Un bajón ¿inesperado?
Se preveía la sucesión de Stallone por cuestión de edad, y era inevitable.
El problema radica no únicamente en los pocos minutos en pantalla de nuestro gran héroe, sino en la calidad del reparto.
Hasta ahora siempre tuvimos viejas glorias del cine de acción y algún que otro actor de renombre en pequeños cameos o papeles secundarios, pero está vez ni siquiera el villano se sirve de carisma.
Pasamos de Eric Roberts a Van Damme, un salto de calidad increíble. Después le sigue Mel Gibson, que no está nada mal aunque muy por debajo del belga. ¿Y ahora? ¿Iko Uwais? ¿Enserio?
No por desprestigiar su talento, sino que en realidad el papel de villano no le sienta nada bien. En todo caso sería una gran opción para suplir a Jet Li en el equipo y lo vería con mejores ojos sin duda.
Al igual que Tony Jaa, Iko Uwais está muy desaprovechado. Ambos apenas se lucen, apenas tienen su “momento“.
Por otro lado, la dramática y poco creíble historia que viven “Los Mercenarios“ de Barney tras su muerte, es lamentable... el guión malísimo, y sus actuaciones a la altura. Patético.
En realidad ni siquiera es una entrega repleta de acción. Statham se trata de camelar al público haciendo de “John Wick“ pero ni siquiera la calidad está a la altura. Ni los primeros planos, ni los planos lejanos. Es un quiero y no puedo.
La verdad es que estoy muy decepcionado. Solamente valoró la actuación de Stallone.
Ni la belleza de Megan Fox salva esto. Tan siquiera ella porqué ni su actuación es decente - y que conste que me gustan sus actuaciones -.
Sorpresa la de Andy Garcia, aunque como el resto, muy poco creíble en su papel. Tal vez ni enserio se lo ha tomado y no me extraña...

La unión Donner-Stone ha resultado una película que con el tiempo consiguió el estatus de culto.
En su momento no resultó ser el éxito esperado pese a contar con un elenco estelar encabezado por Al Pacino.
Y de nuevo Al Pacino, al igual que hizo en “Pactar con el Diablo“, se realza en un papel que le va como anillo al dedo; donde puede gritar, enfadarse y ser él mismo.
La película a veces tiene un ritmo muy de su época: como si estuviéramos viendo un videoclip de la MTV de aquella, y es que además, la banda sonora le acompaña pues en cuestión de segundos hay una variedad increíble de canciones.
Transmite la intensidad y la emoción del, probablemente, más importante deporte de los Estados Unidos. Cómo se vive cada partido desde dentro, la frustración de los jugadores-entrenadores, cómo lidian con el éxito y/o el fracaso... La verdad es que Oliver Stone hace un trabajo estupendo y te mantiene en vilo con su ritmo frenético y divertido.

El talento que destilaba Kirk Douglas siempre ha sido inigualable; es una auténtica leyenda del séptimo arte. Su gran actuación en la piel del famoso Van Gogh es en gran parte lo más memorable del largometraje a pesar del premio Óscar que acabó en manos de Anthony Quinn, en una actuación menor aunque no irrelevante pero mucho menos encomiable que la de su protagonista.
La historia nos sumerge en el crecimiento personal de un joven pintor quien todavía era un desconocido, que mientras evolucionaba con sus obras desmejoraba su capacidad mental y por fin encontramos esa caracterización de un bohemio artista con crisis artísticas que rozan la línea entre la angustia y declive psicológico y que por otro lado, es un visionario; tratando de plasmar desde su pincel, su mezcla de colores, su particular estilo y sus aclamados cuadros, una viva representación del ser humano en su más puro realismo, sin abalorios ni grandezas.
Además de las notables actuaciones de James Donald, quien da vida a Theo, el hermano de Van Gogh y su representante, o el propio Kirk Douglas en la piel del legendario pintor, su otra gran riqueza es la banda sonora compuesta por el legendario maestro húngaro Miklós Rózsa.

Si de alguna película el tiempo ha tenido en consideración como clásico de aventuras es ¨El Prisionero de Zenda¨ que junto con la mítica ¨El Malvado Zaroff¨ conforman algunos de los largometrajes que influirían notablemente en el cine de acción y aventuras en décadas posteriores.
Ante todo debemos adaptar nuestra objetividad actual a la época en que fue rodada - y estamos hablado de los años 50 - por lo que no podemos esperar situaciones que parezcan tan cotidianas o elementos afectados por el progresismo socio-político.
Tenemos al típico héroe solitario con su típico romance imposible y enfrentando a la muerte por, sencillamente, una promesa. Algo sencillo. Pero muy noble - valores de otra época -.
La gran actuación de Stewart Granger encubra en todo momento situaciones que podrían languidecer por exceso de romanticismo o diálogos. Pero es precisamente eso lo que debemos entender. Aquella época no proporcionaba tanta acción ni tanto espectáculo debido a la falta de medios y evoluciones técnicas que de hoy se disfrutan, exageran y exceden en utilizar.
Así pues debemos disfrutar de la expresividad, gran actuación y guión de los personajes; Granger, Kerr, Mason, etc.
Divertida, emocionante por momentos y obra clásica por excelencia - lo que no quiere decir que por ser una obra clásica de cine vaya a variar mi calificación final -.

Perfecta combinación de realismo y comedia negra.
Un largometraje que sirve como expresión del nuevo milenio y lo fina que es la línea que existe, ahora mismo, en el amistad y el amor.
Una fina línea que, al igual que las relaciones de cristal o el amor líquido, todo puede decidirse en instantes por puro egoísmo y superficialidad.
El mundo se ha vuelto demasiado individualista, demasiado egoísta y la era de la tecnología no ha hecho otra cosa sino que enfrentarnos, depender de ella, depender de la opinión del resto y ocultar sentimientos, mentir, fingir, creer en cualquier autocracia vía IG, Twitter, etc. porque ahora mismo es así; tienen poder los que mienten y se esconden detrás de un ordenador.

Quizá no estemos ante la mejor película del señor Alex de la Iglesia, pero si una con la mejor metáfora para aplicarse ante la falta de sentimientos que existe. Donde si hubiera una oportunidad para volver atrás y cambiar ¿lo harías? Y más sabiendo todo lo que puede estar en juego por lo mismo que mencioné anteriormente.
Las actuaciones muy convincentes y divertidas, y los derroches de humor negro etiqueta de Alex, siempre son bienvenidos.
Una buena historia bien complementada por las actuaciones de un reparto de lujo.

Westerm enmascarado inspirado - y también sirve de homenaje - en el clásico y violento cine del maestro Sam Peckinpah. Walter Hill no solo es un alumno aventajado del maestro, sino que además ha sabido definir un estilo propio muy particular que durante las décadas de los setenta y ochenta se pudo ver plasmado en grandes clásicos del cine de acción, o más bien, thrillers cargados de acción y violencia a raudales.
Traición sin Límites demuestra una vez más la inspiración de Peckinpah, concretamente del mítico westerm ¨Grupo Salvaje¨ y he aquí el ¨Grupo Salvaje¨ de Walter Hill; donde quizá los nombres no sean tan reconocidos como aquellos, pero tenemos un muy buen elenco lleno de caras conocidas y cada uno responde positivamente a su interpretación.
Quizá me dejó un poco indiferente la poca participación de Clancy Brown en comparación con un semi-desconocido - por aquel entonces - William Forsythe.
La película es un clásico de los duelos por traición, donde Powers Boothe y Nick Nolte - ambos ya habían trabajado previamente con Walter Hill - se enfrentan por los distintos rumbos que han tomado en su vida siendo amigos en el pasado. Esto también podría aplicarse al pequeño duelo entre Michael Ironside y Clancy Brown. Salvo que en este último caso, desaprovechan muchísimo las intenciones tanto del personaje de Ironside como de su grupo de soldados/mercenarios.
Con el gran compositor Jerry Goldsmith al cargo de la banda sonora y que tan poco me supo a una de sus grandes composiciones, también es motivo de importancia. Ya que no resta tampoco suma...
Olvidada pero muy buen largometraje en la filmografía de Walter Hill.
Ni por asomo es de las mas regulares o peores en su carrera, para nada.

Nada tiene que reprochar en cuanto a estética y vestuario, de hecho, ha sido una encomiable labor que bien puede ser apreciada a lo largo de sus más de dos horas.
Como toda superproducción biblica - que gozó de tantísima fama entre la década de los años 50 y 60 - cuenta con un reparto de grandes nombres. Grandes artistas reconocidos en el día de hoy, pero seguramente en su momento, muchos de ellos, no eran más que meros secundarios de otros actores de renombre.
Ese es el caso de su protagonista, Anthony Quinn. Un artista legendario, sí. Pero también un artista que pese a sus dos Oscar en el palmarés, no dejaba de ser un secundario de lujo que pasó a ser protagonista principal de una producción que pretendía - al menos Dino de Laurentis lo creía de ese modo - arrasar en premios y la verdad sea dicha, no alcanzó gran repercusión. Quizá por haberse tratado de una película europea. Quizá por la competencia. ¿Quién sabe?
Lo objetivo es darse cuenta de la ambientación y el personaje. Sí, un personaje interesante pero no más que lo fue Poncio Pilato, o el mismísimo Lázaro de Betania, sin olvidar al centurión Longinus. A fin de cuentas, tras la crucifixión de Cristo y antes de que Nerón quemase Roma, suceden los hechos. Por supuesto, Neron. El sádico emperador, que tenía como consejero al gran filósofo Séneca de su lado.
Centrarse demasiado en Barrabás y su martirio, olvido por completo otros hechos importantes y que hubieran supuesto una partida más interesante para aquellos ateos que como yo, disfrutan de una interesante adaptación pero que no cumple fielmente los hechos históricos verídicos, sino que en cambio, se va por las ramas hacia la nobleza de un hombre cuyo destino está en manos de... quien supuestamente murió por él.
Acceptable sin más.

¿Cómo una situación que podría tildarse de ¨cotidiana¨ se convierte en una auténtica y desenfrenada locura? Pues es lo que el maestro Alex de la Iglesia nos ofrece en está desenfadada comedia con tintes dramáticos, románticos y de acción. Eso sí, que nunca falte la acción Alex.
Podemos presumir de tener al Tarantino español, y no es columpiarme cuando lo digo.
Alex de la Iglesia sabe ofrecer buenos argumentos y mejores diálogos.
Recurre a una cantidad ingente de actores que reconvierte o destaca después de tiempo ¨en el anonimato¨ por falta de mejores papeles o secundario en obras sin demasiada relevancia.
Lo que está claro es que todo funciona a la perfección en su cine, como el engranaje de un reloj moviendo las agujas y ofreciendo la hora correctamente.
Es casi perfecto.
Puede que su argumento sea sencillo o simple. Pero no es en sí el argumento, sino más bien la situación, las vivencias, el desarrollo de personaje, la situación y la conclusión. Es eso mismo lo que hace su cine grande, y lo que hace que está película se merezca el reconocimiento de ser: una de sus mejores obras.
Mención especial a Ernesto Alterio - y el resto de reparto, desde el genial Jaime Ordóñez (me encantó en ¨Las Brujas de Zugarramurdi¨ y aquí no le vi el mismo nivel) hasta su protagonista, Alberto San Juan. Sin olvidar a Blanca Suarez o Carlos Areces, quienes también hacen papeles relevantes y destacados - . Pero Ernesto... Ernesto Alterio es increíble, fabuloso... Su actuación es una delicia.
El Cuarto Pasajero es una obra que merece la pena ver y analizar. Ya que su trasfondo esconde mucho más que una sencilla película llena de completos desconocidos que acaban metidos en el mismo lio y todo a raíz de un romance inexistente hasta ese momento.

El tiempo no perdona.
Tres artistas de renombre, tres premios Óscar.
Una comedia tan divertida como nostálgica, donde el bueno de Christopher Walken se marca una actuación brutal pese a su inexpresividad. En cambio, Al Pacino, mucho más entregado a la causa no terminó de convencerme.
Es probable que mi problema con Pacino venga desde mucho antes, y aunque no le considero mal actor, no me pega como tipo cómico.
A pesar de todo, ambos, junto con la escasa participación de Alan Arkin, nos llevan a una noche tan ¨larga¨ y divertida como aquellos clásicos de los 80: ¨Cuando Llega la Noche¨ de Landis o ¨¡Jo, qué noche¨ de Scorsese.
Vamos, una locura tras otra, un sinsentido tras otro, y todo ello en un breve espacio de tiempo.
Aceptable y divertida.

En una época en la que el cine de abogacía y juicios tuvo un inesperado éxito de taquilla, sucedió una cadena de películas que salían una tras otra con ese propósito. Y es cierto, el estatus que gestionaron fue como grandes éxitos de los noventa.
Sleepers no es más ni menos, a pesar de contarnos una traumática historia de abusos sexuales, de maltrato al menor y crueldad. Una década, los 60, donde la violencia se gestionaba a través de la tortura.
Con un director de éxito - quien ya antes había trabajo con grandes estrellas y siempre triunfante - Barry Levinson, acogió un reparto de ensueño encabezado por Kevin Bacon, Robert de Niro y Dustin Hoffman - cada cual mejor en su papel -.
Pero sin obviar todo lo que le sigue; Brad Pitt, Brad Renfro, Jason Patric, Billy Crudup, Vittorio Gassman... y la gran banda sonora compuesta por John Williams.
A pesar de que el juicio y el tema de abogacía queda, inevitablemente en segundo plano, es quizá, donde Dustin Hoffman se come al resto del reparto con su papel de alcohólico defensor.

Impactante historia que nos muestra la crueldad de la guerra, como la ocurrida en Camboya tras la victoria de Vietnam.

La ocupación invasora de vietnamitas empujó a los camboyanos a huir a Tailandia y otros a unirse a la filas del Khmer rojo para luchar con los soldados vietnamitas.
En medio de esta locura un niño de apenas unos doce años pierde a sus padres junto con el resto de su familia. Ahora su deber es proteger a su pequeña hermana que tan solo tiene 18 meses de edad.
Su misión es llegar a la Tailandia, vivos.

Durante la historia podemos encontrar desde momentos de crueles y llenos de una absoluta frialdad: - La escena de tortura de los camboyanos enterrados hasta el cuello, el templo-cueva lleno de los huesos y esqueletos de los civiles camboyanos, el ataque de las fuerzas vietnamitas durante el enfrentamiento final en el puente o el memorable final donde el niño sostiene las cabezas decapitadas de los vietnamitas -. Hasta partes emotivas que te dejan respirar después de tanta crueldad.

La imagen con la que ha sido grabada así como su fotografía, nos envuelve en una sensación que recuerda a un documental de los años 70.
Película muy dura y más cuando nos hacen ver la historia desde la perspectiva la inocencia de un niño así como todo que le envuelve y sucede a lo largo de su camino.
La banda sonora hace un trabajo excelente dotando de una ambientación mucho más siniestra y terrible.

Solamente Robin Williams es capaz de convertir una catástrofe en una comedia, y todo se debe a su incuestionable talento para el humor.
Quizá se trate de uno de sus papeles más recordados, no así su mejor película ni tampoco su mejor actuación.
Política de guerra, manipulación de os medios de comunicación y el alentador trabajo de un locutor por mantener la moral de sus compatriotas y compañeros en alza, todo ello forma una sátira bélica donde el sarcasmo y la ironía son una buena receta para una comedia insólita.

¡Oh, Capitán! ¡Mi Capitán!

Nos encontramos aquí nada menos que la opus magnum del australiano Peter Weir; un clásico del cine por excelencia y que debe se rememorado por los valores que transmite su trágica y a la vez, esperanzadora historia.
Cuenta con la inestimable actuación de Robin Williams junto a sus pupilos, entre los que destacan los todavía por consagrarse, Robert Sean Leonard e Ethan Hawke.

Se trata de un largometraje de bajo presupuesto sin éxito aparente. Muy probablemente a día de hoy sea una película ¨de coleccionista¨ ya que lo único que la rescata del anonimato es uno de sus protagonistas; un joven y todavía desconocido Sylvester Stallone.
Además ni el propio Stallone es el protagonista. Perry King, que más adelante sería protagonista del clásico de culto ¨Curso 1984¨, es sobre quien recae el protagonismo.
Otro actor que destacaría más adelante y volvería a coincidir con Stallone en ¨Juez Dredd¨ es Armand Assante, y juntos conforman tres de los cuatro ¨rebeldes¨ de la película.
Un drama de tipos duros, gamberros callejeros con tupés engominados y chaquetas de cuero al más estilo motero de segunda, y sería algo que no mucho más tarde pondría en boca de todos John Travolta con su ¨Saturday Night Fever¨ o en la maravillosa ¨Grease¨.
Aquellos que han disfrutado de las mencionadas anteriormente, así como otras del estilo ¨La Ley de la Calle¨ o ¨Rebeldes¨, deberían darle el beneplácito de curiosearla. Incluso lo recomiendo para incondicionales de Stallone; les sorprendería ver su faceta dramática lejos del ¨action hero¨ por el que se catapultó a la fama.

Desde las endebles actuaciones hasta la absurda trama, nos deleitamos con una demanda de violencia sexual que despierta intereses oscuros en el público.
Lo curioso de todo ello es, lo controvertido que sería hablar sobre un tema como el que nos muestra el largometraje. No exento de polémica y muy posiblemente injurias. Difícil de tratar en tiempos modernos, donde es más un tabú que algo propio de una mente abierta.
A fin de cuentas, la película solo trata de mostrar ese ¨lado salvaje¨ del sexo, donde encontramos un dominador y dominado, la violencia justa pero aceptable, y la peor y más indignante parte, el dinero y el poder para adquirir sentimientos y emociones propias.
Indignante verlo, como espectador. Todos sabemos que ocurre. Más indignante todavía.
Prototipos horribles sin duda.
Debido a su personaje, a su trasfondo, y formar parte de una historia ¨no real¨ la convierte en una película simple, llana, sencilla, y con una única finalidad, llamar la atención. Y lo consigue, evidentemente, pero ¿merece la pena? ni mucho menos. Hay película porno con mejor trama y más auténticas.
De hecho, siendo realistas, si las hazañas de nuestro protagonista las hiciese un hombre común, el resultado sería muy diferente.
Una película de lo peor que he visto en mucho tiempo y con un final horrible, donde las interpretaciones en ningún instante desde el comienzo, y propiamente en la parte final, siguen en su línea, inexpresivas, nos deja el amargo final de saber que habrás más continuaciones.

Siempre controvertido y polémico, Sacha Baron Cohen regresa con su emblemático Borat.

Borat es uno de los personajes ficticios que el propio Sacha Baron Cohen interpretó hace algunos años y forma parte de una pequeña lista de personajes que él mismo interpreta como crítica social en diferentes ámbitos.
Como de costumbre existe diversidad de opiniones, su humor no es complejo pero tampoco aceptable para todo el mundo.

Nos encontramos ante un estilo cinematográfico que juega con la sátira, la ironía, la mofa, el humor negro... Pero al mismo tiempo, los elementos que toca van desde el racismo, machismo, feminismo, homofobía, etc. Temas que dan de que hablar si el contexto en el que los usa no son comprendidos.
Precisamente por ello, Sacha Baron Cohen es tan polémico, y su cine tan controvertido.

Evidentemente la película ni es tan buena, ni es tan graciosa. Los puntos cómicos son divertidos y despiertan alguna carcajada, pero no es suficiente cuando la trama es tan pobre.
También lo bizarro es repulsivo y excesivo. En ocasiones ni plantearía su recomendación personal.

Muy en la línea de todo su cine, el cual puedo visualizar como pasatiempo pero nada más. Mi recomendación es que no merece la pena salvo para aquellos fanáticos del artista o del personaje.

Siempre tarde... ¿Es mejor tarde que mal y nunca?

Los dos afamados personajes creados por Kevin Smith y protagonizados por él mismo y su gran amigo Jason Mewes, han sido desde ¨Clerks¨, las estrellas por excelencia; ya fuera como protagonistas absolutos (¨Dogma¨ o ¨Jay y Bob el Silencioso Contraatacan¨) o meros secundarios (¨Persiguiendo a Amy¨ o ¨Mallrats¨).
La conexión entre todas esas películas, a pesar de sus historias, personajes y diferentes aventuras, siempre es un punto divertido para recordar aquella época, para viajar en el tiempo y volver a los noventa... Además todos esos pequeños guiños y homenajes al cine, a los cómics, a la vida común... Es fabuloso.
El problema siempre ha sido el mismo, el tiempo.
Desde ¨Jay y Bob el Silencioso Contraatacan¨ hasta su secuela, han pesado la friolera de 18 años. Lo mismo que ocurrió con ¨Clerks¨ solo que eran 12 años de diferencia. Y probablemente siga ocurriendo con la prevista tercera entrega, o la secuela de ¨Mallrats¨ si finalmente se realizan...
Pues nada, salvando el hecho de que Jay y Bob el silencioso tuvieron bastante protagonismo en ¨Clerks 2¨, han sido 18 años desde la primera parte y 13 años desde la secuela de ¨Clerks¨.
¿Y cúal es el problema?
Pues sencillamente me remito a los años.
Kevin Smith cambió fisicamente, su aspecto es totalmente distinto al de hace unos años y enhorabuena, aún sigue siendo ¨Bob¨. Pero Jason Mewes y su dantesco viaje de adicción le ha dejado secuelas notables. El cariño por su personaje es quizá lo que me haga más benevolente para valorar su trabajo, pero ni por asomo es el Jay de ¨Clerks 2¨.
El resto de los miembros de ¨la familia Smith¨ también han envejecido, y ahora la temática cambia a un entorno más familiar, con algún picaresco toque de humor negro tocando temas que prácticamente ahora, son controvertidos, polémicos y señalados.
La historia sigue siendo lo mismo de siempre, disparate tras disparate y divertirse viendo dos cabezas de chorlito liándola y saliendo victoriosos, mientras de por medio nos llenamos de cameos de élite, guiños al cine, cine dentro de cine y homenajes a ilustres artistas.
Deseaba tanto verla que, creo que la decepción a sido mayor. ¿Qué veremos en ¨Clerks 3¨?

La historia transcurre, de nuevo, exactamente tras la conclusión de la anterior. No hay ningún cambio. El personaje es idéntico y las situaciones similares.
Keanu Reeves sigue encarnando a su nueva gallina de los huevos de oro, y la película, como era de esperar, triunfa.
No es para menos. Si la anterior tuvo unas espectaculares secuencias de tiroteos, aquí tenemos varias persecuciones brutales y frenéticas por donde se las miré.
Por supuesto, fanáticos y público en general, podrá deleitarse con otro final para encumbrar.
No hay escala de medidas para la trilogía. Una vez vistas las tres, es fácil deducir que es una historia continúa desde la primera, sin bajar el ritmo, ni modificar ningún aspecto. Por lo tanto, ¡disfrutemos de la cacería!

Tres años atrás Keanu Reeves vistió la piel del solitario y eficaz personaje que revolucionó el cine de acción. Así nació John Wick, la reinvención del género en la actualidad.
Realmente no ofrece nada que no se haya visto hasta ahora, pero lo que ofrece lo hace de una forma directa y elegante.
Un personaje que no destaca por ser carismático o extrovertido, sino por todo lo contrario. Es un alma en pena, errante por sucias calles, a veces empapadas por la lluvia, otras bajo las balas y la sangre.
Continúa donde lo dejó la anterior en una línea temporal exacta. Una situación que en cuestión de días se convierte en un caza del gato al ratón; un juego de supervivencia.
Espectaculares tiroteos en la capital Italiana, espectacular conclusión... Espectacular es la palabra que define está película.

Vista como cine de puro entretenimiento, cumple, sencillamente porque es único propósito.
Ritmo frenético, argumento disparatado, guión vacío e inyección de acción a raudales, todo ello da forma a una película que acoge dos fieras del cine de acción de la última década.
La química entre Statham y Johnson es muy forzada. Inexistente.
Consigue divertir pero no sin ridiculizar con muchas situaciones; quizá trate de ser cómica sin lograrlo, en un intento de ¨buddy movie¨ actual.
Lo estereotipos típicos son abrumadores. Lega a ser insoportable ver tanta fanfarronada en las escenas de acción. Si bien es cierto que forman parte de su ¨aspecto comercial¨. Siendo algo realista u objetivo, ya no sería el cine de acción convencional.
Sirve como producto para ver sin mayor expectativa, ni dar un céntimo por ella.

Hace unos años el director Jon Favreau realizó una versión bastante decente del clásico escrito por Rudyard Kipling y así mismo del también clásico de Disney, la adaptación en dibujos de la década de los 60.
Ahora NETFLIX nos ofrece otra visión distinta. Similar en algunos aspectos, pero el argumento es completamente ¨nuevo¨ y nada sorprendente.
Mowgli queda huérfano tras sufrir un ataque de un tigre de bengala muy peligroso, Shere Kahn. Es adoptado por la manada de lobos, liderada por Akela y respaldado por Baloo y Begeera.
Así mismo recibe la protección no solamente de los mencionados, sino también de la gigantesca serpiente pitón, Kaa, quien confía en que un ser como él, ni humano ni animal, puede traer equilibrio a la jungla.
Veremos como la convivencia con los lobos es también una prueba de valor y dureza, que demostrará en su interior que no pertenece a ese lugar.
Siendo también humillado por aquellos que consideraba sus amigos y compañeros, a pesar de no entender las razones (únicamente eran por su bienestar y evitar un enfrentamiento con Shere Kahn).

La animación de los animales es tremenda. Me resultó mucho más impactante que la versión dirigida por Favreau. Además de la colaboración de un grupo muy destacado de actores para colaborar con sus voces en algunos de los personajes más emblemáticos.
También cabe destacar un buen papel por parte del joven Rohan Chand interpretando al principal protagonista, Mowgli.
A pesar de todo ello, la historia se hace demasiado breve y pierde momentos cruciales como la ciudad de los monos, la cual queda en segundo plano, convirtiendo a sus primitivos simios en tan solo un grupo de lacayos de Shere Kahn.
También breve la aparición de Kaa, la cual tiene relevancia en la historia, pero no en el protagonismo de la misma.
La parte final pudo ser mucho más impactante, habiendo visto la notoriedad de la violencia en algunas escenas, pero finalmente, quedó en algo que pudo ser.

Aceptable y divertida.

Que no os engañen... El cartel de la película dice poco o nada al respecto.
Un producto de segunda destinado al mercado doméstico, donde su mejor baza es presentar como ¨gran protagonista¨ a la estrella estrellada de Cristian Slater en la hora más baja de su carrera — ¿Dónde quedó aquel joven que deslumbraba en los años noventa con películas tales como ¨Amor a Quemarropa¨ o ¨Corazón Indomable¨? —, y a pesar de todo ello tan siquiera es el protagonista, su participación es efímera.
La trama se centra en el personaje de Maya siendo interpretada por Sofya Skya, quien además de ofrecer una loable actuación pese a la calidad del producto, también saca a la luz un nuevo estilo de ¨arte marcial¨ en el que usa sus habilidades de bailarina de ballet para repartir ¨placa-placa¨ entre los villanos.
Sin ser una gran película, cuenta con buenas dosis de acción y una plausible coreografía. Por lo demás... nada que recordar; la historia no es novedosa, ni acertada. Solventa eficazmente los noventa minutos con un innegable entretenimiento de no haber nada mejor en ese momento.

Un sinfín de secuencias hilarantes.

Las situaciones que suceden a lo largo de la aventura vivida en el film son para desternillarse sin remedio. y es inevitable hasta su conclusión. Enseguida te llena los ojos con las locuras que se viven en el interior del coche.

Lo mejor sin duda es su protagonista; la presión, el agobio y todo lo que convive junto a su familia en el vehículo que se cae a pedazos.
Merecido aplauso para José García.

Divertida ¨road movie¨ a la francesa. Merece la pena.

Puede que esperes ver un blockbuster épico de guerra con sus respectivos tiroteos, bombardeos y demás clichés.

Puede ocurrir y puede que no.

A pesar de los grandes efectos sonoros (vista en cine) y de la espectacular puesta en escena, la película está centrada en la tensión vivida dentro de la playa.

Enfrente el enemigo, tras de ellos el océano, y muy a lo lejos, su hogar.

La estrategia de los alemanes fue infalible para conseguir acorralar a todo aquel numeroso grupo de soldados que veían como en cada intento por huir a casa se veía truncado por los inminentes ataques germanos.

La heroicidad aquí no fue por conquistar, matar o ganar territorio en sangrientas batallas, sino de un grupo de civiles en sus pequeñas embarcaciones que, sin ser soldados, cruzaron el canal de Dunkerque para salvar a los suyos y llevarlos nuevamente a casa.

A todo ello debemos sumarle la angustiosa banda sonora muy acorde con las escenas que se experimentan. Si la tensión que se respira es asfixiante, la banda sonora consigue que el poco oxigeno que queda, se extinga. Totalmente apabullante. Una lección magistral de composición.

Aún con esas, la película no es ninguna maravilla, ni tampoco la mejor del año y mucho menos la de su género. El reparto es bastante regular, caras conocidas pero sin interpretaciones plausibles.

Guy Hamilton es uno de los míticos directores de 007 junto a John Glen, Quizá su calidad no sea la mejor, pero han sido de los que más veces han aparecido en los créditos como directores de sus largometrajes.
Pues bien, Hamilton fue quien dirigió nada más y nada menos que ¨Goldfinger¨, probablemente una de las mejores películas de la saga.
Lamentablemente nos ofrece aquí una película que aprovechó el éxito del momento blaxploitation en la década de los 70 (no sé como Pam Grier no fue candidata a chica Bond) y a diferencia de otras películas de la saga, los villanos son narcotraficantes que practican esoterismo e intimidan con el vudú.
No tiene mucho más que ofrecer, deja la sensación de película de videoclub, como si hubiesen ahorrado el dinero del presupuesto.
Por otro lado trata el tema centrándose más en el aspecto policíaco que en el espionaje en sí, además que no hay una organización terrorista que atente contra el mundo, ni un némesis de Bond. Simplemente son un grupo de gangsters.
Su calidad es inferior a lo que habíamos visto hasta ahora, en tema de secuencias de acción estuvo bastante acertada.
Cabe añadir que se trata de la primera aparición de Roger Moore en el personaje. Tras el abandono de Connery, Moore asume el papel.
Un tropiezo de comienzo que más adelante se arreglaría con otras maravillas en las que participó Roger Moore (el 2º mejor Bond de la historia, solo superado por el insuperable Connery).
Algo bueno que cabe mencionar; la gran actuación de la chica Bond, Jane Seymour (si, la misma que se convertiría con los años en la Doctora Quinn) en un papel extraño para la saga, pero pegadizo para la locura de guión de está entrega, su aportación artística está por encima de los demás en el reparto.