Fallar -con o sin querer- a alguien que te quiere, ya está mal. Pero mucho peor es traicionar al ser que te ama por culpa de terceras personas a las que su máxima diversión sea manipular. Algo así como la sumisión, cuyo significado es el sometimiento de alguien a otra u otras personas. La sumisión y el arrepentimiento son las palabras con las que se centró el cineasta alemán F. W. Murnau (Nosferatu) para llevar a cabo el mensaje de la película Sunrise, en 1927.

El film trata sobre la historia de una modesta familia que convive felizmente en el campo. El bienestar del matrimonio será puesto a prueba a causa de la amante del granjero, después de que ésta le pidiese que asesinara a su mujer para así fugarse juntos.

El cineasta utilizó un ordenado desenvolvimiento –en los que ojearemos unos planos exteriores e interiores sobre el humilde hogar familiar-, nudo –en que la toma de decisiones de los personajes será clave- y desenlace. Este orden fue empleado por un correcto transcurso de escenas, del que abundan los juegos psicológicos y sentimentales (amor y desamor; traición; arrepentimiento) que posee la película y que tanto caracterizaron al astro alemán.

El equipo técnico de la película era sólido. Con un George O’Brien que se uniría con Murnau después de rodar con John Ford El caballo de hierro. El intérprete logró una buena actuación, representado a un personaje que demuestra que a uno se le puede quedar cara de loco de remate (literalmente) al no saber enfrentarse a los propios miedos. El actor estuvo acompañado por una Janet Gaynor que figuraba todo lo contrario; un papel que mostraba la inocencia e ilusión por un mañana mejor. La buena y natural interpretación que cuajó la dulce actriz significó otro Oscar a su carrera -dos en un año, al también conseguirlo en Seventh Heaven-.

La banda sonora fue compuesta por Hugo Riesenfeld. Con unas melodías que variaban según el tema que comportara la escena. Creando una angustiosa atmósfera ante los instantes en que el granjero tendría serios dilemas sobre qué hacer. A destacar los momentos en los que un plano entero con travelling muestra las dudas que acaparan la cabeza del protagonista, o los de un plano detalle que resaltan un trozo de madera -algo que cobra un significado simbólico al inicio del film, pero que acaba con un mensaje totalmente opuesto-.


En definitiva, Sunrise es una buena película de romance dramático con dosis de intriga en el que cada detalle cobra un significado propio. Con muchos pensamientos ocultos y con muchas respuestas arriesgadas.

Una mirada soñadora.

La vida no debería mirarse como un crudo camino en que pensar sólo en lo correcto o en ir viviendo de las apariencias fuesen los objetivos principales. La vida debería mirarse como una obra de teatro que no permitiera ensayos… Por eso, deberíamos cantar, reír, bailar, llorar y vivir intensamente cada momento de nuestra vida… antes que el telón baje y la obra termine sin aplausos. Al menos ese era el mensaje que quería dar a entender Charles Chaplin con sus largometrajes.

¿Y qué decir de este genio británico que no se haya dicho ya?

Con unos aproximados ciento veinte minutos de proyección, el cineasta era capaz de contagiar positivismo al más infeliz de todos; ya sea por las facetas faciales que llevaba a cabo sumadas a la originalidad y soltura con la que se movía, o por la felicidad con la que respondía ante los sucesos más desagradables. En una de sus mejores películas, Tiempos modernos -junto a El gran dictador, Luces de la ciudad y La quimera de oro-, consiguió todo lo que se esperaba de él: Ofrecerle una sonrisa al espectador. Ejerciendo el film como director, guionista, compositor y personaje principal, Chaplin resolvió un puzzle de infortunios que precisamente en este 2013 están de moda –desalojos, falta de trabajo-, y lo solucionó con una interpretación que mostraba a un protagonista sin agobios ante las desgracias, con una frase que destapaba una actitud de la que muchos deberían tomar ejemplo: Aprendiendo como si fueras a vivir toda la vida y viviendo como si fueras a morir mañana.

En Tiempos modernos, utilizó su característico toque minucioso y mimado para reproducir la hora y media de duración. Empleando la historia de un obrero metalúrgico que pierde la razón a causa del ritmo frenético de una cadena de montaje, y que posteriormente pasará por un hospital, una cárcel y, para ser rematado, sufrirá un desalojo. A todo esto, Chaplin usó un humor visual exquisito añadido a un perfecto montaje –planos, composición, transcurso de escenas- que girará en torno a él y a cualquier movimiento corporal que haga, en especial la mítica escena en que el cómico queda como un monigote con forma de plastilina al estar atrapado en la cadena de montaje; a muchas películas actuales les gustaría conseguir ese efecto que logró el astro inglés en los años 30.

En definitiva, Chaplin logró en su día y logrará en la actualidad que cualquier espectador que se disponga a ver una de sus películas quede invadido por un aroma de bienestar y confort y que dicho espectador también se vea capaz de mostrarle una sonrisa a sus respectivos problemas.
Como él decía: Un día sin una sonrisa es un día perdido.

¿Es necesario el sexo para los hombres? Sin tapujos, sí. ¿Lo es para las mujeres? Con más miramientos, la respuesta acabará siendo la misma. Y ahora viene la pregunta del millón: ¿Se puede lograr mantener sexo sin ataduras sentimentales con una persona a la que le tienes un mínimo de cariño? Eso ya depende de cómo controle cada uno sus sentimientos. Parece ser que Ivan Reitman (Sin compromiso) y Will Gluck (Con derecho a roce) no serían partidarios de llevar a cabo tal idea a la práctica. Al menos así lo dejan a entender con sus particulares películas. Y es que ya tiene guasa que en el mismo año se hayan ejecutado dos filmes con exactamente la misma idea.

Si bien que el segundo director nombrado quiera mostrarnos una película idéntica a la de el primero –en el que le supera-, donde nos mostrará a priori una película del género romántico antisistema, terminará por dejar al aire la cuestión de que sí es posible encontrar a la princesa con quien comer perdices, o al príncipe azul en vez del sapo guasón. Dicho planteamiento será usado como crítica hacia la “entrega” que muestra la juventud de hoy en día respecto a las relaciones sentimentales; sin embargo, esa idea que ejecutó no fue demasiado imaginativa de cara a la cinematografía, ya que el espectador puede saber sobradamente cómo acabará el film desde que se le da al Play. Pese a ello, los noventa minutos de proyección son bastante llevaderos, ya sea por el buen transcurso de escenas con el que fue manejado el film; mostrándonos un pasable desenvolvimiento, nudo y desenlace, donde se completarán con unos elaborados guiones –aunque a veces demasiado; quizá en alguna que otra escena abusan del chiste fácil- llevados a cabo correctamente por un Justin Timberlake más natural que en In time y bien acompañado por su pareja de la vida real, Mila Kunis –de la que cabe resaltar la naturalidad con la que se expresó desde el inicio hasta el final del film-. Aunque también hay que mencionar que la película pierde puntos al querer emplear clichés usados como típica excusa para conseguir que el largometraje tenga algún que otro lugar por donde agarrarse -el de intentar mostrar un subtema de drama con el asunto del alzheimer-.

Con derecho a roce ni mucho menos será recordada como una de las buenas del año 2011, pero puede ser agradable de ver para uno de esos días en el que a uno le apetezca visualizar una comedia romántica con dosis de buen rollo, pero que a la vez varíe un poquito el estilo –que no sea a lo película basada en novela de Nicholas Sparks-. También decir que no es aconsejable verla si uno está de relación abierta con otra persona, posiblemente le entraran dudas acerca de si está o no haciendo lo correcto.

Finaliza el 2012, y a consecuencia empieza un nuevo año, el 2013. Un año que para algunos destaca por el hecho de que de los cuatro números que forman esa cifra no hay ninguno que se repita; y para otros, el año de la desgracia. Personalmente no me considero una persona supersticiosa, aunque creo que sí que lo llegaría a ser si viera que en este año que se nos avecina fuera poco rentable para el mundo del séptimo arte. Pero no creo que lo sea, tan sólo hace falta echar un vistazo a la actual cartelera (Lo imposible, El cuerpo, Los miserables, El Hobbit) y a los próximos títulos que tienen que llegar (La noche más oscura, Amor, Django desencadenado, Hitchcock, el remake de Carrie…).

Entre el año pasado y éste, hay una película que destaca por la enorme publicidad otorgada de cara a los Óscar. La vida de Pi. La película basada en la novela homónima de Yann Martel y dirigida por Ang Lee. Sincera y personalmente, mis ganas por visualizar este film eran bastante enormes, y quizá por eso, no quede tan satisfecho como esperaba, en el buen sentido de la palabra.

La película será la acertada si lo que buscamos es una película cuyo sentido se base en transmitirnos un oleaje (nunca mejor dicho) de aromas de bienestar gracias a sus increíbles efectos especiales –quizá algún que otro sobraba, por ejemplo el instante en que una ballena aparece de las profundidades para ofrecernos un salto increíble; opino que quedó un tanto ficticio y a la vez parecía como si el director buscara la sensación que nos dio Walt Disney con su Fantasía 2000- apoyados de un genial plano de cámara y una banda sonora que si la escucháramos con los ojos cerrados podríamos llegar a tener la sensación de cómo si estuviéramos en un estanque de agua caliente, rodeados por enormes árboles de hojas verdes en el que alguna que otra ardilla merodeara por los alrededores. Según esto, la película ya merece el calificativo de buena, sus aspectos técnicos son formidables; sin embargo opino que le falta un plus final. Un último toque de calidad en cuanto a la historia. Un pequeño y significativo detalle que dejara al espectador con un increíble buen sabor de boca (insisto, dejando a un lado los aspectos técnicos) para que en el caso de los fumadores el cigarro de después de la peli entrara mejor. No es lo mismo tener un buen sabor de boca y que el cigarro te lo deje aún mejor, que tenerlo y que el cigarro no sepa a gloria por culpa de las dudas que ofrece el argumento en los cuatro quintos de la historia. Y es que ante tal final, es posible que uno se quede un poco: ¿y qué?, pero no por eso carecerá de menos puntuación por lo que a mí respecta. Es una película más para sentirla que no para verla; y si nos basamos en eso, la película merece ser recomendable, sobretodo en una sala de cine.

Veni, vidi, vici. Llega, vuela, y enamora. Así se podría resumir el film dirigido por Tony Scott, ‘Top Gun’, que además del sobrenombre de ídolos del aire, podría usar el de ídolos de todas las adolescentes de los ochenta. O mejor dicho, ídolo. Hablamos de Tom Cruise, el causante de que todas las quinceañeras fueran en busca de algún recorte de alguna que otra revista donde apareciera la mítica imagen de Tom Cruise y Kelly McGillis aposentados en una moto. Todo para recortarlo y engancharlo en la carpeta del instituto; objetivo que se marcarían entre ceja y ceja después de salir de la sala del séptimo arte donde lo que mayormente hubieran hecho era poner en primer plano al guapito de cara, en un segundo plano la historia de amor, y en un contundente tercer puesto los aviones.
Para entendernos, era lo que actualmente pasa con ‘A tres metros sobre el cielo’. Un film en que todas las adolescentes se basan en observar al actor y no la película (una pena, ya que la película para nada se puede calificar como mala).
Y claro, como resultado resumirán el largometraje con un: ‘¡Qué peliculón tía!’

Dicho esto, no quisiera que me mal interpretaran, ya que opino que la película no es mala, aunque tampoco es una peliculón como muchos (muchas, mejor dicho) dicen.
El film tiene una historia en plan, como una precuela antes de que los chicos entrenados entren en el ejército. Pero el punto entretenido de esta película es el de tener dos ramas, y hacer que el espectador trepe por la que más le apetezca. Algunos optarán por inclinarse hacia el entrenamiento de los aviadores (“acción”), y otros más por el tema de la parejita de moda (romance).

Hace veintiséis años de la filmación de los planos en los momentos de acción del film, y como es comprensible, los efectos especiales no son demasiado impresionantes. Aprobado justito, pero claramente, no merecedora de notable. –Ya que hoy en día la industria cinematográfica se basa en que sus películas sean remakes o secuelas, desde luego si se hiciera una nueva versión de este film, los planos serían una pasada-.
Eso sí, si se llevara a cabo dicho remake, tendrían que llevar a cabo unos acuerdos para que la banda sonora siguiera siendo la misma. Concretamente la canción ‘Take my breath away’, que tan acertadamente quedó durante la escena romántica entre los protagonistas. Si bien hay que añadir, que aunque la canción quedara de lujo, quizás abusaron un poco de ella. Había momentos en que pensaba: “Ya está, ya se han besado, han hecho el amor y se han despertado. Es el día siguiente, ¡no pinta nada que en estos cinco segundos posteriores a la locura amorosa suene la cancioncita!”
Quizás lo que pasaba es que prefería escuchar los cortes del buen guión atribuido a Kelly McGillis.

En conclusión, una película que aunque no sea para tirar cohetes (nunca mejor dicho), puede verse. Se hace bastante llevadera por lo anteriormente nombrado de que el film tiene dos temas a la vez, además de tener unas buenas interpretaciones y un aprobado justo en el transcurso de escenas.

4/10 de Tequila blanco, 2/10 de Curaçao azul, 3/10 de zumo de lima o limón, una rodaja de lima, una Cucharada de sal gruesa, una Cucharada de Triple Sec, y... ¡voilà! Ya tenemos listo el rico cóctel Blue Margarita.

Es interesante el mundo de los cócteles. Con un poquito de allí y de allá es muy posible conseguir una satisfactoria bebida, producida por diferentes mezclas de sabores. Para los resultadistas, más fácil será si se tiene la receta a mano, y así ahorrarse el ir probando hasta conseguir un aceptado final, lógicamente.
Algo así es el cine. La clave es tener buenas mezclas (interpretaciones, guiones, transcurso de escenas…) y como resultado conseguir que el espectador apague el DVD o abandone la sala de cine mientras nota un buen sabor en su boca.

Mort Nathan no ha conseguido ese objetivo. El no demasiado conocido director quiso acertar con una película que en un principio piensas eso de: “¡Anda! ¡Una prototipo American Pie y Road Trip! Seguro que nos echamos unas risas.”

Va a ser que no. Porque lo que Nathan consigue es un cóctel con unas interpretaciones sumamente cutres, que gracias a ellas conseguí recordar ese amargo sabor de cuando uno está apalancado en el sofá de casa, haciendo zapping, y caer durante unos sesenta segundos (como mucho) en una de esas series americanas para niños de once años (y que es probable que los niños de dicha edad la vean por el hecho de que su serie favorita haya terminado, o porque les dé palo obedecer a las órdenes de sus padres al decir que se pongan a ordenar la habitación o a terminar los deberes).
A dichas malas interpretaciones, se le suma un diálogo sin brillo, con tan poca elaboración que ni al Risitas ni a su cuñado le podría llegar a obligar a gesticular mínimamente la boca para sonreír (digámoslo de este modo). Como decíamos, sin brillo, y algo penoso.
Porque más vale cerrar la boca y parecer idiota, que abrirla y demostrarlo.

Pero no todo es negativo. Se puede considerar apetecible de ver gracias a los cuerpazos que salen en pantalla. Bueno, quizás sí que todo negativo. Si en una película lo más agradable que observas son unos planos de cámara que enfocan premeditadamente los cuerpos de los personajes, malas sensaciones (mentales) son las que se acaban transmitiendo en la conclusión final sobre que te ha parecido el film.


En definitiva, es posible que si olemos a que sabe el cóctel de Mort Nathan, nos atrevamos a probarlo gracias a la locura de argumento que posee. Pero que si nos bebemos un par o tres de esos cócteles, es posible que al día siguiente pensemos eso de: ‘Cabrones. Me han dado garrafón’.

¡Que levante la mano quien nunca se ha reído al ver u oír a Jim Carrey!

Siempre hay el típico mínimo sector que va al revés del mundo. Es algo normal, para gustos, los colores. Pero si trasladáramos esta exclamación a los cerebros de todas las personas del mundo, sería como ver a todos los nazis en un discurso de Hitler.
O como ver el Camp nou el día 29 de noviembre ante el simpático de Gerard Piqué.

La máscara, Ace Ventura, Como Dios, Mentiroso compulsivo… Hay que ver la de minutos que nos ha hechos pasar entre risas el estadounidense.
Pero hay algo de particular en la mayoría de sus películas. Aparte de unas grandes actuaciones del actor- destacando su principal característica, las caras-, en casi todas sus films hay un mini-mini-mensaje principal en la idea, y punto. Nada de temas muy profundos camuflados entre la comedia.

El caso es, que la película dirigida por Peyton Reed tiene un mensaje tan profundo… tan espectacular… que la verdad es que no me dejó indiferente.

Un mensaje que deja al descubierto una herramienta en nuestra vida cotidiana que a veces no valoramos, pero que todos tendríamos que tener presente en nuestras mentes bastante más a menudo. El valor de la amistad, de nuestros seres queridos, de hacer verdaderamente lo que nos apetezca cuando nos apetezca (siempre y cuando no haya contratiempos obligados a atender), y no basarnos en el que dirán, en las modas, o en el ‘no pasa nada, mi amigo está ahí, no le importará que le haga tal cosa’.


Es curioso, que cuando vemos a los actores que interpretarán una película que nos disponemos a ver, y da la casualidad de que por ahí asoma el nombre ‘Jim Carrey’, uno ya tenga dos trabajos en uno:
Visualizar la película, y observar detalladamente al señor Carrey.

Y ante eso, creo que no hace falta que hable sobre si la película es buena –ya ha quedado claro mi punto de vista ante eso, al menos sobre el mensaje-, pero sobre la actuación personal de Carrey, bueno, es muy correcta, pero no tan ‘correcta’ como siempre.
En este sentido mis palabras pueden entenderse erróneamente. Me refiero a que si somos fans del actor y vemos ‘Ace Ventura’, pues nos descojonaremos.
En ‘Di que sí’ también, pero no para llegar a necesitar un pañuelo para quitarnos las lágrimas derramadas. ¿Me explico?

Y aparte de la idea del film, un buen transcurso de escenas –muchas de ellas tan entrañables que nos harán sacar una sonrisa que acabará en risa- y un guión bien elaborado, y en definitiva, una película MUY recomendable para aquellos sosos –o sin quererlo mal amigos- que quieran intentar hacer una reflexión de cómo es sus vidas. Bueno, y para los marchosos –o buenos amigos-, también.

¿Qué decir que no se haya dicho aún positivamente del gran escritor Nicholas Sparks?

¿Y cuántas emociones nos ha hecho sentir el estadounidense?
Risas, emoción, pelos como escarpias, y que probablemente como resultado creará una sensación de angustia que acabará por obligarnos a meter la mano en el bolsillo en busca del pañuelo perdido.

Títulos como ‘Diario de Noa’, ‘Un paseo para recordar’, ‘La última canción’… y la que ahora mismo más me interesa hablar, ‘Mensaje en una botella’.

No he tenido ocasión de leer la novela. Por ‘desgracia’, tenía la película dirigida por Luis Mandoki a mano y opté por pasar directamente a las imágenes y no esperarme unos días para ver las letras.

Pero he sacado un resultado ante todo esto:
Suele pasar, que las novelas superan notablemente a la película. Y si en este caso, la película me ha parecido una delicia, me puedo hacer una idea de como me hubiera quedado al leer de principio a fin la novela.

Quiero hacer un inciso ante esto anteriormente nombrado:
Si visualizamos la película ‘La última canción’ sin haberte leído anteriormente la novela de Sparks, es muy posible que no te quedes con un buen sabor de boca.
Personalmente, la película me pareció un bodorrio -malas actuaciones, mal plano de cámara…- en cambio, la novela la disfruté.

Como decía… delicia de película.
Sinceramente me esperaba una película del royo extremadamente romanticón y quizás un poco al estilo ‘Cuando te encuentre’ –la última película basada en la novela del señor Sparks estrenada en 2012 (o bueno, ‘Cuando te encuentre’ al estilo ‘Mensaje en una botella’)- y abusando de algún que otro tópico.

¡Pero qué equivocado que estaba!
El adjetivo que menos se merece la película es el de típico.
Nada de tópicos. Nada de que si el beso aparece a la escasa media hora. O de ex-maridos que tienen ganas de pelea con el nuevo acompañante de cama de su ex-mujer. O con escenas de sexo bajo la lluvia o en un terrado acompañados por una tranquilidad inusual. Ya saben.

La película se hace extremadamente rápida gracias a un buen transcurso de escenas con unos protagonistas con una vida con detalles muy usuales y cotidianos que nos hacen sentir en la piel de un soso de pueblo, y en la de alguien que el modificado refrán que mejor le pega es el de ‘la curiosidad salvó al gato’, momentáneamente…

Todo este buen transcurso de escenas añadidas a una banda sonora, bueno… correcta, punto; sumadas a un buen plano de cámara (destacar escenas de la costa) donde en ellos observaremos un reparto de actores de lujo.
Un Kevin Costner que no entiendo como pudo ser nominado a peor actor –opino que cuajó una buena actuación-.Una Robin Wright -que hace nada y menos estrenó su última película acompañada por Brad Pitt, Moneyball- bastante metida en su papel.
Y en un papel más de antagonista, quiero destacar al que protagoniza al padre de Kevin Costner, el gran Paul Newman, que opino que bordó su actuación.
Y estas buenas interpretaciones, agregadas a un diálogo impresionante, totalmente elaborado, con un ‘ZASCA’ cada dos frases.
Cómo se nota que el señor Sparks está detrás de todo esto.


En definitiva, una película muy recomendable para aquellos cinéfilos romanticones que quieran visualizar un film de su género favorito en que la clave en ella sea el hecho de que de típica no tenga nada, y además se haga muy entretenida y llevadera.
He aquí mi conclusión final.

Ay Seth MacFarlane… que bueno eres… ¡Mira que se te da bien el hecho de burlarte de las desgracias de tus espectadores o de tus enemigos gracias a ese humor negro tan característico que posees!

Hace ya unos años nos transportabas a la pequeña pantalla la ya popular serie ‘Padre de Familia’. Y como consecuencia, más de uno, dos y tres inocentes criaturas acababan castigadas por el hecho de dedicar su tiempo a escuchar tal diálogo y comentarios obscenos, añadidas a unas escenas demasiado pasadas de tono en todos los aspectos.
Ahora parece ser que haces exactamente lo mismo en la gran pantalla cambiando a Stewie por un ‘adorable’ osito de peluche. ‘Ted’.

He oído casos de niños que han ido a ver dicha película acompañados por sus padres. En estos tiempos de crisis, que muchos se lo piensan dos veces a la hora de acudir a las casas del séptimo arte, se me ocurre una pregunta… ¿Que deben haber pensado los padres de los críos al ver que a los pocos minutos del inicio de la proyección aparece el encantador osito fumando marihuana?
‘Saber que película vas a ver’. Eso sí que tenían que haberlo pensado dos veces…

Se deben haber maldecido por no haber leído la sinopsis o comentarios acerca de la película, y dejarse llevar por las pintas del bonito peluche y la fama del simpático Mark Walberg -cuya interpretación no fue de las mejores que he visualizado. Muy simplona y con poca personalidad, muy forzada vamos…- y de los sentimientos que se mezclarán entre ambos.

Sin embargo, si los padres tuvieron que fugarse en medio –o a principios- de la proyección, está claro que la juventud (desde los 13) habrá quedado enormemente satisfecha con unas escenas y un guión que mayormente se basa en el simple hecho de encontrar la ‘gracia’ que hace ver a un oso ‘guarroso’ soltar chistes verdes y de humor negro – detalles del que abusa mucho el film-, tacos, fumar, esnifar, etc.

Bien hay que decir… que a pesar de que la película en general tenga un humor sin ser demasiado fluido y abusando demasiado del chiste fácil, consta de una buena organización en cuanto al ritmo de escenas y en el argumento en general. Eso sí que hay que reconocerlo. Es decir, la película ni mucho menos se puede calificar como buena, pero se hace bastante llevadera y entretenida dependiendo de la edad.

El público juvenil, mayormente chicos, y el no tan juvenil, refiriéndome a hombres hechos y derechos, generalmente siempre recibirán con los brazos abiertos películas con una trama con disparatadas escenas que llevarán a cabo las perturbadas mentes de los protagonistas del film, en que el espectador podrá sentirse identificado con su propio grupo de amigos y a él mismo.

En este aspecto, hoy en día una película que puede considerarse como clásico, recibe el nombre de ¨American Pie¨, dirigida por Paul Weitz en 1999.
La película causó furores, así que Todd Phillips no quiso ser menos y justo un año después nos estrenó su nueva película ‘Road Trip’.
A Todd le gusta este estilo. De hecho la última película que dirigió se estrenó este mismo año en la cartelera (Proyect X), basándose en más de lo mismo.

‘Road Trip’, aparte de ser la respuesta a la pregunta ‘Una película que sea prototipo ‘American Pie’?’ –lo cual le debe doler al director-, es una película que me pareció muy entretenida gracias a la diversidad de escenas que trascurren una detrás de otra, y divertida de lo tonta que era. Quizás de lo que peca un poco Todd Phillips aparte de cebarse un poco con el tema calenturiento producido por unos planos interesados que dejan a primera vista los pechos de un par de chicas, es de un guión con muchos detalles de humor negro que genera opiniones que irán de un extremo al otro.
Es decir, que para los que tengan la piel fina habrá quejas a modo de respuesta sobre que les ha parecido la película. Quejas producidas por escenas que se burlan de un ratón que posteriormente será entregado como manjar a una serpiente, o de un abuelo que se dedicará a fumar porros, entre otros.

Si lo analizamos con ojo de halcón, lo que me pareció interesante -sinónimo de profundo, por lo tanto sin humor negro- de la cinta, es el hecho de mezclar personajes con diferentes edades – adolescentes y sus padres, incluso abuelos- y personalidades –el ‘guay’ o el pringado-. Cada uno con su rol que da forma a un grupo de jóvenes colgados, además de sus problemas –algunos cotidianos y otros no tanto- pero que en general, a todos nos han pasado en un momento u otro, y en un momento y otro nos daremos por aludidos mientras visualicemos el film.

Y hablando del pringado o el guay, en el puesto de guay está un actor que si no sabes que sale en esta película, tan solo verle la cara en pantalla te descojonarás. Se trata de Seann William Scout, sí señores sí… ¡el mítico Stifler! que no tardó en conseguir un papel después de ‘American Pie’. Actuación que como era de esperar, aprobada con nota. Tampoco es que su personaje tuviera muchos cambios respecto a su anterior película, pero en este caso diríamos eso de ‘lo difícil no es llegar, sino mantenerse’.
Este crack no está solo, está junto un Breckin Meyer que realizó una interpretación correcta además de un personaje que con esa cara (teóricamente la de un trozo de pan) le queda como anillo en el dedo.
El resto de actores –la mayoría no demasiado conocidos- completaron el tema de las interpretaciones, a trompicones. Algunos bastante correctos, sobretodo el de DJ Qualls, actor que sus actuaciones han sido en pequeños papeles, o la de Tom Green, hombre con el que me reí mucho.
Otras que en cambio observé muy forzadas fue la de Amy Smart.


En conclusión, que si no sabes que esta película es la herencia de American Pie, es probable que antes de darle al Play pienses que es otra estúpida película de humor americana, aunque creo que ese pensamiento irá disminuyendo poco a poco gracias a su enriquecedor entretenimiento. Luego es posible que crezca un poco por su humor negro, pero si eres un chaval que ha invitado a sus amigos a pasar la noche en casa viendo una película para reír un rato, es inevitable que acabéis de carcajada en carcajada y una vez finalizada la película recordéis los mejores momentos.

En 1990 llegó a nuestras pantallas televisivas uno de los mejores cómicos que existen en nuestra actualidad cinematográfica y televisiva. Rowan Atkinson, conocido mayormente como el excéntrico Mr. Bean.

En 1995 terminó dicha serie, y dos años más tarde Mr.Bean pasó de la pequeña pantalla, a las salas de cine. ¨Bean, lo último en cine catastrófico¨, dirigida por Mell Smith.

Desde entonces hasta 2003, siempre que hubiéramos querido ver de nuevo a nuestro entrañable personaje, hubiésemos tenido que recurrir a poner en marcha el DVD o a visualizar los capítulos o película por Internet.
¿Algo falla en esta frase? Pues sí, porque en 2003 no volvimos a ver a Bean en la gran pantalla, si no a Johnny English. Un peculiar agente secreto cuya misión será salvar el mundo.

¿Por qué digo esto? Porque creo que hay un gran debate sobre el personaje que interpretó Rowan Atkinson.
Él no se llama Bean, si no Johnny English, por lo tanto Bean no consta en las interpretaciones que lleva a cabo Rowan Atkinson.
Se formulan cuestiones sobre tal decisión. Digamos que los espectadores que acudieron a ver ¨Johnny English¨, y a la vez siendo fans de Mr.Bean, no les supondrá una desgracia ver de nuevo a su personaje favorito (me incluyo), sin embargo creo que no es del todo correcta la idea de hacer un nuevo personaje si las interpretaciones son casi idénticas al sujeto anteriormente nombrado.
Incluso algunos serán capaces de decir: ¨¿Este británico no sabe hacer otro papel?¨


La película dirigida en 2003 por Peter Howitt, el mismo que dirigió ¨Hasta que la ley nos separe¨, se centra en una comedia imitando el género ¨James Bond¨. Detalle que varias veces se ha visto en la historia del cine, aunque si dicha misión es concedida a Rowan Atkinson, la cosa promete.

La película en sí tiene escenas con muy buenos detalles de humor. A parte de la fisonomía y buenas interpretaciones de Atkinson (asociado a Bean como anteriormente ha sido nombrado), unos buenos planos de cámara añadidos a una música con unas subidas y bajadas de volumen acertadas, darán como resultado unos momentos que muy posiblemente harán soltar alguna carcajada al espectador.

La cámara, la música y Atkinson estaban enchufados, sin embargo no todo es de color rosa. Hubieron algunos detalles que no me convencieron demasiado.
Una película de humor que no llega a la hora y media, no puede utilizar un mismo recurso de humor descerebrado tres veces.
Me refiero al hecho del recurso de cometer una confusión de quién es quién por parte de Johnny English hacia un grupo de personas.

Añadiendo algún detalle con una duración de tres segundos que para el espectador queda muy previsible, y en mi opinión, forzado.


En definitiva, una película que creo que la palabra que mejor la define es ¨entretenida¨. Si el espectador hecha de menos a Mr.Bean que no piense lo que algún sector que ni siquiera ha visto la película dice: ¨No hombre, si no es Mr.Bean este, es otro personaje diferente, no tiene nada que ver, veamos otra película¨, porque cometerá un error.

(Lógicamente mi crítica está basada totalmente en la película. Mis opiniones no se referirán a la verdadera historia de Bethany Hamilton)

Sensaciones mágicas son las que sentimos cuando por fin conseguimos formar parte del mundo que desde pequeños soñamos con entrar.
Millones de sensaciones totalmente inesperadas nos llegan cuando ese mundo mágico con el que soñábamos, transforma nuestro mundo real, en una pesadilla.

Este 2012 se ha estrenado en nuestra cartelera la película dirigida por Sean McNamara, basándose en la escalofriante historia real que le sucedió hace nueve años a Bethany Hamilton, interpretada por AnnaSophia Robb.


Cuando oyes a alguien hablar de este filme, mayormente la frase ¨un tiburón le arranca el brazo a una surfista y ella tendrá que ser valiente para seguir ejerciendo su profesión¨, intuitivamente dos ideas claras le vienen a la mente al espectador.
¨Tengo ganas de llorar, vamos a ver este dramón¨, y para los menos sensibles, ¨un tiburón arrancándole el brazo a la chica, ya era hora que se hicieran de nuevo películas de tiburones, hay que ir a verla.¨
Y la verdad, es que así es.

Sin embargo a mí me pareció que la película va bajando cada vez más el listón sobre estas dos ideas fundamentales.

Sobre el tema del drama, yo no la considero una película de drama, en el estricto sentido de la palabra. Al menos sobre las escenas que se llevan a cabo. Tan solo un llanto de nuestra protagonista en 106 minutos.
Se basa muchísimo más en la fuerza de la superación. Que sobre eso también cabe decir que, demasiada superación es lo que se aprecia y muy poco de sentimientos de tristeza o de como encajar el día a día cuando te ocurre una desgracia como esta. No dejan espacio para que el espectador asimile los sentimientos que debería transmitir la perjudicada. Tan solo se basa en las ganas de coger de nuevo la tabla se surf.

Y en cuanto al momento exacto de la desgracia. La verdad es que me parece correcto que le den un plus de intriga al film gracias a los planos de unos metros por debajo del lugar del agua de donde se encuentra nuestra surfista surcando las olas. Recuerda a las míticas escenas que llevó a cabo Spierlberg en ¨Tiburón¨.
Sin embargo da un poco de pena que de casi todos los planos que se llevan a cabo en la película, tan solo el que logra el aprobado sea el plagio de Spielberg. Pienso que los planos son llevados un poco ¨a lo loco¨. Sobretodo los primeros veinte minutos, sin duda. No paran quietos, transmiten nerviosismo sin saber como.

Como decía, intriga. Nunca se sabe cuando saldrá nuestro amigo, hasta que sale. Y la verdad es que a mí personalmente me decepcionó un poco.
Como ya he nombrado antes, es uno de los focos interesantes de la película, aunque ya se sabe que es un punto secundario, pero no obstante se tiene mucho en cuenta inconscientemente.
Y la verdad es que en 106 minutos, el momento de la desgracia y que muchos espectadores esperaban a ver, no llega ni a un minuto de duración.


Si las escenas dicen que no hay llantos, no hay llantos. Pero lo que destaco muy positivamente es el guión que cada uno de los personajes de la película realiza.
Lo veo un guión bien elaborado, del que no aburre en cuando los protagonistas hablan de sus cosas sin importancia.
Este buen guión fue bien interpretado por un Dennis Quaid del que vemos que en su vida siguen apareciéndole animales, como ya pudimos ver en ¨Dragonheart¨ (en este caso dragones) en 1996.
Y una AnnaSophia Robb que ya vimos actuar en ¨Charlie y la fábrica de chocolate¨ que no lo ha hecho mal del todo, le daría un 5 en su actuación en ¨Soul Surfer¨


En definitiva, que tampoco es una película que va a marcar los corazones de los espectadores, aun sabiendo que se basa en una historia real.
Más bien sentiremos momentos de superación y de perseguir los sueños que cada uno tiene en mente, y que quizás nuestros problemas no son tan problemas si los comparamos con los de esta chica.