco después estaría aprobado por los ejecutivos de la Fox.
Pues nada, que otra vez tenemos a visitantes con mala leche llegando del espacio...ninguna novedad. Y a los bichos no se les ocurre invadirnos en otro momento que el 2 de Julio, poco antes del Día de la Independencia. Varios personajes estarán presentes en esta batalla por la supervivencia de la Humanidad: el determinado presidente de los EE.UU. Whitmore, quien sólo intenta salvar a su patria de la manera más correcta; David, un experto en tecnología e informática que tiene la clave para destruir a los aliens; Steven, un piloto de la marina más chulo que un ocho que ni de coña permitirá que invadan su planeta; Russell, un ex-piloto de Vietnam que ahora se dedica a la fumigación y a beberse todo lo que pilla por delante...bueno, ¡y muchos más!
El 4 de Julio va a llegar, y antes de que los invasores consigan eliminarnos de la galaxia, nuestros amigos norteamericanos se encargarán de darles una buena paliza. Y no os preocupéis por toda la destrucción que se va a organizar, que los protagonistas van a seguir vivos hasta el final.
A ver...que yo recuerde: la nave se posa sobre el rascacielos, todos los habitantes de la ciudad miran como energúmenos a ver qué ocurre en lugar de correr, de repente un rayo hace añicos el edificio y comienza a disparar, creando una explosión que lo devora todo rápidamente. Pero, ¡ey!, a la guapa de Jasmine le da tiempo a salir del coche junto a su hijito, encontrar un sitio donde esconderse del peligro y salvarse por décimas de segundo mientras la ciudad es reducida a cenizas...¡pero si hasta el perro se salva! Esta escena tan mal planteada da una idea de lo que va a suceder durante todo el metraje.
Y es que a Emmerich no le van los argumentos complicados ni los diálogos inteligentes, y ninguna de esas cosas se hallan en ¨Independence Day¨, donde la idea no se sale de la clásica invasión alienígena, y sin ambigüedades: ellos son los malos, nosotros los buenos y les mataremos antes de que nos maten. Lo que pretende el director con la película es hacernos pasar un buen rato y punto, eso lo cojo, pero hay tres razones por las que no puedo disfrutarla como es debido: que sea tan sumamente simple y descerebrada, que el patriotismo se exacerbe hasta el tedio (¿cómo un alemán puede dárselas tanto de americano?) y que el factor ¨casualidad¨ predomine de principio a fin, siendo la escena anterior que he descrito un buen ejemplo de ello. Los únicos momentos que me gustan son los que se dan en el Área 51, quizá porque sugestionan la creencia de que ese centro secreto tan bien oculto por el Gobierno americano exista realmente.
Un reparto de caras conocidas ve su carisma demolido por los brutales efectos visuales, unas frases rocambolescas y por tener que encarnar a personajes tan estereotipados. Los correctos Jeff Goldblum, Judd Hirsch, Randy Quaid, Robert Loggia y Adam Baldwin se amoldan muy bien al guión, mientras que Will Smith saca a pasear su lado más chulesco y divertido y Bill Pullman se lo pasa en grande siendo el presidente, y con un discurso para insuflar valor a sus compatriotas de lo más mítico.
Un espectacular producto de consumo rápido lleno de clichés y perfecto para el verano (se estrenó el 2 de Julio, para más inri) que se haya en la cima de los ¨blockbusters¨, quedando entre los más grandes que se han realizado, así como entre las películas más tontas y disparatadas de la Historia del cine.
¿Quieren ver una buena película de ciencia-ficción sobre invasiones alienígenas?, pues vean ¨La Guerra de los Mundos¨. La de Haskin, no la de Spielberg, ¿eh?
En la década de los 70 se disponen algunos de los mayores ¨thrillers¨ de la Historia del celuloide. Es un hecho demostrable.
Yo, entusiasta del género, me he visto encandilado por joyas como ¨Harry, ¨el Sucio¨ ¨, ¨The French Connection¨, ¨La Huida¨ o ¨Domingo Negro¨, las cuales permanecen entre mis predilectas. Por méritos propios, ¨Marathon Man¨ es digna de hallarse en esa misma lista.
En New York, el hermano de Christian Szell, un conocido criminal de guerra nazi, muere en un espectacular accidente de tráfico. En París, un agente secreto del gobierno, Henry Levy, es atacado por asesinos a sueldo. En Paraguay, Szell, quien vive escondido como dentista dedicado al negocio de los diamantes, se prepara para ir a New York a retirar un valioso alijo que su hermano tenía guardado en el banco. Y en mitad de estos acontecimientos, aparentemente sin conexión, se halla el hermano de Henry, Thomas, hábil corredor y estudiante de universidad cuya meta es hacerse historiador como su padre, al que vio suicidarse siendo tan sólo un niño.
Henry, que ha regresado a EE.UU., actúa como correo para Szell, aunque este último sospecha que pueda querer robarle los diamantes, pero antes de que eso ocurra le asesinará, cosa que casi consigue; la fuerza de voluntad y la suerte le permitirán llegar, moribundo, hasta el apartamento de su hermano...¡craso error!, porque a partir de ese momento el dentista nazi también sospechará de Thomas, y le hará la vida imposible para averiguar si sabe algo sobre los diamantes. Quizá la clave la tenga la joven y atractiva Elsa, una chica de la que Thomas se ha enamorado y que parece estar relacionada con Szell.
Aunque luego renegara de haberla escrito, ¨Marathon Man¨ acabó convirtiéndose en la novela de más éxito de William Goldman, y es que poco después de publicarse ya era un best-seller; sin embargo, antes de ser puesta en circulación, Sidney Beckerman, productor de Paramount Pictures, instó a su compañero Robert Evans que la leyera, y tan encantado quedó con ella que inmediatamente le surgió la idea de hacer una película, contratando al mismo autor para concebir el guión, el cual, por cierto, difería bastante del texto original (puede que sea la razón por la que Goldman llegase a despreciar su novela).
De hecho, el final de la historia que acabó figurando para la película, retocado por el hábil y premiado guionista de ¨Chinatown¨, Robert Towne, acabó con Goldman declarando que le parecía una auténtica basura. Evans decidió traer para el proyecto al inglés John Schlesinger por su buen hacer en ¨Domingo, Maldito Domingo¨ y la alabada tanto por la crítica como por el público ¨Cowboy de Medianoche¨, su debut en tierras norteamericanas, donde ya colaboró con Dustin Hoffman; curioso fue que, rondando la cuarentena, éste interpretara a ¨Babe¨ Levy, un universitario y corredor muy activo (...el actor ya era mayor cuando hizo ¨El Graduado¨, pero aun así volvió a funcionar en un personaje joven).
A pesar de un comienzo tan extraño como extravagante, la película se revela como un inmenso, oscuro y melancólico ¨thriller¨, rodado con nervio y oficio por Schlesinger, el primero de muchos que realizaría. La historia se desarrolla en un ambiente de desencanto social donde la decadencia, la agitación, la inseguridad y la insatisfacción reinan por todas partes; el director usa este aspecto tan dramático para retratar bien el carácter de sus personajes, un recurrente de su estilo, centrándose en ellos para convertirles (sobre todo al protagonista) en seres humanos con los que poder identificarse, en lugar de en meros y manidos instrumentos de la trama.
Una trama, por otra parte, absorbente, de ritmo frenético, inesperadas sorpresas, poseedora de una capacidad sin igual para enganchar y poner en tensión al espectador y de un regusto de puro cine negro que remite a las mejores intrigas de Hitchcock o Preminger. Pero si se trata de simplificar basta decir que ¨Marathon Man¨ no es sino un ¨thriller¨ de los 70 con una colección de ingredientes ya ligados al género: espías, diamantes, agentes secretos, nazis, connotaciones políticas y sociales y hasta la ¨mata hari¨ extranjera...sí, un señor ¨thriller¨ de la época, musculoso, violento, atrevido, directo, lleno de suspense y acción, que no da un respiro, y contando, además, con un reparto memorable.
Hoffman deslumbrante, como de costumbre, en un papel en el que se metió a conciencia asumiendo una cantidad innumerable de riesgos para interpretarlo (agénciense el DVD y vean el ¨making off¨, que ahí se habla de eso en profundidad). Roy Scheider genial, dejando claro una vez más que lo suyo es ser un hombre de acción, mientras que William Devane se muestra tan solvente como siempre y el bellezón europeo Marthe Keller debuta de maravilla en el cine americano, eso sin saber una palabra de inglés y aprendiéndose el guión fonéticamente (¡!)...pero es el veterano Olivier quien se lleva las medallas.
Uno de los más grandes actores de su generación, el cual había estado décadas en el oficio, se hallaba en los 70 maltratado por la edad, un cáncer y una industria que le daba la espalda; Evans supo que era el idóneo para el papel, y el buen hombre, como no podía ser de otra forma, le echó valor, se mantuvo como un luchador y acabó brindando una magistral interpretación, una de las más inolvidables de su carrera, valiéndole una nominación al Oscar.
¨Marathon Man¨ fue un gran éxito de taquilla en la época, y hoy día no sólo permanece como una de las obras maestras de su director, sino como uno de los ¨thrillers¨ más brillantes jamás realizados.
Alberga, además, una escena ya mítica que se quedó entre las más desagradables vistas en el género: la tortura que Szell infringe a ¨Babe¨ con su instrumental de dentista. A mí me sigue dando escalofríos, de verdad.
Antes de que llegara el sr. Craven con ¨Scream¨, los Wayans con la disparatada ¨Scary Movie¨ o esa porquería de saga vampírica para adolescentes sin cerebro iniciada con ¨Crepúsculo¨, ya estaba Lamberto Bava parodiando el género de terror y el cine de vampiros con esta película, la tercera de las cuatro que fueron realizadas para la serie ¨Brivido Giallo¨, y quizá la mejor...que tampoco es decir mucho.
El argumento es bastante sencillo, o muy sencillo, diría yo, pero sin duda interesante: cuatro jóvenes aspirantes a actores (dos tías despampanantes, una tonta perdida y un papanatas que se cree muy gracioso) son convocados por un director de cine llamado Jurek, quien les ha invitado a cenar en su majestuoso y milenario castillo. El ambiente no es que sea de lo más confortable, sobre todo si tenemos en cuenta el servicio y las compañías que pululan por el lugar.
Tras ver una antigua y bastante mediocre película de terror de vampiros se presenta el hombre y le explica al cuarteto la situación. Resulta que Jurek no es humano, es un vampiro de verdad, pero ojo, uno muy peculiar, que ni le afectan los ajos ni las cruces y que hasta escucha música en un walkman mientras duerme en su ataúd; el caso es que ya no desea ser inmortal, con lo que la pandilla tiene el deber de matarle antes de que llegue el alba...pero claro, su instinto de vampiro no lo va a permitir, así que menuda aventura les espera a los chavales.
Pues nada, ahí seguía entregadísimo el sr. Bava en su tarea de realizar cuatro películas de terror, dos con enfoque serio y otras dos más cercanas a la comedia y a la parodia, para la cadena privada Reteitalia, junto al mítico guionista Dardano Sacchetti y los productores Massimo Manasse y Marco Grillo Spina. ¨El Ogro¨, ¨Efectos Sobrenaturales¨ y ¨Disturbios en el Cementerio¨ son las otras tres entregas de esta desafortunada saga con la que el que fuera director de clásicos como ¨Macabro¨ y ¨Demonios¨ iba perdiendo el poco prestigio que le quedaba encima.
La película es una tontería de padre muy señor mío, eso es verdad; el contar con un presupuesto muy limitado pues obviamente se nota en la pantalla, aunque, y eso es algo en lo que nunca ha fallado, los efectos especiales están muy bien conseguidos. Pero ya está, porque todo lo demás no se salva de la quema: los actores, intragables (salvo el protagonista), unos diálogos que no pueden ser más tontos, un final increíblemente confuso y decepcionante y clichés a manta...pero así como hay que decir muchas cosas en contra de ¨Cena con el Vampiro¨ (buf, me llevaría un día entero), también se pueden decir algunas en su favor.
Y es que esta película se diferencia de las otras de la serie por estar concebida en forma de parodia. Bava y Sacchetti, a partir de una historia de Luciano Martino, cogen y, sin ningún pudor, se ríen del cine de terror, y más concretamente del de vampiros, desvirtuándolo hasta lo ridículo y dejándolo en forma de sátira (Bava compara a los productores y ejecutivos de la industria del cine con vampiros...qué tío). Para el director los chupasangre no son como creemos, aunque respeten sus tradiciones saben vivir conforme el progreso, y las supersticiones de los ajos y las cruces, como he dicho antes, se las pasan por los cojones.
Aparte de dejar la figura del temible vampiro por los suelos y de comparar nuevamente realidad con ficción, hallamos los elementos típicos del cine de terror a merced de la parodia, como el castillo, cuyas habitaciones y salones son más propios de un moderno palacio árabe, las catacumbas llenas de telarañas, las mazmorras llenas de monstruos o la clásica maldición, y un buen puñado de guiños, como ese comienzo a lo ¨Indiana Jones¨, el estereotipado sirviente con capa y chepa que tantas veces hemos visto (menos mal que no se llama Igor) o la parodia al ¨Nosferatu¨ de Murnau que Bava realiza con ese viejo film en blanco y negro, aunque recuerda más a las producciones de la Hammer, aparte de otros títulos del género literalmente nombrados o insinuados. El director hasta se toma tiempo para mostrar un par de referencias al cine de su padre Mario.
Con respecto al plantel, George Hilton es el único carismático, tampoco hay mucho que decir de los demás, una pandilla de tontos que parecen salidos de ¨Fama¨ y que, por el azar, se convierten en ¨Los Goonies¨. Destaca en ella la muy rubia Patrizia Pellegrino, que nos honra al principio con un buen baile para lucir cuerpo (y vaya si lo luce); Ricardo Rossi va de gracioso, pero no hay quien lo aguante, y mejor no decir nada de Yvonne Sciò.
Más entretenida de lo que me esperaba, pese a su mediocridad y falta de talento. Y es que te ríes mucho con ¨Cena con el Vampiro¨, es su punto fuerte...pero porque es una parodia, no como las otras de la serie, que son comedias involuntarias de las que te tienes que reír de lo malas que son.
Lo mejor que ha hecho disney de star wars, un spin-off genial que combina humor, accion y drama a la perfeccion, la pelicula esta narrada de una manera en la que no se te hace pesada, tiene muy buena conexion con el episodio 4 y tiene protagonistas que te acaban agradando. Tiene tambien cameos y guiños interesantes a personajes de la saga original como los 2 fugitivos en la cantina que se metieron con luke y luego obi-wan los mato y aqui hacen una brebe aparicion en la pelicula, tambien aparece la marciana presa que tenia jabba en su palacio en un breve momento como un holograma y ademas C-3PEO Y R2-D2 tambien hacen una breve aparicion. Felicity jones hace un gran papel en la piel jyn erso y tambien tenemos la aparicion de dark vader en esta cinta donde no esta forzada su aparicion y ademas su mejor momento fue cuando va con la espada laser matando uno por uno a los rebeldes de la nave para conseguir los planos robados de la estrella de la muerte. las caras digitales de los personajes de tarkin y la princesa leia estan bien conseguidos. Y los personajes secundarios te dan penas sus muertes. El final es impecable y esta pelicula tambien puede ser vista por gente que no conozca la saga de star wars ya que funciona tambien bien como pelicula independiente. Un gran spin-off con mucha intriga que te mantendra en vilo. Muy recomendable
En la fría Inglaterra del futuro no existen leyes. La sociedad, hundida en una colorista estética ¨pop¨, ha de vivir en una cada vez más acusada decadencia. La juventud ha tomado las calles por medio de la violencia y la seguridad es un vano recuerdo del pasado.
Amante del caos y la música clásica, especialmente la de Ludwig Van Beethoven, Alex es uno de esos adolescentes descarriados que sólo disfruta causando destrucción junto a sus compañeros, o ¨drugos¨.
Tras servirse unos vasos de leche con drogas para ¨aguzar¨ los sentidos en el bar Korova, Alex y los suyos se preparan para una sesión de ultraviolencia callejera, incluyendo el dar una paliza a un mendigo, asaltar una casa atacando a un escritor y violando a la esposa de éste o intercambiando puñetazos con otra banda rival. Para Alex no hay nada más aparte del vandalismo, el sexo y la música, y su salvaje libre albedrío trae de cabeza a sus padres y a su tutor, que ya no saben qué hacer con él.
Pero el asesinato accidental de una mujer a la que pretendía robar coloca al joven tras las rejas de una prisión durante catorce años. De todas formas, la ciencia siempre encuentra un remedio para todo, y existe uno para transformar a aquellos que hacen el mal en ciudadanos respetables eliminando las tendencias emocionales del sujeto hacia la violencia y el sexo: el experimento Ludovico. Alex halla en esa técnica en fase de prueba una oportunidad para evitar su condena; el tratamiento le convertirá en poco más que un autómata mientras la sociedad en la que antaño se movía libremente se torna vengativa e injusta contra él.
¨La Naranja Mecánica¨ fue considerada una de las cien mejores novelas inglesas del siglo XX y su homónima versión cinematográfica una de las mejores películas jamás realizadas, entre las muchas que ya había realizado el sr. Kubrick. A éste, que entonces había alcanzado su cima creativa con ¨2.001¨, le fue ofrecido el libro de Anthony Burgess, escrito en 1.962 y previamente adaptado por Warhol en una muy interesante recreación; sin embargo, el director estaba enfrascado en hacer una espectacular película sobre Napoleón, con lo que rechazó la oferta.
El cambio de dirección en la MGM forzó a Kubrick a dejar su particular proyecto, iniciando un nuevo contrato de tres películas con la Warner, siendo la primera la adaptación de la novela de Burgess, la cual le recomendó su esposa y con la que quedó fascinado al instante, por sus planteamientos, personajes y, sobre todo, por el lenguaje inventado, el famoso ¨nadsat¨. Dividido en tres segmentos donde nos son narrados los hechos por Alex, el film difiere bastante del texto original (se omite el último capítulo de la novela, que quedó eliminado para su distribución en EE.UU., cosa que no gustó al autor), pero Kubrick es el perfecto para adaptar las ideas de Burgess, y es que su estilo narrativo y puesta en escena encajan a la perfección con la visión del autor.
El film, que nos transporta a un Londres distópico en donde las creaciones del ¨pop art¨ de los 60 se han convertido en artículos de moda y donde se canaliza el lado oscuro de esta década, permanece como la expresión cinematográfica más estimulante del espíritu rebelde de la época, desatándose una furiosa crítica hacia dos sectores, el liberal y el conservador, lo que se pone de manifiesto en dos elementos clave: la figura de Alex, representación del libre albedrío, y la técnica Ludovico, alegoría del totalitarismo y la inmoral manipulación de la naturaleza del ser humano.
Esta crítica de connotaciones filosóficas y psicológicas, que se pregunta qué es o no inmoral o cuál es la definición del Bien y del Mal, alcanza otros aspectos como el político, el económico, el social y hasta el religioso mientras se realiza un estudio exhaustivo del sexo, la decadencia, la violencia y la libertad en la juventud. La intriga está construida sobre repeticiones internas: los hechos que se producen durante la primera noche se repiten en la segunda mitad del metraje, relacionándose con las teorías de Freud sobre lo siniestro (¨algo familiar se convierte en algo extraño por el sesgo que toma un proceso de represión¨), pues cuando todos los instintos de Alex han sido reprimidos, las acciones que llevaba a cabo alegremente en la primera parte vuelven en su forma inversa para atormentarle.
Kubrick se las ingenia para desplegar, con gran precisión, riqueza visual y sentido de la estética y movimiento, su peculiar imaginario transformando todas esas reflexiones, a través del humor negro y la sátira, en un espectáculo descarnado, a veces siniestro y angustioso, en ocasiones colorista, pero siempre inquietante, arriesgado, experimental, salvaje en última instancia, haciendo que el espectador se ponga en alerta y con una sensación de peligro constante.
Malcolm McDowell dejó impresionado al director con ¨If...¨ y eso fue crucial para que fuera elegido; éste, dando vida a un personaje a ratos odioso, a veces patético, es puesto al límite todo el tiempo bajo el mandato de Kubrick (lo que sufrió durante el rodaje son palabras mayores), y sin duda brinda la mejor actuación de toda su carrera. Difícil atender a otros cuando toda la atención recae sobre McDowell, pero no hay que olvidarse de Aubrey Morris, el gran Patrick Magee, un impagable Michael Bates y los ¨drugos¨ de Alex, James Marcus, Warren Clarke y Michael Tarn.
Absorbente, grotesca, enigmática, fascinante y de gran influencia tanto para el mundo del cine como para la cultura popular. Pocas obras en la Historia del cine podrán presumir de ser tan polémicas y provocativas como esta.
En ella encontramos míticas secuencias que están entre las más perturbadoras y originales del celuloide: la paliza al mendigo, el ataque a la mujer de los gatos con esa escultura en forma de pene, cuando los policías, ex-¨drugos¨ de Alex, intentan ahogarle en la bañera y, cómo no, las sesiones del terrorífico experimento Ludovico, que sólo el mencionarlo ya pone los pelos de punta.
Mucho peor que la anterior y la peor de toda la saga..., esta pelicula no solo es la mas larga de toda la saga sino la que tambien mas aburre y es mas pesada, tiene solo 5 cosas que me llegaron a gustar que son: la batalla ente finn y phasma, la aparicion de yoda y la conversacion que tiene con luke, la interpretacion de carrie fisher como siempre estupenda, la evolucion que tiene el personaje de kylo ren en esta pelicula y la pelea de palos de luke y rey. Pero lo demas no me gusto nada, copia descarada algunas cosas de los episodios 5 y 6, su humor es peor que el de la anterior entrega y es un humor tonto, el luke de esta pelicula es representado como un cobarde y un amargado lo cual es un insulto al personaje y a la saga original, Los nuevos protagonistas siguen sin agradarme nada, los nuevos personajes son insoportables, se desperdicio el personaje de luke, phasma y snoke, te quieren vender que rey tiene la fuerza cuando ella en verdad no es nadie ni sus padres tampoco lo eran lo cual no es creible y aparte ella sabe manejar una espada laser y usar la fuerza sin tener un entrenamiento previo lo cual es ridiculo (y no luke no le enseña en verdad nada), la escene en la que leia usa la fuerza y empieza a volar como superman desde el espacio hasta la nave (ridiculo y sin sentido), la pelea de espadas de luke y kylo es ridicula y ni siquiera se puede llamar pelea a eso porque lo unico que se ve es a luke esquivando como 2 veces la espada de kylo y la muerte de luke es sin sentido y patetica. Hubo momentos en los que pense que se pondria mejor pero luego te das cuenta que no y la pelicula sigue siendo igual de aburrida y cansina. Una decepcion y muy larga y pesada.
Esta claro esta pelicula copia cosas del episodio 4 claramente, star wars episodio 7 el despertar de la fuerza se siente una pelicula vacia y sin alma, no se siente como una pelicula de star wars, disney con esto a dejado claro que los derechos de esta franquicia le vienen grande, ojo hay cosas que me gustaron y alguna escena por ahi tambien, y la pelicula se deja ver al menos, no me aburrio pero eso no quita que la pelicula sea sosa y una clara copia del episodio 4, los nuevos personajes son aburridos y no te interesan mucho por lo menos en mi opinon y kylo ren no te lo pudes tomar enserio como villano porque lo unico que ves es a un niñato caprichoso que quiere ser como su abuelo dark vader, han solo al menos sigue siendo el mismo de siempre, su muerte no es tan memorable como debia haber sido pero bueno,carrie fisher como la princesa leia estupenda como siempre. El final es bastante bueno te deja con la intriga de lo que pasara despues. Pelicula regular tirando a entretenida pero sin mas.
Bien, vamos a repasar: dos sacos de maría, setenta y cinco bolas de mezcalina, cinco papelas con LSD, un salero medio lleno de cocaína, un litro de tequila, otro de ron, unas cervezas y medio litro de éter.
¿Por qué este exceso? Pues porque vamos a acompañar a través de una galaxia multicolor a Hunter Thompson y Óscar Acosta en un viaje salvaje hacia el mismísimo corazón del Sueño Americano. Un viaje que no olvidaremos.
En la cambiante Norteamérica de 1.971, cuando el movimiento ¨hippie¨ y contracultural se halla atravesando irremediablemente su ocaso hacia la decadencia y el olvido, un estrafalario periodista llamado Duke se dirige a Las Vegas en compañía de su abogado Gonzo y de una maleta llena de estimulantes, alucinógenos y alcohol para cubrir una importante carrera de motos y, posteriormente, una convención sobre narcóticos.
La pareja se dispone a cruzar esa gomorra de luces, depravación, vicio y perdición, ese monstruo que ilumina intensamente el desierto de Nevada, símbolo del consumismo y la falta de valores y moralidad, hasta las cejas de todo estupefaciente que puedan aspirar, inyectarse, beber o meterse. Una descontrolada peripecia en la cual la realidad se distorsionará y acabará confundiéndose más de una vez con la ficción, mientras van siendo testigos de la corrupción, el cinismo, la hipocresía y la precipitación del pueblo americano a la autodestrucción, al igual que la de su propio estado físico y mental.
Posiblemente no hubo nunca en la historia americana un periodista tan cachondo, rebelde, extravagante y que fuera tanto por libre como Hunter Stockton Thompson, un nativo de Kentucky que se declaró completamente inclasificable y que acabó por inventar una nueva manera de hacer periodismo, conocido como ¨gonzo¨, un método de narración confusa y bastante bizarra donde el informador se da más importancia a sí mismo y al ambiente y la época donde se sucede la noticia en lugar de a ésta misma.
Como miembro del movimiento ¨hippie¨, para Thompson, quien encarnaba a las mil maravillas la decadencia de aquel sentimiento contracultural, el cubrir una noticia se convertía en la excusa perfecta para liarse a tomar todas las drogas que pudiera, dando rienda suelta a sus historias alucinógenas que la prestigiosa Rolling Stone publicaba encantada. En los dos viajes que hizo a Las Vegas junto a su abogado Acosta, donde debía cubrir dos eventos, Thompson narraba de forma excesiva, veloz y surrealista su aventura por la ciudad, con lo que el supuesto artículo pasó a ser una novela, titulada ¨Fear and Loathing in Las Vegas¨, con la que se ganó tanto elogiadores como detractores.
La vida y milagros del señor Thompson ya habían sido llevados a la gran pantalla en 1.980, cuando Art Linson dirigió a un genial Bill Murray encarnando al mítico periodista en ¨Where the Buffalo Roam¨, pero la idea de hacer una película de ¨Fear and Loathing in Las Vegas¨ nunca llegaba a buen puerto, hasta que a mediados de los 90, barajándose multitud de directores, el proyecto cayera en las manos de un Terry Gilliam que saboreaba las mieles del éxito gracias a ¨12 Monos¨. En realidad, aunque en un primer momento los productores quisieran a Lee Tamahori, Gilliam era el indicado para dar vida al alucinógeno, psicotrópico y decadente imaginario que Thompson inventó en el libro. Y eso es lo que hace.
Así que no esperen una película normal o convencional, ya que hablamos de una novela escrita por el periodista más chiflado de su generación adaptada por Terry Gilliam. Un descoloque de aúpa, ni más ni menos. Por supuesto en el film no existe ni rastro de lógica, todo es un puto sinsentido; nos limitamos a seguir a los dos colgados de Duke y Gonzo en una surrealista aventura repleta de drogas y excesos por los hoteles y clubs de Las Vegas, lo que hace que resulte tedioso y pesado durante esa eterna primera hora, salvo por el genial ¨flashback¨ en el que vemos a Duke en la discoteca (¡en el que, por cierto, aparece el mismísimo Hunter Thompson!). A partir del retorno a la ciudad y la introducción de Lucy la película mejora algo, pero sigue en su línea.
El director pone todo su talento por recrear el espíritu de la novela, llenando las mareantes secuencias de violencia y un humor negro de mal gusto, con un estilo experimental y frenético cercano al que imprimió Stone en ¨Asesinos Natos¨. Al mismo tiempo, Gilliam plasma con inteligencia la nación post-Vietnam cínica, sucia, perversa y corrupta en la que vive Duke, quien recuerda con nostalgia una época mejor, una época de libertad, donde había personas con ilusión por cambiar el Mundo (atentos al demoledor discurso de ¨la ola¨), y presentando Las Vegas de los 70, tal como hizo Thompson, como lo peor de los EE.UU..
El camaleónico Johnny Depp se caracteriza y se mete con empeño en el papel hasta quedar convertido en un fiel reflejo del propio Thompson, seguido de un Benicio del Toro que engordó casi 20 kilos para parecerse a Acosta, los dos al borde de una taquicardia y absolutamente magistrales. Destacan las fugaces apariciones de Cameron Diaz, Christina Ricci, Gary Busey, Harry D. Stanton, un irreconocible Tobey Maguire y Michael Peter ¨Flea¨ Balzary, el bajista de los Red Hot.
Masacrada en su momento por la crítica, hoy en día es una pequeña joya de culto (sobre todo tras el suicidio de Thompson), convertida en influencia seminal para muchos cineastas. Sí, carece de historia y sentido, los personajes no evolucionan, a veces es excesiva, vomitiva, repugnante, da dolor de cabeza pero, joder...es flipante. Eso sí que no se lo quita nadie.
Trece años más tarde, Depp volvería a encarnar al protagonista de una novela de Thompson en ¨Los Diarios del Ron¨, dirigida por Bruce Robinson (curiosamente, el mismo que el actor quería en un primer momento para realizar ¨Miedo y Asco en Las Vegas¨).
Es una obra que personalmente no me parece ni mala ni buena, por ende estoy indeciso. Lo bueno de este filme es que no vas a ver a tipitos con armas de fuego y pegando tiros como expertos a cuanto zombi se les cruce, lo que lo hace algo realista a diferencia de otras pelis yanquis; acá vas a ver cosas como un hacha y un bate, nada mas. Se nota bastante sobreactuación, o al menos eso es lo que vi. Casi no tiene efectos especiales y se aprecia su poco presupuesto, pero eso no indica que una peli x sea ¨mala¨: todo lo contrario, ya que en esta para mi han logrado entretenerme (que una película entretenga es lo ideal). Creo que es una película pasable, como para cuando estás al dope y aburrido, pero no para verla 500 veces.
Secuela de Godzilla de 1954 que sinceramente no me pareció tan buena como la primera parte. Lo que le rescató es que el diseño de Godzilla está mejor que el anterior, que tiene más escenas de destrucción, la inclusión de Anguirus al film y que dentro de todo es una película entretenida sin muchas pretensiones. Sin embargo sigue con el problema de concentrarse mucho en las tramas humanas y que hay ocasiones que resulta ridícula. Pero a fin de cuentas es un producto disfrutable para pasar el rato.
Todos la conocen, todos han oído hablar de ella. La famosa carrera transcontinental que atraviesa el país de punta a punta, una brutal competición donde los pilotos ganan puntos liquidando a ciudadanos.
Frankenstein es el imbatible campeón, tan temido y respetado como odiado. Esta carrera, por supuesto, no tiene nada que ver con la que vemos en la película que nos ocupa.
El país americano está (una vez más) atravesando una gran crisis; hay paro, delincuencia, malestar social y el índice de crímenes se ha disparado, así que las prisiones, como suele ocurrir en estos casos, están a rebosar. Sin embargo, el vomitivo mundo de los ¨reality shows¨ no se detiene, y el que más está pegando recientemente es ¨La Carrera de la Muerte¨, una competición que no para de ganar adeptos deseosos de violencia y emociones fuertes.
Realizada en el circuito de la prisión de Terminal Island, los condenados se han de matar sobre monstruosos vehículos armados con metralletas, misiles y otras virguerías para, supuestamente, ganar su libertad; pero el piloto estrella, Frankenstein, ha muerto ¨accidentalmente¨ en la última carrera, así que la única opción de la puñetera alcaide Hennessey es hacerse con otro piloto igual de bueno, y da con él: Jensen Ames, un pobre desgraciado, acusado injustamente de matar a su esposa, que tendrá que dejarse la piel en la mortal competición para salir de aquel agujero.
Tenemos que agradecer al bueno de Paul W.S. Anderson su parte de responsabilidad con respecto a la creciente mediocridad por la que ha estado pasando el cine de acción y ficción americano de los últimos veinte años; este hombre, que ha intentado abrirse camino en el cine comercial a base de efectos especiales y poca imaginación, no ha hecho más que destrozar cosas: se cargó los juegos de ¨Mortal Kombat¨ y ¨Resident Evil¨, iniciando, además, unas muy estúpidas sagas que poco o nada tenían que ver con el material original, y dejó por los suelos dos mitos del cine de ciencia-ficción con ¨Alien vs. Predator¨.
Por si no había sido suficiente, sus destructivas miras apuntaron esta vez al clásico de culto de los 70 producido por Roger Corman y dirigido por Paul Bartel, ¨La Carrera de la Muerte del Año 2.000¨. Producido en un primer momento por Corman y Tom Cruise y con la idea del guionista J.F. Lawton de una carrera que no atravesaba el país, sino todo el planeta, el proyecto se tambaleaba porque al actor no le convencía mucho la historia, aun así, tiempo más tarde, se le dio luz verde, aunque con Anderson reescribiendo la trama (por desgracia).
Me hace mucha gracia escuchar en boca del propio Anderson que de niño fue todo un fan de la ¨Carrera de la Muerte¨ original...fíjense si era fan que al personaje que antes interpretaba Stallone, aquel macho irascible llamado ¨Machine Gun¨ Joe Viterbo, le cambia el color y, muy posiblemente, su inclinación sexual, y el legendario Frankenstein al que daba vida Carradine es convertido en una parodia de sí mismo y despojado de todo su mito (las palabras de Hennessey son concluyentes: ¨no olvide que es sólo una máscara¨). Pero ese no es el único desprecio mostrado hacia el film de Bartel.
Aquél se perfilaba como una sátira brutal de la creciente obsesión por la televisión y de la violencia en la sociedad de los 70; una sátira acrecentada por las grandes dosis de humor negro expuestas en la carrera, en la que matando a peatones (hombres, mujeres o niños) se conseguían puntos...lo que sería imposible de llevar hoy en día al cine, y menos al cine americano. En su lugar, se cierra la carrera y se matan sólo los presos, la mayoría auténticas hermanitas de la caridad; todo esto tras una historia muy típica (el pobre obligado a participar en un mortal juego de masas) cuyas bases no se alejan de las de ¨Perseguido¨ o ¨Roma, Año 2.072 d.C.: Los Gladiadores¨, ambientada en una pesimista sociedad futura donde el director apuesta por una crítica a la sociedad más seria y dura que la del clásico de los 70...y, amigos, no es ni la mitad de dura de lo que era, precisamente, la de aquella película.
Eliminado el factor de la sátira y lo políticamente incorrecto, ¿qué queda? Pues lo que vemos: un film de efectos especiales y acción sin límites, con menos frenos que los coches que vemos destrozándose en la pista, a ritmo de videoclip, con el estilo de la saga de ¨A todo Gas¨ y aderezada con una repugnante banda sonora de ¨hip-hop¨. Y los diálogos...para qué hablar de ellos...
Personajes también estereotipados, claro, y un buen ejemplo es el que interpreta el bueno de Statham: ese inocente trabajador medio americano más bueno que el pan, jodido por todos lados y que ha de pelear por una causa noble. Tyrese Gibson no tiene nada que hacer contra el Joe de Stallone, y de Natalie Martínez no impresionada nada salvo su cuerpazo; lo que sí que me parece mentira es que estén actores de la talla de Ian McShane y Joan Allen (qué bien que se le da hacer de zorra mala) en esta soberana tontería.
Se salvan las impresionantes secuencias de acción, lo único que reluce en este estafador ¨remake¨ que no representa sino otro fracaso de Paul W.S. Anderson.
Para terminar diré que Jason Statham no es Frankenstein, porque Frankenstein sólo hubo uno, el que interpretó David Carradine. Y ése sí que era un héroe.
original ,pocos recursos pero muy bien aprovechados,creible el terror se palpa la mejor peli de terror argentina y en lo personal la mejor que vi este año.Se la recomende a todos mis amigos y familiares.es como estar en una pesadilla ,no exagera el relato es claro los actores son geniales
Magnífica película oriental, sobre una niña desvalida, y la redención de un mafioso, que si bien es algo común en el cine asiático, en esta película va más allá, por un buen guion, y sobre todo, por las escenas de acción, que hace que eleve la nota hasta el 10.
Es más, para mí está a la altura de Redada Asesina una de las grandes dentro del género, repitiendo algunos actores de la misma.
Se ven multitud de escenas impactantes de luchas, y no sólo de hombres, sino de mujeres.
Si bien es muy larga, no aburre en ningún momento.
Los actores muy buenos, en sus respectivos papeles.
La ambientación muy acorde con el tema de la película.
En fin, si algún día tengo un perro, le llamaré Hito.
Me resultó muy interesante ver al trio protagonista formado por Caterine Deneuve, Susan Sarandon y David Bowie y que la trama gire en torno al vampirismo más aun, si bien no es la pelicula de terror tipica, creo que el director supo transmitir esa atmosfera tetrica y agobiante en la que viven estas personas, me gustó mucho la ambientacion en esa casa a media luz y tambien en la estetica de los personajes, y que la pelicula dure una hora y media es genial porque al ser un tanto lenta no está tan mal, en grandes rasgos al verla me pareció muy similar a la tambien cinta vampirica que se llama ¨Solo los amantes sobreviven¨ del 2013 con Tom Hiddleston y Tilda Swinton.
The Nun (La Monja) es la quinta y más patética instalación en la franquicia de The Conjuring.
La nueva película en la larga saga de The Conjuring sirve únicamente para dos cosas: demostrar que Demián Bichir también tiene que hacer trabajos horribles para vivir y balconear que esta saga ya sólo sirve para producir dinero. Y, lo siento, pero la caída de calidad desde la primera película de James Wan a The Nun es pasmosa. Esta cinta es tan mala, está tan errada en tono y planteamiento, que casi es una genialidad de comedia.
La Monja sobrepasó todas las malas expectativas que podía tener: esta película no es peor porque no dura más. No soy un particular fan de la saga de The Conjuring pero, dios santo, la primera película de James Wan es Ciudadano Kane comparada a este bodrio. No quiero eternizarme tampoco en insultos y trataré de ser breve: esta cinta no merece más tinta que la que basta, estrictamente, para describir el abismo de su absurda y mocha existencia.
Cuando tocas la puerta de Drácula y aparece Marilyn Manson
La historia de The Nun sucede casi veinte años antes de los eventos de The Conjuring 2. Y la cinta empieza recordándonos del rol central que tuvo el demonio Valak (que siempre anda vestido de monja porque ese es el último grito en el infierno) en el caso del Poltergeist de Enfield. Si recuerdan bien, Elizabeth Warren (Vera Farmiga) tuvo unas premoniciones sobre la muerte de su marido, Ed Warren (Patrick Wilson), en las que aparecía este ente maléfico al que finalmente derrota blandiendo la fe y el nombre del demonio (en una muy práctica aritmética cristiana).
Con The Nun, regresamos hasta los años cincuenta y Valak, al parecer, no ha salido a hacer de las suyas. De hecho, vemos que el demonio anda molestando a las monjas de un convento en Rumania que, por supuesto, es un lugar totalmente malviajante. El convento, basado en un lugar real, toma toda su inspiración del imaginario gótico de Drácula (sobre todo con la estética creada por Francis Ford Coppola en su adaptación de la novela epistolar de Bram Stoker).
Bueno, pues en este terrible lugar, una de las monjas acosadas por Valak se suicida y despierta el interés del Vaticano, que manda a un cura con experiencia en exorcismos (el padre Burke interpretado por el mexicano Demián Bichir) y a una novicia (intepretada por la hermana de Vera Farmiga, Taissa Farmiga). Ayudados por un habitante local que habla rumano, francés, inglés y es guapillo a rabiar, apodado Frenchie (Jonas Bloquet), los dos investigadores deberán desenterrar el tenebroso secreto de este convento abandonado.
La premisa no es particularmente original y quiere utilizar un mecanismo simple para retacar hora y media de sinsentido con jump scares. Aquí no tenemos la elegancia de los sustos efectivistas de James Wan con elegantes movimientos de cámara o la presencia magnética de Vera Farmiga y Patrick Wilson. No, en esta cinta solamente hay un enorme vacío de contenido que llena, a marcha forzada, una sarta de clichés prestados de todas partes.
En el diseño de la cinta, el imaginario gótico de Drácula (que va hasta una recreación no admitida del mito de Vlad, El Empalador) se compromete con una absoluta falta de imaginación. Y es aquí en donde entran monjas zombies, niños que escupen serpientes (porque el diablo), cruces volteadas en llamas, sangre que no se coagula (porque el demonio y, al parecer, Cristo, tienen ese superpoder de mantener fresca la moronga), santos decapitatos y, por supuesto, a Marilyn Manson vestido de monja malvibrando a todo mundo.
La absoluta falta de imaginación en los paisajes góticos, neblinosos, de vibra centroeuropea se complementa perfectamente con la nula inventividad en la creación de los espacios internos del convento. La idea misma de aprovechar una arquitectura para crear un ambiente de horror (cosa que hace increíblemente bien Ari Aster en Hereditary o que, con sus bemoles, logra James Wan en The Conjuring y The Conjuring 2) está completamente ausente aquí. En The Nun, todo son pasillos. Todo pasa en un castillo lleno de pasillos. Hay también, por ahí, una sala y una capilla y luego pasillos, pasillos, pasillos con cruces, pasillos con velas, pasillos oscuros, pasillo con tragaluz, pasillos, pasillos, pasillos. En esta construcción banal, los sustos siempre tienen que venir del mismo lado, es decir, de la perspectiva ausente que tiene un personaje que va en un pasadizo estrecho y no puede ver lo que hay detrás de él.
Todo esto se añade a un diseño de vestuario banal, un diseño sonoro burdo y unos efectos especiales de quinta para que The Nun llegue a niveles de ridículo insospechados. Y aquí estoy hablando solamente del imaginario visual sobre la tela de fondo de una trama sencilla. Porque, si nos clavamos más en la simbología y construcción de la cinta, santo padre nuestro que estás en los cielos, la cloaca se destapa.
Cuando quieres ser como Umberto Eco y acabas siendo Esteban Arce
James Wan dijo que la premisa de esta película había surgido de un cruce entre la mitología de The Conjuring y The Name of the Rose, la cinta protagonizada por Sean Connery y adaptada de la gran novela de detectives semánticos de Umberto Eco. La idea es que en ambas cintas hay un asesinato misterioso en un convento y que, en ambas cintas, son dos religiosos los que tienen que solucionar este crimen con tintes satánicos. Ahora, si me preguntan, las comparaciones paran ahí.
Il nome della rosa es un alegato en contra de la censura de la iglesia. En particular, sobre la locura fanática de un monje que quiere evitar que se lea el tomo perdido de Aristóteles sobre la risa. Es una novela detectivesca de pistas semánticas en torno a la cruzada cristiana contra el conocimiento. En The Nun, por el contrario, tenemos un espectáculo rarísimo de alabanza a los poderes supernaturales de Cristo. Así que, por más que le rasco, por más que me repito que la adaptación de Il nome della rosa no es exactamente una joya, no puedo entender la comparación.
El asunto primordial aquí es que The Nun es la película más demencialmente cristiana de todo este universo. Y eso no debería ser necesariamente malo (digo Under the Shadow explota el imaginario islámico con gran elegancia) si no fuera tan burdo y ridículo. Para mí, una película de terror empieza a perder algo de su valor si te obliga a adherir a un sistema de creencias particular para asustarte y, luego, en el giro catártico, curarte de espantos.
Desde The Conjuring y, más aún, con The Conjuring 2 me parecía que el horror de esta franquicia reposaba en una cierta aritmética de fuerzas cristianas: al mal se le opone el bien, al demonio se le opone Dios, a la cruz se le opone la cruz invertida, al agua bendita el fuego infernal, etc. Como muchas historias de fantasmas, las cintas de horror sobrenatural que reposan en el imaginario cristiano tienden a establecer la idea de un misterio que hay que desenterrar gracias a estas oposiciones fijas. El fantasma deja de portarse como un idiota si averiguas por qué está tan enojado (tropo que explotó con gran originalidad The Sixth Sense y The Others) y el demonio se retira si averiguas esa verdadera identidad insidiosa, oculta y tramposa.
Este tipo de esquemas en el horror incluye la promesa, desde el principio de la cinta, que saldrás satisfecho del cine, con un misterio resuelto y un alivio catártico de un final explosivo. Siempre habrá ventanas azotándose al final, una casa al borde del colapso, llamas, gritos, remolinos, la fuerza única de un hombre/mujer de fe contra el demonio, etc. Y luego de la tormenta, la solución catártica. A diferencia de The Exorcist del genial William Friedkin, este final acaba siempre con un sentimiento de calma recobrada: en las películas del universo de The Conjuring todo tiene sentido, todo mal puede ser vencido por una fórmula y, en general, estamos protegidos con la lógica inamovible de los inversos, de la eterna lucha del bien contra el mal, de nuestra inquebrantable fe.
Así, los excesos en la confianza de este tipo de cintas y su forma desvergonzada de explotar un imaginario católico llega al paroxismo con The Nun. Aquí, este imaginario se alucina hasta lo patético: aparece la máxima reliquia, es decir, la sangre de Cristo como un arma del ejército del bien; se menciona a viejos demonólogos que degollaban a cristianos para que triunfe el mal; se habla del heróico ejército de cruzados (subrayo, heróico y cruzados están en la misma frase); se insiste sobre la razón superior y los motivos incuestionables del Vaticano; se glorifica la castidad de las monjas y su presencia extracorporal en el rezo.
Cuando veía la cinta, trataba de entender cómo era posible que tal locura hubiera llegado a cines: ésta es una carta de amor al cristianismo organizado y a las más imbéciles supersticiones que ha engendrado. Y luego vi quién había escrito la cinta: Gary Dauberman (que dirigirá próximamente la tercera cinta de Annabelle) es un guionista con más de diez años de carrera que siempre se ha declarado abiertamente cristiano. En una entrevista para los mochos de The Gospel Herald, describió, incluso, cómo su trabajo en el horror era parte de convicciones religiosas:
“Éstas son películas basadas en la fe. Soy creyente y creo que el mal y los demonios están allá afuera, pero también creo que Dios está ahí y eso está bien. No importa lo oscuras y terroríficas que se puedan poner estas películas, siempre habrá una red de seguridad. Si el mal existe, entonces también debe existir el bien. Estas cosas son reales; hay magia en este mundo, sea blanca u oscura. No puedes negar que hay algo más grande allá afuera. Hay un poder superior y un poder oscuro. El hecho de que crea que estas cosas son reales hace que sea más fácil escribir estos guiones.”
Estas declaraciones, pues, no me sorprenden en lo más mínimo. Es evidente que quien escribió esta basura de guión estaba obsesionado con un imaginario cristiano totalmente infantil. Porque ni siquiera hay una información certera de los principios de demonología presentes, en todas partes, en grandes cintas como The VVitch y Hereditary o que encontramos también en el hermetismo discreto de Dark. Aquí agarraron a un demonio como Valak y lo transformaron en un rockstar desabrido. Y, por más que Bonnie Aarons hace todo por sacar una caracterización interesante de este engendro desangelado el resultado es absolutamente ridículo. El autor de este guión está convencido de que su creencia basta, que la ignorancia que despliega sobre su propia religión se perdona por la fe, que puede decir lo que sea mientras entre en la línea de un maniqueísmo comúnmente aceptado.
El horror en Hollywood ha dejado de significar la pérdida de sentido, ha abandonado la lucha por darle una explicación a lo que es inexplicable y se ha convertido en un consuelo teológico. Hollywood explica ahora el horror sobrenatural con una comprensión limitada del pensamiento cristiano. En estas cintas tremendamente exitosas ya no se cuestiona el origen del mal sino que se clasifican los males; ya no hay un esfuerzo por causar miedo duradero; ya no hay más que terrores tranquilizados por fe compartida; ya no importan los horrores del mundo sino los héroes cristianos que los solucionan. Estas cintas no dejan que haya alguna otra explicación posible fuera de este sistema de creencias religioso. Punto. Si estás fuera de ese sistema de creencias cintas como The Nun son pantomimas ridículas que no dicen absolutamente nada.
The Nun, sin embargo, pudo decir algo. Porque es tan ridícula, tiene tantos one liners y hay tanta fascinación extraña por los zombies y las escopetas que, si hubiera perseguido la comedia en vez del horror, hubiera podido ser un hermoso y brillante homenaje al Sam Raimi alocado y libre de Army of Darkness. Pero no pudieron encontrar el tono que buscaban entre horror barato y comedia insolente. Ahí, a la mitad de sus intenciones, observamos una dirección absolutamente mediocre (y, a decir verdad, esperábamos más de Corin Hardy después de la intrigante cinta que estrenó en Sundance, The Hallow).
Así, The Nun no es más que un panfleto ridículo de masturbaciones cristianas. Y, si esta cinta sirve para afianzar tus creencias religiosas, ojalá la disfrutes, pero fuera de verla como una mala clase de catecismo torcido, no tiene ni un ápice de interés real. El verdadero terror aquí no está en pantalla sino en que melcochas religiosas de este tipo pasen como ideas pasables: The Nun es un apéndice vomitivo de un mundo enfermo y triste.
La franquicia de The Conjuring ha costado, en total, poco más de 80 millones de dólares y ha recaudado más de mil millones. El éxito de estas películas es una locura que ha desbancado a grandes clásicos como The Exorcist arriba de las listas taquilleras. Pero, como sucede con muchas franquicias, longevidad no significa calidad. Digo, pueden preguntarle eso a Saw, la otra gran franquicia de ocho películas de James Wan.
Con The Nun, sin embargo, la franquicia de The Conjuring llegó a niveles insospechados de mediocridad: ésta es la cinta más mocha, más ridícula, más torpe, más intrascendente que he visto en muchos años y es una maldita lástima que ni la lejía me va a quitar la experiencia de verla. Lo único que me consuela es que esta veta patética del Hollywood más comercial ha permitido que nazca un horror indie verdaderamente propositivo. Igual, seguir sometiendo al mundo a estas bajezas debería ser, en términos mochos para que me entiendan, un verdadero pecado.
Igual que se llama ¨Halloween Tales¨, podría perfectamente haberse llamado por ejemplo, ¨Horror Tales¨, y hubiese sido lo mismo porque de halloween solo tiene el nombre. Estamos ante una auténtica serie z en toda regla, que, como no podía ser de otra forma, lo peor que tiene son sus bochornosas actuaciones, - pues las historias no están del todo mal tratándose de una peli de estas características. Son cuatro historias. Las dos primeras son, al mismo tiempo, peores y mucho más cortas que las dos últimas. Destacando (si es que se puede destacar algo) la última de todas. La tercera; la de la planta asesina, no me gustó. La verdad es que no me esperaba, ni por asomo, encontrarme con una serie z justo antes de empezar a verla. Así que ya sabéis lo que os vais a encontrar.
Los efectos no digo excelentes, porque se notan computarizados pero son muy interesantes, desde hace rato el cine Ruso demuestra que tiene la tecnología para realizar buenas películas, pero esta muy empecinados en realizar cine yankie
La historia muy pobre, con un villano que de una escena a otra se convierte en un super villano.
De todas las maneras vale la pena perder un par de horas.
elbowz
6
Crónicas de Navidad
Una buena película de navidad, adaptada a los tiempos modernos pero a la vez clásica, familiar y bastante divertida.Las actuaciones son regulares salvo la de Russell, la cual es buena.
Lo mejor son los momentos de humor y la canción sin dudas.
Es como todas las películas de navidad, entretenida para pasar un buen rato.
También trae mensaje.
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