Duro e intenso drama que representa una de las grandes obras, aunque quizá no tan conocida, del movimiento cinematográfico Nouvelle Vague. No apuesta tanto por la experimentación visual como por ejemplo lo hacían ¨Al final de la escapada¨ de Godard, o la ópera prima del propio Malle ¨Zazie en el metro¨; ésta recurre a una historia y una forma de narrar más lineal.
¨El fuego fatuo¨ nos cuenta la historia de un hombre alcohólico en rehabilitación y su imposibilidad de reinsertarse en la sociedad y vivir su vida. Todo lo que antes tenía sentido para él ahora carece completamente, y por mucho que lo intente no puede volver a encontrárselo. Es algo que ha perdido y no volverá jamás.
A pesar de que el tratamiento por parte de Malle a la historia, intimista, sea más cercano a cineastas como Antonioni, hay en algunas escenas un tipo de montaje característico de la Nouvelle Vague donde se rompe el tiempo y el espacio. Y en el caso de ¨El fuego fatuo¨ resulta hasta apropiado para la historia, demostrando Malle que lo intimista y lo experimental pueden conjugar bien, sin desentonar en absoluto. Gracias a estas técnicas de dirección, al uso del blanco y negro y la gran expresividad actoral se crea una atmósfera oprimente, agobiante que dan credibilidad y fuerza.
¨El fuego fatuo¨ es una de esas películas en las que uno se introduce de lleno y no puede dejar hasta su tremendo final. Esta obra de Malle es tan abrumadora como excepcional. Muy recomendable.

Bajón de calidad por parte del prometedor cineasta rumano Cristi Puiu tras su notable debut ¨La muerte del señor Lazarescu¨. Es una pena que lo que consiguió con su anterior película no se vea reflejado en esta ¨Aurora, un asesino muy común¨ aunque, con todo, tampoco es una película desechable.
Con un estilo realista cercano a Robert Bresson, incluso al Jaime Rosales de ¨Las horas del día¨, Puiu nos retrata a un hombre desolado, solitario, que comienza a matar sin razón aparente. No tendremos respuestas del porqué de sus actos hasta casi el final de la película, aunque durante su desarrollo se nos irán intuyendo. Una historia poderosa, terrible y con un mensaje muy claro: a veces los asesinos son creados por la propia sociedad.
El problema de ¨Aurora, un asesino muy común¨ es que dura innecesariamente 3 horas y a pesar de que no llega a aburrir termina haciéndose lenta, muy lenta. Ese es el inconveniente del realismo, que a veces juega malas pasadas si no se utiliza correctamente. Y eso que Puiu en ¨La muerte del señor Lazarescu¨ lo había hecho muy eficazmente. Sin riesgo a exagerar, a la película le sobra por lo menos una hora de metraje. Hay escenas impecables, pero otras alargadas en demasía.
Cristi Puiu es un cineasta que tiene talento y cosas que contar y criticar, lo ha demostrado con los dos largometrajes que ha hecho hasta ahora. Pero espero que su tercera obra se acerque más a su debut que a esta regular ¨Aurora, un asesino muy común¨.

Cuarto largometraje de Jaime Rosales, que a pesar de sus virtudes el resultado final es bastante irregular. Prefiero ¨Sueño y silencio¨ antes que ¨Las horas del día¨ y sobre todo la sobrevalorada y tediosa ¨La soledad¨, pero dista de ser una buena película.
El planteamiento me recuerda a la notable y melancólica ¨La habitación del hijo¨ de Nanni Moretti: la pérdida de un ser querido y cómo la familia debe superar tan doloroso hecho. La diferencia es que Moretti se esforzaba por narrar la historia de una forma cercana al espectador, por sus personajes, sus diálogos y ya en la parte técnica por su estilo visual. Y el estilo de Rosales, por el contrario, no logra implicar emocionalmente.
¨Sueño y silencio¨ está excelentemente fotografiada en blanco y negro, con algunas tomas y sutiles travellings que remiten al mejor cine europeo de autor. El problema reside principalmente en los diálogos. Tanto empeño por hacer que suenen naturales que a ratos acaban siendo superficiales, sin interés. Tampoco entiendo la elección de actores no profesionales porque salvo la protagonista, Yolanda Galocha, y quienes interpretan a los abuelos, el resto apenas convencen.
Hay escenas muy acertadas (la madre y el padre en el parque, ¨buscando¨ a su hija fallecida), al igual que algunas metáforas visuales. Rosales sabe cómo crear una atmósfera adecuada para lo que está contando, pero no es suficiente si el guión falla en todo lo anteriormente comentado y algunos de los actores no están bien elegidos. ¨Sueño y silencio¨ es estéticamente poderosa pero el conjunto deja esa incómoda sensación de haberse quedado a medias. Y más aún cuando la historia original es tan atractiva como trágica.

Estimable debut en la dirección de Rúnar Rúnarsson, autor de cortometrajes como ¨Two Birds¨ o el demoledor ¨The Last Farm¨. Ambos tuvieron excelente acogida en su paso por diversos festivales de cine y su ópera prima ¨Volcano¨ lo mismo, llegando a ser preseleccionada por Islandia para los Oscar.
Está claro que con esos preliminares, uno se sienta con curiosidad y expectación a ver ¨Volcano¨ para comprobar si su éxito está o no justificado. Por suerte, lo está. Rúnarsson nos ofrece un drama familiar, intimista, que evita caer en tópicos y que está muy bien contado. A eso también ayuda la solvencia de prácticamente todo el reparto, especialmente la de su protagonista Theodór Júlíusson. Un actor tan poco conocido (al menos para el público internacional) como extraordinario y que no ya con cada palabra, sino también con cada gesto, cada expresión, transmite una barbaridad. La simbología visual, sencilla de comprender y al mismo tiempo incluso original, juega también una parte importante en la historia.
¨Volcano¨ es en líneas generales un drama muy humano que, sin caer en sensiblerías facilonas y baratas, presenta una visión inquietante y melancólica de la vejez. A pesar de pecar de cierta monotonía en algunos momentos del metraje, termina sorprendiendo y abrumando. Deja una sensación interior que permanece con el tiempo, y eso no es nada fácil de conseguir.

Cine de autor plomizo y pedante. ¨Silent Souls¨ es una película que apenas llega a la hora y cuarto de duración, pero tranquilamente parece que es por lo menos media hora más larga. Con un argumento tan melancólico podría haberse logrado un film profundo y conmovedor. Lástima que no haya caído con en las manos adecuadas.
Su fotografía, movimientos de cámara, la voz en over del personaje principal, etc. todo el apartado técnico está realizado al más puro estilo del cine independiente y de autor europeo. Su director Aleksei Fedorchenko rueda cada plano como si estuviera creando una gran obra autoral, destinada a un público minoritario, culto, y olvida todo lo demás. Principalmente la coherencia de la historia, pues trata de darle un toque poético que termina siendo confuso y con una resolución final tan abrupta que no solo deja a cuadros, sino que también llega a dar un poco de risa.
Incomprensibles sus premios, lo que demuestra que hay que fiarse lo justo de los festivales de cine. Una película que no recomendaría a nadie.

Aceptable alegato antibelicista basado en la novela homónima de Hemingway. La novela original es bastante autobiográfica (el autor condujo ambulancias durante la Primera Guerra Mundial en Italia, conoció a su futura mujer...), por lo que los hechos mostrados son totalmente creíbles, realistas.
Sin embargo, un problema que tiene esta adaptación es que a día de hoy ha quedado algo obsoleta. A pesar de que en su momento fuese más impactante, ciertamente ha envejecido un poco mal. Esto se demuestra viendo, por ejemplo, el premio Oscar que en su día le dieron a mejor fotografía: las escenas diurnas están correctamente fotografiadas, pero las nocturnas poseen un claroscuro a ratos deficiente que hace que la visión sea dificultosa y poco clara. Es también demasiado rápido el desarrollo de los dos personajes protagonistas, algo en lo que debería haberse empleado más tiempo.
Son éstas principalmente las carencias que afectan a ¨Adiós a las armas¨, pero a pesar de todo no es una insuficiente adaptación de Hemingway. Es una película con buen ritmo, que nunca aburre y que hace seguir con interés las peripecias de los protagonistas. Llama la atención sobre todo, en algunas de las escenas nocturnas de la guerra, los parecidos más que razonables con el archiconocido ¨Guernica¨ de Picasso, pintado cinco años despúes de la realización de ¨Adiós a las armas¨.
Sin ser maravillosa se deja ver y oír muy bien, algo a lo que ayuda la más que notable labor actoral.

Aberrante engendro propagandístico proyanki y anticomunista a todos sus niveles. Es para reírse, por no llorar, lo que John Milius perpetró en los años 80, cuando a la Unión Soviética le quedaban dos telediarios por el absoluto desastre que fue.
Una sátira a lo ¨¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú¨ o ¨Uno, dos, tres¨ podría haber tenido su miga. Pero que ¨Amanecer rojo¨ sea concebida como una película seria, con tono dramático, es para arrancarse los pelos uno a uno. Los hilarantes textos iniciales ya le dan una idea al espectador de la castaña que va a tragarse: la OTAN ha desaparecido de la noche a la mañana, México ha vivido una (otra) revolución y se ha convertido en un estado comunista de la noche a la mañana, El Salvador y Honduras son países que también han desaparecido de la noche a la mañana, etc. etc. en resumen, un cúmulo de despropósitos que son imposibles de tomar en serio. Y así son los plomizos 110 minutos restantes de este bodrio.
El objetivo del film es que cualquier americano, y más si es joven, odie todo lo que tenga que ver con el comunismo. Todo es exagerado, extremadamente ridículo, surrealista, pasado de vueltas... una terrible e inenarrable gilipollez, vamos. Y el colmo de los colmos es que ni siquiera es una película entretenida, sino que aburre a las piedras. Lo único destacable es su decente banda sonora y su buen y llamativo reparto. El resto, especialmente su guión, es para cogerlo y echarlo a una hoguera.
En fin, que los filmes propagándisticos de la Unión Soviética (los de Eisenstein, por ejemplo) eran mucho más elegantes y con una técnica infinitamente superior a este esperpento cinematográfico.

Tras la huella que Terry George y Jim Sheridan dejaron con la impactante ¨En el nombre del padre¨, con ¨The Boxer¨ crean otra historia con el IRA de fondo. Un conflicto armado que a día de hoy y después de tanto tiempo, sigue sin resolverse.
El sello de ambos se nota en esta película, especialmente en el retrato de ambientes, los personajes y su compromiso con la realidad. No hay nada oportunista ni gratuito durante sus casi dos horas de metraje, en ese sentido es muy pulcra y cuidadosa, a diferencia de pretenciosidades actuales como ¨Tan fuerte, tan cerca¨, que trataba el conflicto del 11-S. ¨The Boxer¨ es cruda, realista, con una violencia que impresiona y conmueve, que perturba el ánimo. La profundización que se hace del IRA y la ambigüedad de sus personajes son de calidad, todo muy bien hecho. Daniel Day-Lewis repite papel protagonista tras ¨En el nombre del padre¨, con un personaje muy diferente al de aquella pero con una interpretación igual de impresionante y sólida. El resto del reparto tampoco desmerece.
¨The Boxer¨ es una buena película, con una potencia dramática lograda en sus momentos más emocionantes e impactantes, y que ni es pretenciosa, ni sensiblera, ni busca la lágrima ni la impresión fáciles.

Maravilloso y apasionante film de John Ford, que no por nada es uno de sus más conocidos y valorados. Nadie apostó por él en su día. En 1962, con el período de cine clásico finalizado, quién pensaría que llegaría alguien a rodar un western (género menos considerado en aquel momento) en blanco y negro y triunfaría de la manera en que triunfó.
Un éxito inesperado, eso fue ¨El hombre que mató a Liberty Valance¨, y como ya hizo Ford en su día con ¨La diligencia¨, supuso una novedad en el género. Se trata de un western crepuscular que rompe con tópicos y fundamentos, pues ya no tenemos grandes paisajes con alta profundidad de campo, tampoco aparecen personajes recurrentes como los indios o la caballería. Casi puede calificarse como una película de cámara al transcurrir mayormente en escenarios interiores y profundizar tanto en sus personajes. El aspecto psicológico es lo que más logrado está de éstos, con contínuos enfrentamientos entre la razón (Stoddard, interpretado por un excepcional James Stewart) y las armas, la ley del Oeste (Liberty, un acojonante Lee Marvin). Inolvidable y conmovedor es también, el sacrificio que hace Tom Doniphon (colosal John Wayne) por Stoddard y que marcará a éste el resto de su vida, cayendo Doniphon al más absoluto olvido.
Solo por esos tres personajes, esos tres actores, merece visionar las dos horas que dura ¨El hombre que mató a Liberty Valance¨. Eso, junto al aire de nostalgia que se desprende en todo el metraje y la sublime labor de Ford (cada plano tiene tanto detalle, por el espacio o los gestos de los personajes, que es digno de pararse a mirar detenidamente. Y el uso de los flashbacks es inmejorable), hacen de esta película una joya a ser considerada como uno de los mejores westerns de la historia.
Es difícil encontrar en un western y en una película cualquiera en general, cómo los aspectos técnicos y artísticos rozan la perfección sin decaer en ningún momento. Por último, resalto el simbolismo de la flor de cactus sobre el ataúd de Tom Doniphon. Sencillamente precioso.

Es con éste largometraje la primera vez que entro en el cine del británico Terence Davies. No es un cineasta de gran fama ni mundialmente conocido, pero sí se ha ganado un nombre en algunos prestigiosos festivales y también el apoyo de la crítica y cierto sector cinéfilo del público. No es alguien para todos los gustos, y viendo esta película se nota.
¨The Deep Blue Sea¨ es puro cine de autor europeo. El retrato que Davies realiza sobre una historia de amor adúltero es atípica y nada convencional, lejos de lo común. Este es uno de los puntos más destacables del film, que una historia tan vista como ésta, sea llevada a cabo de forma distinta. La mirada de Davies es profunda, como bien su título indica. La lástima es que esa profundidad solo se vea reflejada en el personaje de la maravillosa Rachel Weisz, pues en el de Tom Hiddleston se profundiza menos, lo noto menos desarrollado y es algo que no termina de convencerme. La identificación emocional con el personaje de Weisz es soberbia, al igual que su interpretación.
Davies no solo saca lo mejor de su actriz principal, sino que también dirige con un estilo impecable en todos los sentidos, demostrando sutileza. Igualmente la ambientación del Londres de los años 50 tras la Segunda Guerra Mundial está brillantemente recreada. Son por estos aspectos por los que ¨The Deep Blue Sea¨ es digna de mencionar.
La falta de desarrollo del personaje principal masculino, junto a un ritmo que resulta algo lento e insulso en ciertos pasajes, y la cierta confusión que puede haber al principio con el uso de flashbacks, hacen que por desgracia no sea una película notable. De cualquier modo, seguiré visionando obras de Terence Davies y recomiendo ésta que nos ocupa. No es perfecta, pero sí diferente y con un estilo propio.

Nueva película de Imanol Uribe, director con cierto renombre en el cine español por ¨La fuga de Segovia¨, ¨El rey pasmado¨ o ¨Días contados¨. A pesar de ser alguien competente, su ¨Miel de naranjas¨ decepciona.
Me resulta algo extraño saber que Uribe quiso desde el principio hacer una película que no fuese tachada gratuitamente de ser ¨otra película de la posguerra española¨ más. Extraño porque a pesar de que estoy normalmente a favor del cine ambientado en esa época, lejos de prejuicios estúpidos y sin fundamento (como buenos ejemplos: el cine de Víctor Erice, ¨La colmena¨, ¨Pájaros de papel¨, ¨Pan negro¨...), la película que nos ocupa la noto tópica, facilona y con cierto maniqueísmo. Por lo tanto las intenciones de Uribe no las veo del todo reflejadas en su obra, pero eso ya no es culpa suya sino del muy irregular guión.
Uribe presenta una dirección correcta, profesional, su labor es aceptable. Sin embargo el guión de la ¨novata¨ Remedios Crespo Casado deja bastante que desear (incomprensible el premio a mejor guión novel en el pasado Festival de Málaga): plantea cosas, promete hechos, pero luego se queda mucho en el aire sin llegar a ningún lado, o se resuelve de forma rápida. Además hay un par de inverosimilitudes y casualidades que también lastran un poco. La construcción de los personajes tampoco es buena, pues a pesar de que la labor actoral sí lo es, algunos no están bien desarrollados (sus dos protagonistas) y es difícil que la empatía llegue. Otros personajes como el de Karra Elejalde o Eduard Fernández están por suerte mejor elaborados y en ocasiones resultan incluso ambiguos, algo que no es usual.
La ambientación es espléndida, eso sí, con un trabajo de diseño de producción sobresaliente. La banda sonora es notable, preciosa por momentos. Y algunas escenas poseen tensión y están muy bien construidas, siendo llevadas con buen pulso por Uribe.
Con un buen guión estaríamos hablando de una buena película dramática. Pero por cierta torpeza y falta de originalidad, ¨Miel de naranjas¨ se queda en un film que entretiene y se deja ver una vez sin buscarle más pretensiones.

Aceptable y atípica película de animación que puede resumirse como una fábula infantil, pero quitándole ¨infantil¨ y añadiéndole ¨violenta¨. No hay que dejarse engañar por algunos comentarios que la califican como ¨fábula gore¨. Tiene momentos de crudeza, violencia que te impacta, pero no es tan exagerada como para calificarla de gore.
No he leído la novela en la que se basa, pero sabiendo que es algo larga (unas 400 páginas) y la película dura apenas hora y media, me imagino que tuvo que ser ambicioso y arriesgado el trabajo de adaptarla. Sin parecerme en absoluto una maravilla sí que hay que decir que se deja ver con agrado e interés. Su ritmo hace que no resulte aburrida aunque hay que decir que en algunos momentos puede resultar algo lenta. Hay muchos diálogos, y muchos son muy buenos, pero siendo tantos no todos funcionan y a veces el interés decae un poco.
Por último, lo más destacable para mi es la humanización de los conejos, la denuncia a la violencia animal por parte del ser humano y el poder visual y la intensidad de algunas escenas (véase la visión de la sangre por todo el bosque, o cuando algunos conejos se quedan atrapados en la madriguera). La lástima es esa, que aunque no aburra el ritmo no siempre se mantiene. Aun así, ¨La colina de Watership¨ es curiosa de ver por ser un filme tan distinto dentro del género de animación.

Película que fue un auténtico batacazo en taquilla en su momento ya que no fue casi nadie a verla. Y de los pocos que lo hicieron, se salían de la sala a mitad de la proyección. Cuando leí esta información creí que era una exageración, pero ahora que la he visto no me extraña.
¨El Desayuno de los Campeones¨ es un verdadero bodrio, un pastiche insoportable, cargante y muy pasado de vueltas. Se basa en una novela de Kurt Vonnegut del mismo título que era un alegato contra la guerra de Vietnam. Aquí lo que su director Alan Rudolph trata de realizar es una especie de sátira del mundo de la publicidad, la televisión y en general de la sociedad de consumo. La idea original no es nada mala, pero la forma en que está llevada es verdaderamente excesiva, absurda y muy esperpéntica. Para ser una película que tan solo dura 100 minutos cansa tanto que parece que dura 2 horas más.
Pero lo peor sin duda es lo brutalmente desaprovechado que está el impresionante reparto que tiene: Bruce Willis tiene momentos que interpreta su personaje con soltura, eso sí, pero Albert Finney y Nick Nolte sobreactúan hasta el ridículo, y Barbara Hershey no destaca para nada. Resumiendo, ésta es una película de buenas y más que interesantes ideas, pero con una ejecución pésima.
Prescindible.

Curioso y buen documental que originalmente iba a tratar únicamente sobre la ciudad de Oporto, pero por problemas para el rodaje, Oliveira también narró hechos de su infancia y juventud (la casa en donde nació, su primer amor, lugares a donde iba...).
No se puede negar que es un documental original e interesante, pero resulta algo lento en ciertos momentos por algunos planos fijos demasiado largos como suele rodar Oliveira. Y tampoco es que sea completamente un documental ya que hay partes que están hechas como si fuesen una película ficticia (la escena del teatro, por ejemplo). Destacable la música y su narración, que la hace el propio Oliveira en la versión original.
Una película buena y recomendable de ver, pero inferior a otros films de su prolífico director como ¨La Caja¨, ¨Belle Toujours¨ o la excelente ¨Inquietud¨.

¨Hom Rong (La obertura)¨ es un film tailandés muy desconocido, y al principio no me interesó especialmente el argumento, pero en realidad es una película que solo puedo calificar de excelente en todos los sentidos.
Narra hechos reales sucedidos en Tailandia durante la Segunda Guerra Mundial, que mientras había bombardeos y otros actos de guerra en el país, la policía tenía la orden de arrestar a todos aquellos que tocaran música tradicional con instrumentos, también tradicionales ya que estaban apareciendo instrumentos modernos y los demás parecían anticuados.
Es una película que me causó una muy buena impresión, tanto por la historia que cuenta como por sus aspectos técnicos, destacando la sobresaliente fotografía y su banda sonora que llega a ser realmente preciosa y casi te llega al alma. Es destacable también la calidad de la dirección por parte de Vichailak, que para ser Tailandia un país que no se ha dedicado especialmente al cine, es muy buena. Y los actores, aunque son desconocidos, bordan sus papeles, especialmente el protagonista y su rival.
En fin, una película que hace tiempo no sabía si calificar de obra maestra o no, pero ahora puedo decir que sí lo es, a pesar de lamentablemente ser muy desconocida. Una joya que recomendaría a cualquiera.

En primer lugar, decir que estoy muy de acuerdo con el título que le han puesto en españa a ¨there will be blood¨, ya que su título original me parece que concuerda muy poco con lo que cuenta el film. ¨there will be blood¨ traducido al castellano sería ¨aquí habrá sangre¨, y la verdad es que sangre en la película no hay casi nada. ¨pozos de ambición¨ me parece un título muy acertado, ya que es exactamente lo que hay en el film: muchos pozos de petróleo, y mucha ambición por parte de su personaje principal daniel plainview (magnífico daniel day-lewis). ¨pozos de ambición¨ me parece una excelente película técnicamente: la ambientación de principios del siglo xx está tan lograda, que parece esa época de verdad. La fotografía muy buena y cuidada, de lo más destacable del filme. Y la música compuesta por jonny greenwood creo que es también otro de los puntos fuertes, teniendo en algunos momentos ciertos parecidos con los fragmentos de ¨2001: una odisea del espacio¨ pertenecientes a györgy ligeti, una banda sonora que inquieta y fascina a partes iguales. Y artísticamente tampoco se queda atrás: daniel day-lewis hace junto a por ejemplo, ¨en el nombre del padre¨, uno de los mejores papeles de toda su carrera, y que se llevó con razón el oscar. El resto de actores también cumple perfectamente, pero destaco sobre todo al joven paul dano como el loco predicador. Y os preguntaréis, si la valoro tan bien por qué solo la puntúo con un 7. Pues porque de los 151 minutos de su duración sus primeros 90 son amenos y excelentes, pero la hora restante llega a hacerse larga, pesada y algo aburrida, aparte que el final no me pareció acertado. Con todo es buena, recomendable de ver y es una de las películas más arriesgadas de los últimos años. .

Sabiendo que estuvo nominada a la Palma de Oro de Cannes y que trataba de la vida fracasada y sin rumbo de un hombre esperaba una película emotiva, interesante y necesaria. Nada de eso.
Gran decepción me he llevado con el primer filme que visiono del aclamado Aki Kaurismäki, desde luego he empezado con mal pie, pero aún así veré más trabajos suyos que espero que sean buenos. De lo contrario Kaurismäki será para mi un director muy sobrevalorado, tal y como es su ¨Luces al atardecer¨ que no me convence nada de nada.
Para empezar, ¨Luces al atardecer¨ dura sin contar títulos de crédito 1 hora y 10 minutos y aún así se hace unos 20 minutos más larga, resultando un lastre y que apenas entretiene. La dirección tiene un aspecto un tanto principiante, el guión se compone principalmente de dialogos irreales y de besugos, y los actores son tan sumamente inexpresivos y poco profundos (sobre todo el protagonista) que interpretan sus personajes con total superficialidad.
Ni tan siquiera logras empatizar con el protagonista, que al pobre le pasa de todo pero con lo inexpresivo, soso y pasmado que es no conmueve lo más mínimo. A veces dan ganas de darle una colleja y decirle que reaccione de una vez.
Película pseudo-poética, forzada y hasta absurda en algunos momentos. La correcta fotografía, los escenarios y el destacable argumento evitan el desastre total.

Correcta adaptación de la famosa novela de Carmen Laforet, quien la escribió a la temprana y sorprendente edad de 23 años. En conjunto la película no está mal pero decepciona un poco por no transmitir lo que sí conseguía la novela (la sensación de frustración, soledad, el deseo de libertad, etc.), y por estar dirigida por Edgar Neville, uno de los directores más importantes de la posguerra.
Para empezar un gran pero: la duración es muy escasa y en tan poco tiempo no se puede plasmar todo lo que sí tenía la novela original. La película es como un resumen, saltándose algunas cosas y otras cambiándolas, empezando bastante fiel y acabando de forma demasiado rápida y un tanto precipitada y forzada. Por otra parte tampoco me agradó la eliminación de ciertos personajes o la escasísima aparición de otros que en la novela aparecen mucho más. Cierto es que no era fácil adaptarla, pero con que hubiera durado 30-40 minutos más seguro que todo se habría ajustado mucho mejor y hubiera sido una adaptación más afortunada.
A pesar de estos peros hay que decir que como película independiente resulta bastante pasable. Es entretenida y los actores (Blanco, Bardem, Caba Alba...) cumplen francamente bien con sus respectivos personajes, aunque hago cierta excepción de Conchita Montes porque había ocasiones en las que no me la creía demasiado. Tendrían que haber cogido a una actriz más joven y con mejores cualidades interpretativas.
Algo flojilla como adaptación, pero como película se deja ver con agrado y nunca aburre.

Es una película que a priori no me interesaba en especial. Debió ser porque salía Madonna, y ya se sabe que en cine ésta no había hecho nada bueno. Ahora que la he visto se confirma la excepción. “Evita” está inspirada en la vida de la actriz y política argentina Eva Perón y basada en la ópera rock de 1976 del compositor británico Andrew Lloyd Webber, también autor de las famosas “Cats” o “Jesucristo Superstar”.
Como adaptación es muy buena ya que sigue muy fielmente la obra de Webber, y como película es verdaderamente espectacular. Al durar unas 2 horas y sabiendo que es un musical puro y duro, donde casi todo es cantado y los diálogos hablados son casi inexistentes, puede uno pensar que quizás produzca aburrimiento o tedio pero el resultado es todo lo contrario ya que es entretenida, además de rozar la perfección musical y cinematográficamente. Todas, absolutamente todas las canciones tienen buen ritmo, son llevaderas, y aquellas que son más dramáticas consiguen transmitir sentimiento. Y si ya en la dirección ponemos a un más que correcto cineasta como lo es Alan Parker (“Arde Mississippi”, “El muro de Pink Floyd”, “Fama”), realizando tomas excelentes con un montaje ejemplar y moviendo la cámara a ritmo de la música, pues obtenemos la notable película que es “Evita”.
La elección de intérpretes es acertadísima: Teniendo la mala fama que tenía Madonna con sus papeles cinematográficos aquí demuestra que en el fondo tiene madera (ganó un Globo de Oro por su actuación como Eva Perón) pero que tanto antes como después de esta película no la supo aprovechar, como demuestran sus fallidos papeles en “El cuerpo del delito” o “Barridos por la marea” por ejemplo. Antonio Banderas está arrollador en su papel de Che, se ve que canta de maravilla y que su inglés es casi perfecto. Y los actores secundarios también están magníficos, todos sin excepción y eso no es algo habitual.
Aunque me parece una muy buena película, está claro que no puede recomendarse a todo el mundo ya que es un musical 100% y además político, retratando la Argentina de los años 20 a los 50. Está bastante olvidada y poco valorada en general, pero sin duda es una película que no deja indiferente y que creo que con el paso del tiempo ganará calidad y aprecio.

Última película, por ahora, de un muy buen realizador de nuestro cine como lo es José Luis Garci. Eso sí, ignorada brutal e injustamente por el público como suele pasar, por desgracia, en muchas películas españolas.
Creo que el principal problema de ¨Sangre de mayo¨ es que la gente espera ver acción incesante, tiros, sangre por todas partes y demás tópicos y vulgaridades del cine americano. Y al encontrarse con una película que nos muestra cómo los españoles vivíamos y lo que hacíamos a comienzos del siglo XIX, con una historia de amor entre los dos protagonistas, con un buen guión lleno de diálogos interesantes, bien representada históricamente, y como la acción no empieza hasta la media hora final, pues ya es mal valorada. Esto es un ejemplo de que la gente no cambiará y querrá ver lo mismo de siempre.
Basada en los ¨Episodios Nacionales¨ de Benito Pérez Galdós, ¨Sangre de mayo¨ es una película a tener en cuenta, con una magnífica ambientación de la ciudad de Madrid del siglo XIX, unas interpretaciones buenas y muy creíbles (además con muchos conocidos secundarios, como Carlos Larrañaga, Tina Sainz, Ramón Langa, Fernando Guillén, Carlos Hipólito o Manuel Galiana) y que nos cuenta la rebelión que comenzó el 2 de mayo de 1808 por parte de los españoles contra los franceses, que habían entrado en nuestro país a las órdenes del ¨famoso¨ Napoleón con la excusa de invadir Portugal. Y lo último que el film nos cuenta son los fusilamientos del 3 de mayo, e incluso se ve durante un momento a Goya pintando su famosísima obra ¨Los fusilamientos de la Moncloa¨.
Resumiendo, ¨Sangre de mayo¨ es muy recomendable, pero eso sí, si alguien espera lo que comenté antes (tópicos y vulgaridades made in América), que se busque otra película.

Espantosa, cutre, vulgar, patética, apestosa, mala, horrorosa, infame, aburrida, tediosa, estúpida, dantesca, esperpéntica, vergonzosa, inconexa, mierdosa, pésima, bizarra, vomitiva, demencial, chapucera, subnormal, truñera, aberrante, zafia, mediocre, innecesaria, vándala, nauseabunda, patosa, asqueante, apocalíptica, carroñera, ridícula, defecante, insufrible, horrenda, soporífera, incoherente, repulsiva, lenta, cansina, traumática, decadente, hortera, mareante, insulsa, risible, absurda, pastelosa, criminal, lamentable, insultante, odiosa, palurda, inmunda, batracia, ostrógoda, casposa, insportable y totalmente prescindible.

Casi cuatro años tardó el film de Guy Ritchie ¨Revolver¨ en llegar a nuestro país. Desconocía los motivos de la tardanza, pero tras ver la película ya comprendí el por qué. Cuando uno lee el argumento, se espera de ¨Revolver¨ una película comercial con mucha acción, pero cuando se empieza a ver ya se sabe que lo que se está viendo está más orientado a un público minoritario (a pesar de la tardanza, fue estrenada en poquitas salas españolas).
Podemos calificar a ¨Revolver¨ como una película experimental, de arte y ensayo o cine de autor. Cine diferente en todo, sobre todo por la manera de ser contado, y que cuando se lo ofreces al público suele fracasar.
Lo primero hay que decir que si alguien espera ver una nueva ¨Lock & Stock¨ o ¨Snatch¨, que se aleje lo más posible de ¨Revolver¨, ya que no tiene nada que ver con las anteriores películas de Ritchie. Lo único que tiene de conexión son los personajes, los cuales en los films de Ritchie siempre son curiosos y carismáticos, el tema de los gángsters, los tiroteos y nada más. No hay humor, ni siquiera algún toque cómico, ésta ya es una película ¨seria¨.
Y entiendo perfectamente que cualquiera pueda ¨liarse¨ con la película, en especial con la media hora final, ya que de entrada parece que nada tiene sentido y que reina lo absurdo. Ésa por lo normal es la primera impresión, pero si uno se pone a pensar (y no poco no, hay que pensarlo todo muy bien. No sólo la parte final, si no toda la película en sí) se le puede buscar un sentido.
Es un film que se puede calificar de surrealista, filosófico, e incluso se puede comparar con el cine de David Lynch: La mayoría de sus películas hay que verlas al menos 2 o 3 veces para comprenderlas bien, quizás ni eso, y este caso es parecido. No esperes pillar por completo ¨Revolver¨ a la primera, porque es algo realmente difícil.
Lo principal que hay que saber para entender la película, es analizar a Jake Green, el personaje de Jason Statham. Precisamente hay un momento casi al final de la película (la escena en que Statham se queda atrapado en el ascensor) que sirve como pista para la comprensión del film.
Cuando terminas de ver la película, te quedas como ¨extrañado¨, pero entendiéndola hace que se puntúe con una nota alta. Porque posiblemente ¨Revolver¨ sea una de las películas más originales de los últimos años.

El catalán Marc Recha destacó hace unos años con su largometraje ¨Pau y su hermano¨, el cual compitió en Cannes. Con ¨Días de agosto¨, una mezcla de documental y ficción, logra tocar algunas teclas importantes bien pero otras mal, realizando una película en conjunto irregular.
Este tipo de cine contemplativo me suele gustar, por lo que no me aburrí en ningún momento del metraje (a pesar de su lentitud), pero la historia que cuenta aunque es a priori sugerente, es contada de una forma demasiado plana y abstracta. Tan plana y abstracta que no interesa demasiado. Tampoco logra conmover y tampoco logras empatizar con los personajes, los cuales son los más sencillos y planos que he visto últimamente en una película. Aparte, llega el final y te quedas con cara de ¨¿ya está?¨ En este aspecto Recha falla bastante.
Por otro lado, en cuanto a aspecto técnico es brillante y más que notable: cada toma nos muestra paisajes preciosos y espectaculares, conjugados de forma adecuada con una correcta banda sonora. Sin duda ¨Días de agosto¨ tiene un magnífico estilo visual, y eso la salva del cataclismo.
Se deja ver, pero en conjunto es decepcionante porque podría haber dado para mucho más. Eso sí, no me extraña que haya a quien le parezca un petardo infumable por el modo en que está contada (o más bien por lo poco que cuenta).

Este debut en la dirección de Jean-Luc Godard supuso, junto a otras películas como “Hiroshima mon amour” o “Los cuatrocientos golpes”, el comienzo de la Nouvelle vague (“Nueva ola”). Se podría denominar como una corriente cinematográfica surgida en Francia hacia finales de los años 50, donde los cineastas tenían el control total de la película (sin que el productor cambiara nada) y la forma de narrar se transgredía completamente, jugando con el tiempo y el espacio y a veces rompiéndolo. Supuso también el comienzo del cine moderno y el fin de la etapa del cine clásico americano. Godard, a pesar de que en aquella época fuera un debutante, tenía un amplio conocimiento del cine clásico, por lo que se podía permitir rodar su película con unas características tan inusuales e impropias de una ópera prima.
Bajo mi punto de vista, “Al final de la escapada” es indudablemente una buena película pero depende a quién, puede resultarle pesada e incluso insoportable de ver, debido principalmente a la alteración del raccord y del tiempo en el montaje y a la peculiar forma en que está llevado el argumento. Por ello considero que es un film muy cinéfilo, alejado de cualquier cosa que hayan visto muchos espectadores comunes, así que ni por asomo es para todos los paladares. Entre lo más destacable resaltaría la mezcla de momentos de lenguaje grosero con otros diálogos de un nivel más intelectual y rico en matices; haciendo además ciertas referencias a Renoir, Rossellini, Bresson... hasta al mismísimo Humphrey Bogart (Belmondo lo imita aunque de forma cuanto menos satírica). Por último destacaría la abundancia de los planos-secuencia, algunos realizados para la libre improvisación de los actores.
Película singular, atípica y sobre todo rompedora, y que ha servido de inspiración para muchas obras cinematográficas posteriores. Cualquier cinéfilo debería verla.

Después de la original e irónica ¨101 Reykjavík¨, Baltasar Kormákur cambia completamente de registro, ofreciéndonos un drama familiar bastante logrado y con momentos intensos. Después de ver la película antes nombrada, la interesante ¨Las marismas¨ y sobre todo ésta, ¨The Sea¨, queda claro que Kormákur es un director digno de descubrir y tener en cuenta. Puede que resulte desconocido para el gran público, pero creo que si sigue por este camino ya no lo será tanto. El tiempo lo dirá.
¨The Sea¨ comienza con la escena de un incendio intencionado sin que sepamos absolutamente nada del porqué, pero después el tiempo retrocede unos días y nos narra toda la historia, siendo casi toda la película un flashback. A pesar de ser un drama en el que mientras pasan los minutos la tensión entre los personajes crece y se van destapando los trapos sucios de todos ellos, Kormákur también nos muestra momentos con humor y algunas situaciones tanto curiosas como peculiares (la persecución del policía al carnero), y en esas partes es cuando se ve la mano del director de ¨101 Reykjavík¨. Lo más destacable de ¨The Sea¨ es lo bien hilvanado que está el guión, los actores (prácticamente todos excelentes) y la fotografía, que nos enseña con detalle los bellos y fríos parajes islandeses.
Película completamente desconocida, inédita en España pero la verdad creo que merece ser vista por su buena calidad y porque para ser un drama familiar no llega a resultar tópica.