El director chileno Pablo Larrín, nos presenta en este film, su particular visión de la campaña política que llevó al triunfo a la opción del NO en el plebiscito convocado por Augusto Pinochet en 1988 y que a la postre fue el tiro de gracia que logró derrumbar su dictadura.

Larrín tiene una carrera que va en vertiginoso ascenso y con este film ha cosechado comentarios positivos en diversos festivales en todo el mundo, incluida la nominación al Oscar a mejor película extranjera en el 2012.

El guión del film está basado en la obra de teatro de Antonio Skarmeta. La original trama está repleta de ironía, humor, metáforas y una ingeniosa demostración del poder de la publicidad mercantilista puesta al servicio de una “noble causa”.

Si bien la película peca de simplificar en demasía la compleja realidad política y social chilena de esos años y las heridas que dejó la Dictadura y que continúan abiertas hasta hoy, me parece un interesante aporte al análisis y comprensión de un hecho histórico fundamental de la historia chilena y una valiosa lección de lo que es la “realpolitik”, pero desde una perspectiva moderna y amena, huyendo de dogmatismo.

Y bueno, todos sabemos cómo terminó la historia, ganó el No, Pinochet se fue a su casa con los bolsillos llenos y nunca fue juzgado por sus crímenes, Chile regresó a una seudo democracia tutelada y bipartidista, con el modelo neoliberal dejado por la Dictadura intacto y con los ricos más ricos que nunca y los pobres a la mierda.

Film con un guión muy divertido, repleto de humor negro, locuras, palabrotas, escenas y personajes demenciales, y una pareja protagónica de lujo, Samuel L. Jackson y Robert Carlyle.

La escena inicial ya nos anuncia lo que veremos, con Samuel L. Jackson con un look setentero, con afro, pantalón acampanado y consumo de marihuana incluidos. Luego, Jackson está impresionante con su pinta de tipo duro, pero luciendo todo el tiempo una graciosa falda escocesa. Carlyle por su parte está impecable en su rol de matón de la mafia, fanfarrón, hincha a muerte del Liverpool, y que tiene la suerte de tener de novia a una chica preciosa y letal, la bella Emily Mortimer, una despiadada asesina a sueldo.

En el film veremos además un desfile de personajes estrambóticos, aparte de los tres protagonistas, y así tenemos a un jefe de mafia con el rostro desfigurado interpretado por el gran Meat Loaf, una banda de Boneheads bastante torpes, otro jefe mafioso bastante afeminado y divertido, policías corruptos, a más de correctas dosis de acción, una enredada trama sobre una droga fantástica más poderosa que el LSD, la cocaína y el éxtasis juntos y todo ocurre teniendo como marco la ciudad de Liverpool.

A mí el film me dejo bastante satisfecho, me pareció gracioso, ameno y divertido.

La trama toca un tema tan polémico como es el tráfico de órganos y el debate moral al que se ve sometido el protagonista, sacrificar la vida de un inocente para salvar la vida de su propia hija.

Con semejantes temas el film podía caer en el melodrama, pero felizmente el director islandés Baltasar Kormákur, sabe dotar a su obra de unas interesantes dosis de suspenso y acción, que convierten a la película en un vertiginoso thriller.

Dermot Mulroney cumple en el rol de desesperado padre que ante la situación de vida o muerte de su pequeña hija, viaja a ciudad Juarez, una de las ciudades más peligrosas del mundo por su violencia y delincuencia, buscando contactar a una peligrosa banda de traficantes de órganos. Descubrirá que la realidad es más terrible de lo que aparentaba y que víctimas y victimarios se confunden en ese sórdido submundo.

No puedo dejar de señalar además que siempre es agradable ver a una actriz tan bella como Diane Kruger, aunque su personaje está un poco desaprovechado.

El sorpresivo desenlace, con mensaje moral incluido, es un buen broche final a este interesante thriller.

Film atrevido que se anima a tocar temas tabúes y que cuenta en el rol protagónico con la talentosa Julianne Moore, quien nos brinda una actuación del nivel al que nos tiene acostumbrados, interpretando a Barbara Baekeland, una madre neurótica, confundida y perturbada que mantiene una relación enfermiza con su hijo homosexual.

Las escenas de tensión sexual están muy bien logradas, sin recurrir al morbo fácil ni el sensacionalismo, prefiriendo los juegos, las insinuaciones, mostrando solo lo básico. Sobresale además la estupenda actuación de Eddie Redmayne como el ambiguo hijo.

No es un film fácil, la trama es desconcertante, el ritmo se pierde por momentos, los personajes secundarios entran y salen sin ton ni son y están totalmente desperdiciados.

Pero es una película interesante que nos muestra una perturbadora relación psico-afectiva-sexual entre madre e hijo, que además está basada en hechos reales, y que nos permite disfrutar de las casi perfectas actuaciones de Julianne Moore, sin duda una de las mejores actrices del momento, y de Eddie Redmayne, como el profundo, enfermizo y en el fondo lleno de ira, Tony.

Si no conoces la filmografía del gran Dolph Lundgren, esta es la película por la que deberías comenzar. Es una excelente muestra del típico cine de acción de serie B del musculoso sueco, quien interpreta a un inocente trailero, acusado de un crimen que no cometió, se escapa de la cárcel y comienza una frenética persecución.

Debo destacar la escena del tiroteo en el taller mecánico, una estupenda escena, clásica en su concepción, con el héroe repartiendo plomo con pistolas que nunca se descargan y pueden disparar infinitamente; y, la presencia de la hermosa Kristian Alfonso, que se convertiría en una actriz de culto de las telenovelas norteamericanas tipo Falcon Crest, que luce impresionantemente sexy.

Es una de las mejores películas de Lundgren, fantástica dentro su género, con una muy buena banda sonora, abundante acción, tiroteos, peleas a puños, persecuciones en coche a través del desierto y una pareja protagónica que destila química.

Película que con los años se ha vuelto objeto de culto por parte de hip-hoperos, fans del B-boying, breackeros y nostálgicos del cine ochentero.

La trama es lo de menos, chica de clase media, bailarina de jazz que conoce a dos bailarines callejeros que la inician en los secretos del breackdance, pues lo que todos quieren ver es los famosos pasos de baile de los fantásticos Antonio Quiñonez y Michael Chambers.

Como obra musical representativa de un momento especifico de la cultura pop de la decada de los 80s, la película funciona, además que es imposible no sentir nostalgia al verla.

El film sirvió además para que la cultura callejera del breackdance viva sus 15 minutos de fama en los medios masivos.

Frank Oz es un director conocido por sus comedias repletas de humor negro a las que les ha ido muy bien en taquilla. Con “The Score” se anima a entrar a las turbias aguas del thriller, además que logró reunir a tres actores de culto, cada uno posiblemente el mejor de su generación, nada más y nada menos que a Edward Norton, Robert De Niro y Marlon Brando.

No nos engañemos, el gancho para ver este film, es ver juntos a ese trío de gigantes, a lo que se suma una trama de intriga, muy de la vieja escuela, con ladrones profesionales y con estilo, buscando dar el último y definitivo golpe.

La película cumple, a ratos es entretenida, a ratos la trama se hace pesada, salvándola la presencia de sus tres carismáticas estrellas de lujo.

La actuación de Norton, como siempre impecable, simulando ser una persona con discapacidad. De Niro está a sus anchas como el dueño de un club de jazz que se vuelve refinado ladrón en las noches. La película tiene además el añadido especial de ser el último film en que apareció Marlon Brando. Cuentan las malas lenguas que Brando aceptó aparecer en este film solo por el pedido especial que le hizo De Niro y se negó a aceptar órdenes de Oz.

“The Score” es un aceptable thriller, con ladrones con estilo, hackers nerds, una valiosísima antigüedad objeto del deseo, giro en el guión al final como mandan los cánones y buenas interpretaciones.

Pero no es el film que esos tres actores merecían.

El film arranca bien desde los créditos iniciales, al sonar de fondo un tema del inmortal Marvin Gaye, para luego mostrarnos una impactante escena, en que se pone a prueba el valor de un chico de 12 años, quien debe ejecutar a un soplón que delató a su padre.

La historia se desarrolla amenamente, con un argumento pensado más bien desde la óptica de la amistad y los valores entre ese grupo de jóvenes hijos de mafiosos que quieren demostrar su valor y hombría, aceptando el reto de cumplir con la misión de trasladar un maletín con medio millón de dólares. Las cosas se complican cuando pierdan el maletín y deban viajar a un pueblo de paletos para recuperar el dinero.

Las escenas tienen muy buen ritmo y por supuesto hay momentos de tensión y violencia, destacando las escenas del aeropuerto, la de la taberna y ese impactante final tarantiniano.

El film cuenta además con un competente reparto, teniendo en los roles principales a Barry Pepper y a Vin Diesel que brilla con luz propia sobre todo en la escena de la pelea de la taberna y sus famosas líneas sobre las “500 peleas”, con un Seth Green siempre correcto y dos secundarios de lujo, Dennis Hooper y John Malkovich.

Es un thriller correcto, no pasará a la historia del cine de gangsters, pero es entretenida, narrada de forma ágil y con algunas escenas bien logradas. Vale la pena.

El director Baz Luhrmann quiso rendir homenaje a su bello país, Australia, con este film que suma elementos del melodrama, el cine de aventuras, el género bélico y del más clásico drama romántico.

Luhrman logró reunir en el reparto a varias de las actuales estrellas de cine más famosas salidas del país de los canguros: Hugh Jackman, que para deleite de las damas aparece en poses rudas y descamisado en varias escenas, la bella y encantadora Nicole Kidman, el veterano actor de reparto Bryan Brown y un actor en ascenso de la talla de David Wenhan.

La película goza además de una fotografía impecable que se luce al mostrarnos los bellos paisajes australianos o las efectivas escenas bélicas.

El film está además muy influenciado por el cine de la edad dorada de Hollywood, para bien y para mal, tiene escenas conmovedoras y momentos épicos, muestra respeto por la cultura aborigen australiana y la pareja Jackman-Kidman funciona muy bien pues hay química entre ellos.

La trama no es redonda, tiene sus topicazos y sus casi tres horas de duración le pueden parecer excesivas a algunos, aparte de que hay momentos un poco aburridos sobre todo al inicio, pero será por su trama clásica, por su épica narrativa, por las bellas tomas del paisaje australiano, la historia del niño aborigen y su abuelo místico, el drama amoroso con una Kidman encantadora o la escena del despiadado bombardeo japonés, pero a mí el film me ha parecido más que bueno y lo recomiendo sin dudarlo.

Navegando por internet di con esta “Kiss me again”, cuya sinopsis y portada me engancharon enseguida.

La película te ofrece una trama sobre un joven matrimonio norteamericano, muy modernos y tal, que deciden ponerle un poco de pimienta a su vida sexual invitando a su cama a una sexy chica europea, una española para ser más precisos, con las obvias consecuencias, la esposa terminará enganchándose más de lo que el esposo hubiera deseado, a la guapa y decidida chica española.

Desgraciadamente la película tiene todo el aire de un telefilm, incluso en las escenas eróticas, que resultan pudorosas y frías, limitándose todo a unas cuantas caricias y besuqueos, con la ropa puesta, por parte de las calenturientas chicas.

Así que los que esperen un buen y tórrido drama no se verán del todo decepcionados, pues la trama es amena y se deja ver y las actuaciones, sobre todo de las dos chicas, son bastante decentes, pero los que engatusados por la portada o por la sinopsis, esperen ver un picante drama-erótico con unas cuantas escenas de sexo, en versión trío o lésbico, sí terminarán bastante decepcionados pues de eso hay poco.

Y bueno, la moraleja de la historia es: nunca hagas un trío con tu esposa y una chica muy sexy, pues las cosa pueden resultarte muy pero muy mal.

Luego del éxito que Tom Hooper alcanzó con “El discurso del Rey”, se animó a encarar un proyecto fílmico mucho más ambicioso. Nada más y nada menos que llevar al cine el famoso musical “Los Miserables” escrito por Alain Boublil con la música original de Claude Michael Schonberg, y que había sido un éxito en los teatros de todo el mundo desde 1980.

Para su film, Hooper cuenta con un elenco de primera, destacando Hugh Jackman como Jean Valjean, quien sorprende con el registro de su voz y su capacidad como tenor. Pero la mayor sorpresa del film sin duda es la brillante actuación de Anne Hathaway, conmovedora en su papel de Fantine, la dulce obrera a la que el destino lleva a los infiernos de la pobreza y la degradación. Russell Crowe, por el contrario, me parece uno de los más flojos, básicamente porque está muy lejos de ser un buen barítono. Helena Bonhan y Sacha Baron Cohen, te dejan sin palabras, como los malvados esposos Thenardiers.

Como el guión está basado en un musical fantástico que a su vez está basado en una de las joyas inmortales de la Literatura Universal, en ese aspecto no podía haber fallos.

Sin embargo creo, siendo sinceros, que Hooper desperdició la oportunidad de rodar el mejor film musical de la historia. No me mal interpreten, el film tiene escenas increíbles, momentos que te ponen los vellos de punta, escenas majestuosas y muy conmovedoras, pero también hay momentos pesados, tomas en primer plano largas y tediosas, relaciones que no cuajan para nada, por ejemplo la pareja de Marius y Cossette es poco creíble y la escena del jardín cae en el ridículo.

Pero una versión de Los Miserables siempre es un aliento para el espíritu. Quien no siente el deseo de enarbolar una bandera roja y luchar junto a Marius y Enjolras en las barricadas en contra de la injusticia, el hambre y las miserias de este mudo o no sentirse conmovido ante los firmes principios y espiritu de sacrificio de Valjean o la muerte de Gavroche? Y en ese aspecto, la esencia de la obra, Hooper logra una película estupenda, que no dejó indiferente a nadie y al salir del cine todos sentimos que hemos visto un film conmovedor, profundo y fiel retrato del espíritu humano.

Steven Spielberg nunca dejará de sorprendernos. En esta película, muy alejada de sus proyectos más pop, nos brinda una visión profunda, fielmente histórica y de una extraordinaria calidad fílmica del último año de gobierno, y de vida, de uno de los estadistas más grandes que han gobernado EEUU, el gran Abraham Lincoln.

La trama se aleja de la típica Biopic y más bien se centra en la incansable lucha que libró el Presidente norteamericano para lograr que el Congreso de la Unión apruebe la decimotercera enmienda a la Constitución que prohíba la esclavitud en su país, una de las causas fundamentales que habían desencadenado la guerra civil.

Spielberg dirige el film con sobriedad, brillantez y calidad, ayudado por la actuación simplemente inconmensurable de Daniel Day-Lewis, no podíamos esperar menos de un actor de su genialidad, quien da vida a un Lincoln profundo, digno, con una talla histórica de titán más allá de sus fallas como ser humano. Aparecen además una serie de secundarios de lujo, encabezados por Tommy Lee Jones, fantástico como Thaddeus Stevens, el legendario líder parlamentario del ala izquierda del Partido Republicano, y otros actores de la talla de James Spader, Joseph Gordon-Levitt o la inolvidable Sally Field.

El film peca de extensos diálogos, tiene escenas que podrían haber sido recortadas y por lo tanto el metraje le puede resultar pesado a algunos, pero ya sea por ver las actuaciones de Lewis y de Jones o por ver las magnificas escenas de los debates en el salón del Congreso y la estupenda lección de lo que es la real politik, el film ya vale la pena.

Qué buen telefilm, a pesar de su modesto presupuesto tiene un nivel muy superior al de muchas películas estrenadas en cine actualmente, con una trama muy bien desarrollada y basada en hechos reales.

El periodista Antonio Salas logra infiltrarse en una célula del movimiento skinhead madrileño, descubriendo los vínculos de estos grupos violentos con las barras bravas de los equipos de futbol y, esto lo más peligroso, como sirven de peones para sus verdaderos amos, los grupos de poder económico y político de derechas y el crimen organizado.

El director Jacobo Rispa logra dotar al film de una buena dosis de suspenso y desarrolla de una manera muy agradable la trama, por lo que te engancha apenas comenzar.

El film tiene fallas por supuesto, y las actuaciones no son para lanzar cohetes, salvo a Fernando Cayo y Macarena Gómez que interpretan a dos hermanos skins que son dueños de la librería Hispania, sus actuaciones son magníficas.

Pero a mí la película me ha dejado más que satisfecho, ha superado con creces mis expectativas, pues es una visión valiente, cruda y realista y la recomiendo sinceramente a quienes estén interesados en películas de denuncia sobre el movimiento neonazi.

El amor tiene su lado oscuro y ninguna relación de pareja, mucho menos un matrimonio, está libre de la tentación de la traición. La directora Massy Tadjeni, partiendo de un guión escrito por ella misma, desarrolla una interesante trama de tentaciones, celos, deseos escondidos, secretos y mentiras en las que se ven envueltos los cuatro personajes protagónicos.

El estilo de Tadjeny es lento, melancólico, pretendidamente profundo y post moderno y se anima a mostrarnos un aspecto difícil de las relaciones amorosas desde un punto de vista audaz, y aunque le reconozco escenas brillantes y no le discuto su talento, a veces cae en la autocomplacencia y algunas escenas son francamente aburridas.

Keira Knightley está demasiado delgada pero cumple muy bien en su rol de esposa celosa y tentada a caer en las garras de la infidelidad. Por el contrario es una pena que Eva Mendes esté un poco desperdiciada como actriz y como sex simbol.

Y aunque el film cae en el cliché de que los hombres somos infieles porque buscamos sexo y las mujeres caen en la infidelidad “por amor”, los momentos de tensión sexual están bien logrados, despertando el interés por saber si la pareja de casados, cederán a sus deseos más profundos y prohibidos y el final abierto quedó estupendo.

“Soy feliz con mi esposa, pero eso no impide que sea tentado” dice Sam Worthington a Eva Mendes en una escena, y creo que esa es la esencia del film, la extraña paradoja que encierra que el ser humano desea encontrar el amor y tener una pareja estable, pero el día que la tiene puede estar dispuesto a traicionarla y destruir su supuesta felicidad.

Y en su finalidad de mostrarnos ese aspecto tan humano de nuestra imperfecta existencia el film cumple muy bien.

Interesante film del Santo, que forma una especie de díptico con “Operación 67”, pues ambas fueron rodadas de forma simultánea y comparten el mismo director, una trama muy parecida y casi el mismo elenco.

Otro dato curioso es que “El tesoro de Moctezuma” es de los primeros filmes del Enmascarado de Plata rodados a color, además nuestro héroe da el salto hacia la sofisticación, dejando de lado su clásica vestimenta de capa plateada, pasando a los trajes sastre y manejando un deportivo descapotable lleno de artilugios, al mejor estilo James Bond.

Dirige el film Eduardo Cardona, con la colaboración de su hijo, dotando a la trama de los típicos elementos del cine de espías que tanto gustaba a este director. En cierto modo el Santo cede protagonismo a favor de un joven Jorge Rivero, en el papel de agente internacional y luchador de wrestling, acompañado de jóvenes y bellas actrices como Amade Chabot y Maura Monti. La escenificación se anima y recorre el mundo pues aparecen Acapulco, Hong Kong y San Francisco.

Un film simpático, bastante agradable de ver, a lo que contribuye la química que indudablemente hay entre Rivero y el Santo, las escenas de acción, las buenas dosis de humor y la tan imprescindible trama sicotrónica.

Remake del film clásico de 1968 que fue interpretado por los inolvidables Lucille Ball y Henry Fonda. La trama es idéntica pero sin la chispa de la original.

Dennis Quaid y Rene Russo hacen lo que pueden y de los niños mejor ni hablar, cada uno más ñoño que el otro. Sin embargo estamos ante un film que maneja un humor sano, casi infantil, repleto de gags inocentones, que logrará sacarte algunas sonrisas y que es ideal para ver en familia, un domingo en la tarde luego de almorzar.

Aunque claro yo te recomendaría más bien que veas la película original.

Thriller canadiense con buenas intenciones, una trama medianamente interesante y una ambientación novedosa pues todo sucede en la Siria gobernada con mano dura por la familia Al-Assad.

Lo más destacable son las conseguidas caracterizaciones de los tres actores principales: Joshua Jackson, famoso por su participación en Dawnsons Creek y que ha tenido una carrera con altibajos, pero que aquí, lo admito, no lo hace nada mal como un joven funcionario de la embajada canadiense en Damasco e inmiscuido, más de lo que admite, en la misteriosa desaparición de la hija del ex agente secreto sirio, interpretado convincentemente por Alexander Siddig, el mejor de todos, y cuya indiscutible capacidad histriónica provee de cierta tensión a un guión que hace agua por momentos. Marisa Tomei es la guinda del pastel, una actriz bella y talentosa, que aquí hace el papel de ex agente secreta y perdidamente enamorada de Siddig.

Por lo demás el film cumple, sin ser ninguna maravilla, aunque al guión le falta mucho para lograr ser un thriller que trascienda, destacando por la ambientación en la peligrosa Siria y las correctas actuaciones de sus protagonistas.

Dentro de la moda de Hollywood de realizar versiones fílmicas de las series clásicas de TV, en 2003 nos llegó esta película dirigida por Clark Johnson y que cuenta con un reparto llamativo conformado por el siempre efectivo Samuel L. Jackson, como el líder del equipo, Colin Farrell, una de cal y una arena, Michelle Rodriguez, siempre en el mismo papel de tipa ruda y Oliver Martínez haciendo de gangster francés.

El punto débil del film es su poco elaborado guión. Se salva por las correctas escenas de acción y una banda sonora que a mí en lo personal me pareció muy buena, una estupenda combinación de temas de rock y rap y por supuesto el infaltable tema clásico de la serie de Barry de Vorzon.

Es una mala película? Pues no, y aunque no le rinde el tributo que la serie de TV se merece, es un aceptable film de acción policiaca que puede servir para matar una tarde aburrida.

Y bueno, para los fans de la serie advertirles que quizás los anime a ver esta película el hecho de que hay un cameo de Steve Forrest y Rod Perry.

Quien no ha estado profundamente enamorado de una amiga y sin embargo ha tenido miedo de admitirlo o de decirlo?

Este film es una simpática y agradable comedia romántica, con más profundidad que la mayoría de sus compañeras de género, gracias al buen guión elaborado por el propio David Nicholls quien adaptó su exitosa novela y al talento de la reconocida directora danesa Lone Sherfing.

El film tiene romanticismo, drama, comedia y nos muestra de una manera original la historia de amor de una pareja cuyos sentimientos perviven a pesar del paso de los años y las tragicómicas vicisitudes de la vida.

Es solo una típica historia de “amistad que se vuelve amor”, la conocida trama de amigos que con el paso del tiempo descubren que en realidad están perdidamente enamorados? Pues sí y no, pues la historia es mucho más que eso, mucho más compleja, donde la felicidad y el dolor se comparten a dosis iguales y la terrible tragedia está siempre aguardando, fiel retrato de lo que pasa en la vida real.

Anne Hathaway (Emma) está impresionante en su rol, bella y encantadora, su personaje te enamora de inmediato y Jim Sturgess (Dexter) nos demuestra que tiene indiscutibles cualidades como actor dramático. Su historia de amor-amistad, encuentro-desencuentro, de la que somos testigos siempre el mismo día a lo largo de casi 20 años, es una historia profundamente humana y tierna.

“One Day” es una interesante película sobre el amor, pero de una manera inteligente y adulta, que recomiendo sinceramente.

Con esta película, el respetado director Wayme Kramer pone el dedo en la llaga en el tema de la inmigración ilegal a USA, un país que exige a todo el mundo la libre circulación de sus capitales y de sus compañías pero se opone violentamente a la libre circulación de las personas y ha llegado a los extremos de levantar un muro en su frontera con México, una zona caliente donde todos los años mueren cientos de humildes inmigrantes ilegales al intentar cruzar esa frontera.

La trama nos muestra la desesperación y los extremos a los que están dispuestos los ilegales de diversos países y distintas clases sociales que viven en EEUU. Desde la humilde obrera mexicana hasta la sexy aspirante a actriz australiana, pasando por un músico israelí, una adolescente musulmana o una rebelde chica iraní.

Se nos muestra además la otra cara de la moneda, los abusos de los casi omnipotentes burócratas encargados de otorgar la anhelada green card o los policías de migración que tratan como delincuentes a los inmigrantes, sobre todo si son pobres, de piel oscura o profesan ideas “peligrosas”.

La trama utiliza muy bien el recurso de las historias entrecruzadas, algo ya visto en filmes estupendos como 21 gramos, Crash o Amores Perros. La historia que más impacta es la de la chica musulmana, una adolescente que es perseguida, sus derechos pisoteados y finalmente expulsada por el solo “delito” de pensar distinto.

En el reparto tenemos a Harrison Ford que cumple en su papel de veterano policía de noble corazón pero decepcionado y hastiado de su sucio trabajo, y la subtrama que más me gustó es la que protagonizan Ray Liota, muy bien en su rol de aprovechador burócrata y la sexy y bella Alice Eve, una mujer preciosa que hasta nos regala un par de escenas eróticas. No puedo dejar de señalar la escena en que la rubia Alice le enrostra al regordete Ray el mayor desprecio que una mujer puede hacer a un hombre.

Por supuesto todas las historias confluirán en un gran final, con unas que terminan bien y otras mal, con justicia e injusticias, pero dejando un muy buen sabor de boca.

Una película muy buena y absolutamente recomendable.

Rodrigo Borgia, Papa Alelandro VI, y sus hijos César. Lucrecia, Iofre y Juan, Los Borgia, no han dejado ni dejarán de levantar polémica a lo largo de los siglos.

Los escritores actuales se dividen en dos bandos al parecer irreconciliables, un sector mayoritario señala a la famosa familia española como unos maquiavélicos criminales de cuidado; otros, minoritarios por cierto, han creado un movimiento revisionista que pretende ver solo las virtudes de ese clan, que por cierto sí tuvieron, y minimizar los vicios y crímenes por ellos cometidos.

Esta película dirigida por Antonio Hernández al parecer pretende colocarse en un punto medio. Aunque la trama es confusa, el guión es uno de los puntos débiles del film, nos muestra más o menos la despiadada carrera de Rodrigo y su hijo César, dos tipos que carecían de cualquier escrúpulo para alcanzar sus fines políticos. Por el contrario, Lucrecia, es retratada como una tierna chica, aniñada y manipulada por sus dos terribles padre y hermano, muy alejada de la imagen de mujer lujuriosa y despiadada de la que nos hablan algunos historiadores.

El film es una obra menor, las actuaciones no pasan de la media, la trama no profundiza en nada y el desarrollo de los personajes es pobre. Pero debo destacar que el film tiene algunos aspectos muy interesantes, por ejemplo el vestuario es estupendo y estuvo a cargo de Luciano Capocci, la música arropa muy bien las escenas y a pesar de los escasos medios se logró una producción decente, dentro de su modestia por supuesto, y sobre todo creíble.

Paz Vega en el rol de Caterina Sforza es la actriz que más destaca por su carisma, a pesar de su corta intervención. Por el contrario Lluis Homar, como el Papa o Sergio Peris, como César, no dan para nada la talla para interpretar a tan complejos e intensos personajes.

Un film interesante, modesto pero se deja ver, que se suma a la filmografía sobre la famosa familia, donde sigue destacando la estupenda y polémica miniserie The Borgia, producida por la BBC.

Por supuesto que esta precuela está muy por debajo de la genial película original filmada por Brian De Palma y aunque su director Michael Scott Bregman logra un aceptable nivel de tensión en la trama ha preferido un desarrollo light, el final no podía ser más edulcorado, dejando de lado lo Noir, la violencia y mala leche necesarias e indispensables en toda buena película de gángsters.

Estamos ante un film que de todos modos tiene aspectos muy positivos, por ejemplo su estupenda banda sonora y su buena ambientación de las duras, pobres y peligrosas calles de los barrios marginales de New York a finales de los 60s, con sus bandas de negros, italianos y portorriqueños disputándose el tráfico de Heroína.

El elenco está en su mayoría formado por actores que no le ponen carácter a sus personajes, Jay Hernandez por ejemplo te cae bien enseguida con su cara de buen tipo pero es poco creíble como un despiadado líder de traficantes.

En lo positivo debo resaltar que la trama es amena, por momentos incluso alcanza un buen nivel y hasta se anima con un mensaje humanista de redención y de lucha contra los prejuicios raciales. En el reparto destaca Mario Van Peebles, como el traficante negro Earl y la siempre agradable presencia de un actor del carisma de Luis Guzmán que incluso aporta crueles dosis de humor negro al film.

No puedo dejar de destacar la exótica belleza de Jaclyn DeSantis, que hasta nos regala una escena de cama en la que podremos disfrutar de su hermoso cuerpo.

Un disfrutable film, que prefiero tomarlo como una obra que no tiene nada que ver con la de De Palma, de pura serie B pero con una aceptable producción, con una trama interesante pero moderada, a la que le hubiera quedado muy bien elevar las dosis de violencia y de tensión.

Película de piratas de serie B dirigida por Sidney Salkow que en la década de los 50s rodó un buen puñado de filmes de este género para Columbia.

El film narra las aventuras del capitán Kit Gerardo, interpretado por el legendario actor Sterling Hayden, un pirata francés que realiza sus correrías en el mar Caribe y se ve envuelto en las luchas entre las potencias del siglo XVII, España, Francia e Inglaterra. A destacar la presencia de la talentosa y bella actriz Rhonda Fleming, estupenda en su papel de la intrépida capitana Rouge y que es quien le mete chispa y carisma al film.

El director reforzó el metraje con escenas de batallas tomadas de otros filmes, no olvidemos que estamos ante un film de bajo presupuesto, y logra un juego de despistes pues varios de los personajes no son lo que parecen ser y tendremos hasta una sorpresa al final.

La película tiene varias falencias, la principal las modestas escenas de acción debido a su modesto presupuesto, pero no es pesada ni aburrida en ningún momento, si te gusta este género claro.

Es pues una amena película de serie B que te recomiendo solo si eres fan incondicional o coleccionista del género de aventuras o de filmes de piratas.

George Sanders fue un legendario actor británico de la edad de oro del cine clásico, cuya vida pública y privada hasta su trágico final y los personajes que interpretó en el mundo del séptimo arte, darían para escribir una fascinante biografía.

Sanders, no lo olvidemos, ganó el Oscar al mejor actor de reparto e interpretó convincentemente roles arquetípicos del caballero elegante, audaz y de mundo, siendo perfecto en papeles como El Santo, Falcon, de espía o de aristócrata inglés.

En “Aventura en Arabia”, un film menor pero con encanto, Sanders es un intrépido periodista norteamericano que de paso por Damasco descubre una enmarañada conspiración nazi que busca lograr que las tribus árabes se unan al Tercer Reich y se subleven contra los aliados.

El film es ameno y posee correctas dosis de acción, humor e intriga, con el siempre agradable marco de los juegos de espías durante la segunda guerra mundial y la ambientación del oriente medio.

Dolph Lundgren nos demuestra con este film que tiene más talento que el que siempre se le ha reconocido. “Ataque terrorista” es una singular película co-escrita, dirigida y protagonizada por el gigantón y musculoso actor sueco. Y el resultado es un film de acción, al estilo de la vieja escuela, de serie B, pero muy entretenido y de una correcta factura.

El bueno de Dolph está en buena forma, a pesar de sus 52 años, y aquí interpreta a un rudo baterista de Rock, que durante un concierto benéfico en Moscú, quedará atrapado en medio del secuestro al Presidente de Rusia, sus dos hijas adolescentes -una de ellas interpretada por Ida la hija de Lundgren- y la estrella de Pop de nombre Venus.

La película, a pesar de ser un modesto producto editado directamente a DVD, tiene buenas escenas de acción, un gore efectivo, dosis de humor y la presencia de Melissa Ann Smith, interpretando muy bien a Venus y aportando gracia y belleza al film.

Uno de los mejores filmes de Lundgren, se nota que está contento y a sus anchas haciendo este trabajo. Me ha parecido una película más que interesante y muy recomendable para los fans del sueco y para los fans del cine de acción de serie B.