Cuando menos ¨Banderas de nuestros padres¨ resulta una pelicula interesante a la par que curiosa.
Explicación de una de las fotografías más famosas que se puedan encontrar sobre la guerra y de todo lo que supuso. Convertida en todo un símbolo atemporal sobre el orgullo y la valentia de la sociedad yanqui y sobre todo porque el señor Eastwood se sirve de la anecdota y particular historia que hay tras dicha foto para componer la visión americana sobre el conflicto de Iwo-Jima.
Curioso, por conocer que hay detrás de esa simbólica instantanea pero más interesante aún es como se ganan las guerras.

Uno de los frentes que se abren en cualquier conflicto y que paradojicamente suele ser el más abyecto de todos, es el político.
Supeditado al todopoderoso poder económico, el gobierno se sirve de dicho símbolo, para magnificarlo, controlarlo y manipularlo a su antojo.
Transformandolo en una herramienta para conseguir sus fines sobre la influencia en las masas.
Ese es el ¨quid¨ de esta historia.
El abandono, el egoismo, la vileza, la explotación a las que son sometidas las personas por parte de aquellos que conforman los estamentos más poderosos, una suerte de análisis de aquel viejo refrán: ¨el fín justifica los medios¨.
Una premisa harto interesante, pero por desgracia no del todo bien avenida.
El principal desacierto, es como se conduce esta historia, pues para poder hacerlo de una manera satisfactoria, carece del elemento más importante que una narración necesaria, el personaje.
En este caso son tres, y lo cierto es que son tan planos y esteriotipados en sus roles que resultan poco comunicadores con el espectador.
Encontramos aquel más interesado en el dinero (Bradford) de su porvenir que en la causa que ha defendido con el barro y la sangre de él y sus compatriotas
Otro (Beach) que no es capaz de superar el trauma de la guerra y se pasa media película ebrio, agonizando en una noble pero estridente espiral de sufrimiento por los compañeros caidos.
Y por último (Phillippe), que deviene como una especie de nexo, el elemento de cohesión entre ellos tres, una unión a través de la neutralidad más exacerbada para con sus compañeros que acaba por transformarse en la indulgencia más irritante y lo convierte con diferencia en el personaje más plano y aburrido de todos ellos.

En su vertiente más positiva, encontramos que los momentos en los que la cámara se situa en el conflicto son los mejor estructurados, los mejor realizados.
De ejemplarizante realismo y aderezados con una exquisita fotografía.
Y no es ya sólo el desarrollo de las batallas, el uso de los planos o la inmersión tan bien conseguida de la que hace gala, si no, que incompresiblemente, la naturaleza y personalidad de los personajes SÍ que resulta creible en dichos momentos.
Empatizamos con ellos y nos hacen creer que ellos mismos se creen lo que está pasando, que forman parte de la historia y son más que un mero recipiente a rellenar con las directrices prefijadas de un autómata.

El mayor problema que ostenta la oda de Eastwood, es que dichos momentos de la narración durante el combate, tan magistralmente filmados se van opacando y contaminando al intercalarse con aquellos de vuelta a casa, en los que misteriosamente los personajes parecen haberse idiotizados por arte de mágia, donde se vuelven tan reiterativos en sus motivaciones, con tan pocas otras facetas de sus caractéres por explorar o mostrar, que parecen más ovejas que humanos y acaban por conformar los pasajes más superfluos de todo el largometraje.
El infortunio va más allá de este (importantísimo) detalle, y es que, la pelicula se halla en continua progresión intercalando ambas lineas argumentales y claro, resulta una verdadera montaña rusa, entre los álgidos y sublimes momentos en Iwo-Jima, donde casi podemos oler el humo de las balas y los aburridos y mediocres (en el mejor de los casos) momentos de los soldados de vuelta en casa que devienen en un desarrollo cargado de vicisitudes en una pelicula que parece haber sido rodada por dos directores distintos.

Una verdadera pena, porque quizás con otros actores, o al menos con unos caractéres más complejos y mejor definidos estaríamos hablando de otra historia.
Menos mal que el viejo Eastwood tuvo a bien el redimirse con su opuesta, esa gran ¨Cartas desde Iwo-Jima¨.

Se veía, se intuía, y al parecer Kirk Douglas lo sabía.
Y a bien tuvo de presionar a la productora para contratar a un todavia desconocido Kubrick para que dirigiese la adaptación a la gran pantalla la novela de homónimo titulo de Humphrey Cobb.
El resultado redundó en uno de los mejores (quizás el mejor) alegatos anti-belicistas de todos los tiempos.

La primera obra maestra de Kubrick era un incómodo picor para los gobiernos ¨democráticos¨ europeos y así lo sufrió en sus carnes, siendo censurada en varios paises.
Se encargó de desglorificar cualquier guerra, todo ello a través de un retrato a través del cieno y el lodo del conflicto armado, Kubrick nos ofrece la cara más víl del ser humano.
Nos ofrece una mirada de hito en hito a la ruindad y el interés personal, el orgullo, la soberbia, de como se anteponen ante cualquier tipo de lógica o sentido común y corrompen y emponzoñan a lo seres humanos pero tambien lo hace sobre la valentia, la piedad, el amor...
La pelicula es totalmente descorazonadora y aún a pesar del mal cuerpo que nos deja a lo largo del metraje, decide cerrar con una escena final esperanzadora, entrañable, y que por algún extraño motivo nos conmina a un estado de primitiva vigilia, de inseguridad maternal, llega hasta el fondo de nosotros y se graba a fuego.
Uno de los finales más entrañables y tristes que se pueden ver en la historia del cine y que sirve de broche de oro del alegato anti-militar por antonomasia.

Es evidente que junto con ¨El beso del Asesino¨, ¨Atraco Perfecto¨ resulta un film menor en la exigua filmografia de Kubrick si bien su tercera aventura tras la cámara le refiere la experiencia y notoriedad necesaria para dar a luz a su primera obra maestra: ¨Senderos de Gloria¨.

Volviendo a la cinta que nos ocupa, ¨Atraco Perfecto¨ o ¨The Killing¨ en su lengua materna es una cinta mucho más dinámica que su predecesora y por ende más interesante y entretenida. Basada en la novela de Lionel White, algo que sería recurrente en sus obras, las adaptaciones, Kubrick nos narra el atraco a un hipódromo.
La historia en sí no es nada espectacular o explosiva, y aunque está bien desarrollada, resulta un tanto descafeinada, quizás porque resulte una cinta muy al uso, muy convencional.
Sin giros o sorpresas que impresionen al espectador el guión acaba por volverse meramente transitorio.
Eso no quiere decir que sea algo malo, simplemente que sustituye la ambición y el riesgo en su planteamiento para describir una historia más minimalista.

Lo que sí es cierto, es que Kubrick recurre a ciertos elementos que (por lo menos a mi) no terminan de convencer.
En primer lugar, la voz en ¨off¨, que no sucedería nada anormal si no fuese porque tiene que ser la narración más rápida que haya esuchado en mi vida, al menos en V.O., da la sensación de que el narrador está dopado verbalmente, llegando a resultar en algunos momentos un tanto irritante.
En segundo lugar, la cronología de la historia, alterna entre los momentos pasados y presentes de muchos personajes distintos y de nuevo, no tendría por que ser algo malo, pero en esta ocasión, se evidencia a un Kubrick más torpe, más inexperto, que no termina de manejar el tempo adecuado y acaba creando un halo de confusion y la sensación de que el desarrollo no encaja como debiese, que falta engrasar la maquinaria.
Y por último: la reiteración.
La reiteración de determinadas escenas o momentos que llegamos a presenciar en hasta más de dos ocasiones, sirviendo estas para situar al espectador en el momento y tiempo de la acción, pero sinceramente, la pelicula no tiene esa complejidad como para precisar un recurso tan espeso y sobrecargado como ese, a bien que hubiesen tenido el no incluirlo.
Si bien estos detalles pormenores que Kubrick tuvo que manosear y consumir para poder llegar a lo que fué restan solidez a la cinta, dentro de ella se aprecia claramente el talento del novél neoyorquino (evidente en aquel momento para Douglas) y que le serviría para hablar de tú a tú con los grandes estudios.

Entretenida y conseguida propuesta para disfrutar de ella, imprescindible para comprender el desarrollo de uno de los genios del séptimo arte.

Que gran pelicula es ¨El caso Bourne¨,simple y llanamente.
Que gran cantidad de virtudes atesora y que bien se vale de ellas.
Que bien supo dehechar la acción sobrecargada y gratuita típica de el cine yanqui en pos de una más verídica y creible.
¿Su mayor acierto?
Pues es precisamente su capacidad para plasmar en la pantalla una credibilidad sobre su ficción muy bien realizada.

¿La historia?
Pues es la historia de espias de toda la vida, la que hemos visto en muchas ocasiones en las cintas del género, pero en esta ocasión enfocada desde una perspectiva mucho más oscura y sombria, violenta y descarnada.
Aquí no hay insólitos gadgets, mujeres despampanates o clichés de sus coetáneas.
Aquí los personajes son lúgubres y pasan de los irreverentes chistes y frases graciosas para bregar con los intereses y motivaciones de todos los implicados, sean estas moralmente cuestionables o no, pero como he dicho al principio ese es su mayor acierto.
EL acreditarse de una historia que impacta y hace creer al espectador la plausibilidad de unos eventos como los que narra.

Y hablamos de los personajes, a los cuales el reparto ayuda, y mucho.
Los actores estan impagables y Damon, amo y señor de esta epopéyica TRILOGÍA esta preciso e inefable, dotando a ¨Bourne¨ de una personalidad más allá de esa perfección y frialdad autómata que muestra como máquina de trabajo sucio del gobierno para confeccionar un lado más humano, desprotegido y vulnerable para su otra cara, esa que versa sobre las relaciones con semejantes o de sus principios y convicciones.

La pelicula es un chute de adrenalina y si bien tiene alguna pequeña mácula en forma de puntual ¨fantasmada made in Jolygood¨ (ese salto por el hueco de las escaleras) no deja de ser un superfluo detalle que no impide que disfrutemos de una pelicula ÉPICA con escenas memorables como el duelo con el francotirador (un irreconocible Hugh Jackman) o la pelea en el apartamento de Paris que marcarian un antes y un despues en las escenas de acción y en el género y si no, que le pregunten a Bond.

Sosa en la mayor parte de su metraje y entretenida en puntuales momentos hacen de Kung-fu Panda una mediocre cinta con más pena que gloria destinada a los más jovencitos de la casa que seguro sabrán disfrutar de ella más que los mayores, y es que, a diferencia de las obras de Pixar, que sin descuidar a su público más pueríl, acaban siendo mucho más apreciadas y regocijadas por el público más adulto, Kung fu Panda se situa en el lado opuesto de la balanza.

La historia es un cliché en este tipo de cándidas cintas sobre valores y superación, pero llevada al extremo de lo banal en esta ocasión y para colmo, con poca chicha en su argumento y desarrollo que hace que el escaso interés inicial se diluya confome transcurren los minutos.
Los personajes y motivaciones, que han de ser el punto más sólido y atractivo en estos cuentos virtuales son meras comparsas del vacuo acicate del que se sirven nuestros protagonistas para verse en las situaciones desarrolladas en el metraje.
Ninguno de ellos se gana nuestro afecto y simpatía, resultan de ser sosos y carentes de carisma y esto incluye al protagonista, falto de alma, magia o encanto y claro, pronto pasa a importarnos bien poco el devenir de sus futuros. Y eso es algo muy negativo en una película, una pena.

En otro plano, el de factura técnica, ha de reconocérsele un talento soberbio, muy colorida y bonita de apreciar y esa B.S.O a cargo de la figura del omnipresente y magnánimo Zimmer, pero que tristemente son factores insuficientes para compensar la insuficiencia de su historia y personajes que dan al lastre con esta adaptación a la animación de cualquier cinta clásico de Kung-fu de los setenta y ochenta.
Otra vez será.

Casi por casualidad empecé a ver esta pelicula y lo cierto es que rápidamente uno queda enganchado con la desdicha del protagonista, el drama social de nuestros días hace el resto para mantenernos hasta el desenlace de la previsible historia.

El fortuito accidente sufrido por Roberto Gómez (ojo Mota, que sin duda es de lo mejor de la película) sirve para que Alex de la Iglesia ponga voz a la situación de nuestros días con desigual acierto.
En contadas ocasiones el mensaje es furioso y descarnado, en su mayor parte banal e insustancial, como ese primer plano de Mota rajando sobre los bancos por citar un ejemplo, pudiendo ser una copia de consignas de la información del día a día retransmitida en los telediarios.
Al espectador hay que hacerle pensar no dogmatizar explicitamente como tiene que hacerlo.

Salvando algunas deficiencias que restan solidez al conjunto del guión y la descarada conveniencia de presentar una cinta de denuncia sobre el tema que versa en estos tiempos que corren, lo cierto es que a Alex De la Iglesia le da tiempo de poner a caldo a casi todos los ¨quistes¨ que pueblan esta idiotizada España.
A saber, políticos, sanidad, medios, morbo, amarillismo y un largo etc... tienen cabida en este ¨discurso de denuncia¨, donde cualquier tribu urbana puede ser encontrada y cualquier raza tiene cabida el teatro romano más cosmopolita que vaís a encontar, obviamente no es algo casual.
Y aunque no sea de una manera profunda sino más bien de pasada, no nos vamos a engañar, es bueno que alguien se haga eco y use sus recursos para ello, que nunca esta de más, porque lo cierto es que con el paso de los años podremos ver esta historia sin ningún problema y recordar esos estigmas que arrastrabamos (y que arrastraremos, aunque en menor medida seguramente) y sentirnos quizas un poco aliviados.

A la cinta le falta garra y en ocasiones su denuncia resulta demagóga cual panfleto populista, quiere abarcar muchos ámbitos y al final susurra muchos pero no habla de ninguno (me sorprende que no le hayan dado caña a la religión) cayendo en una idea descafeinadamente realizada cuyo desenlace se sabe desde el minuto uno y se antoja imprescindible para dotar de la ¨fuerza¨ al mensaje que hasta entonces ha estado vagando insignificantemente a lo largo del metraje.

Vulgar e insípida en su denuncia, interesante y entretenida en su visionado.

La tercera pelicula a cargo de Guy Hamilton sobre la saga Bond se enfrentaba al desafio (por segunda vez) de reemplazar a Connery como espia inglés.
Para ello se contó con Moore, y con él se diluyeron definitivamente las pequeñas pinceladas de madurez que se habían bosquejado en ¨Al servicio secreto de su majestad¨, el futuro de las cuales aún estaba en el aire tras la vuelta (y posterior deserción) a casa de Connery en ¨Diamantes para la eternidad¨.
Con Moore como nuevo emblema de la serie, se asentó una personalidad mucho más simplona pero efectista, a caballo entre el rufioneo y la elegancia.
Combinación que no empezaría a desaparecer, mínimamente al menos, hasta la llegada de Dalton a finales de los ochenta.

Lo cierto es, que el nuevo actor soportó bien el embite de las comparaciones y pronto se estableció en la serie de peliculas, siendo inclusive el que hoy en día el que más entregas ha rodado.
Y es que, a pesar de estar un poco entrado en años cuando fue escogido, en sus últimas peliculas es más que evidente, el inglés tiene carisma y presencia en pantalla y pronto se yergue como protagonista absoluto.
Las entregas con Moore al frente mezclan en su protagonista esa elegancia característica de la saga con un aire de buscón que se infiere un tanto fuera de lugar, siendo estas entregas las que más se apoyan y abusan de infantilismos y humor barato que en ocasiones no resulta del todo conveniente y que se convertirían y exacerbarían como elemento constante en la saga.
Dichos momentos, aunque tampoco ennegrecen el resultado final si que resultan en ocasiones superfluos, sirva de ejemplo en la pelicula que nos ocupa, el momento en el que Bond se acuesta con la pitonisa:
un espia versado en toda clase de artes, lenguas y habilidades valiendose de una baraja que convenientemente contiene en todas y cada una de sus cartas la figura de los amantes. Como si de un trilero se tratase. Si eso no es chabacano e infantíl, pues ya me direís.

Centrándonos en la pelicula, ¨Vive y deja morir¨ cumple debidamente con el universo Bond, los personajes, a excepción del sheriff que resulta por momentos exasperante, son carismáticos dentro de la ficción de la pelicula y cumplen debidamente en sus papeles de malos malísimos o buenos buenísimos
Es evidente que los personajes son planos pero cumplen su función de hacernos entretener y sobre todo, ser simpáticos al espectador.
Por otro lado, la historia se observa bastante descuidada, desaprovechada y menos trabajada que en otras ocasiones, resultando en una esperpéntica mezcla de vodoo y tráfico de drogas, más que en una buena o profunda trama sobre el atractivo tema que se sustenta.
Es irrefutable, que la esperpéntica mezcla de ramplonería, drogas, glamour y acción, patente desde el minuto uno del largometraje, convierte a ¨Vive y deja morir¨ como una de las entregas más especiales y con más sello personal de la serie, habrá quien la disfrute y quien la sufra.
Quizás un enfoque más serio le hubiese sentado mejor, pero lo cierto es, que el escogido para esta ocasión tampoco desluce excesivamente el conjunto global, simplemente la transforma en una pelicula única entre sus hermanas.

Por lo demás, todos los postulados del mundo Bond, están presentes, los gadgets, las explosivas chicas, los geniales créditos de Binder, acompañados esta vez de Mccartney, las secuencias imposibles como el ¨paseo¨ (con dobles, pero real) sobre cocodrilos y mucho más.
Una entretenida cinta de acción de los setenta y una buena y sobre todo, muy personal aportación al universo Bond.

Cotton Club, o como mezclar el musical con el cine negro más clásico.
Lo cierto es, que en una primera instancia no alcanzaba a comprender como iban a poder ser bien combinados estos géneros tan dispares.
Reconozco que no me sentía muy atraido por la idea de la mixtura, pero procuré no prejuzgarla y me dispuse a verla.
Tras visionarla concluí que el sentimiento inicial no era equivocado, son dos géneros incompatibles, o más bien, Coppola no es capaz de cuajar la idea.

Cotton Club resulta un experimento un tanto esperpéntico y curioso.
Presenta una historia más que sólida y atractiva, y sobre todo clásica, con muchas reminiscencias e influjos del ¨Padrino¨ del mismo director.
Y todo esto se nota en el devenir de la trama, el desarrollo de la historia y secuencias ¨noir¨.
Pero cuando asistimos a los números músicales nos encontramos con que toda la tensión acumulada e intriga por descubrir de lo que se depara a los personajes, se desinfla porque a Coppola le da la gana de meternos una serie de actuaciones, sosas, aburridas y descafeinadas, que rompen con el gran ritmo que impone el resto del metraje.
Y ocurre una cosa curiosa, y es que, casi todas las escenas musicales, tienen justificación puesto que la mayor parte del largometraje transcurre en locales o salas de música, pero dichas secuencias son tan superfluas, parcas, vacias, poco espectaculares y abundantes que más que una combinación de música y cine negro, parece que vemos una cinta versada sobre la mafia pero con grabaciones de actuaciones cualquieras de la época incrustadas a lo largo del metraje.

Inclusive la banda sonora del gran John Barry se antoja en esta ocasión machacona y repetitiva e incluso en determinados momentos parece que las coreografías y la música no concuerda para nada, (sobre todo en las escenas de claqué de los dos hermanos en el club) aunque supongo que este último detalle será más reprochable al director que al compositor.

Richard Gere, que aunque nunca he sido muy devoto de este hombre, es amo y señor de todo lo que transcurre en pantalla, devorando a todos los demás compañeros de reparto, incluido un no todavía conocido Nicolas Cage ¨aka¨ Menos expresividad que una farola.
Y acompañado por una deliciosa y precisa Diane Lane, que son los dos principales vehiculos por los que transcurre la acción y que conforman una encarnación excepcional de sus personajes.

Pero desgraciadamente, Cotton Club es un fallido experimento a la hora de encarar su faceta musical pero una prometedora y finalmente resultona obra de cine negro en su otra vertiente.
Su conjunto se ve un tanto aburrido y enturbiado porque, reconozcamoslo, Coppola no sabe dirigir secuencias músicales, deviniendo en un gran contraste que empaña una intrigante e interesante historia.
Desafortunadamente, es la primera faceta aquella que más se hace notar, embruteciendo una obra que podría haber sido decididamente mejor definida y/o avenida.

Tras el fracaso comercial de la infinitamente infravalorada ¨Al servicio secreto de su majestad¨ la nueva aventura de Bond decidió invertir en rescatar a su valor más preciado e icónico, Connery.
Con su presencia en la pelicula, Hamilton volvió a rodar una historia en consonancia con todos los elementos que habían epitetado la saga.
Un paso atrás, pues retomó la parafernalia y chistes en detrimento de una evolución más madura y oscura del personaje que no se vería hasta mediados de los noventa y que su predecesora comenzó a bosquejar de una atractiva y prometedora manera.

La segunda incursión de Hamilton al frente del universo Bond resultó en una decepcionante y entretenida pelicula.
Decepcionante por lo alejada que resulta de la obra maestra que es Goldfinger, su anterior dirección sobre el personaje.
Entretenida porque sigue siendo un engranaje más que contribuye al rico mundo de Bond.

La historia de esta entrega esta menos trabajada que en ocasiones anteriores y desprende un cierto tufillo argumental a ciencia ficción de serie B, aderezados con ciertos elementos ¨extraños¨.
La pareja de asesinos estan a caballo entre lo inquietante, bizarro y cómico; y en mi opinión desaprovechada.
Podrían haberlos dotados de un mayor sadismo, que hubiesen sido más calculadores y frios, en vez de eso acaban despertando más simpatias y una vis cómica que la tensión que debería predecer a sus apariciones, por eso de que su trabajo consiste en aniquilar la vida y demás....

Como entrega y parte de la saga, ¨Diamantes para la eternidad¨ cumple su cometido, pero no despunta entre sus coetáneas no tiene magia o momentos memorables más allá del prometedor prólogo.
En cambio si que está salpicada de extravagancias que la convierten en la más caracteristicas de las protagonizadas por Connery, como esa persecución en el vehiculo lunar a través del desierto, (¿¿¿???).

Entretiene y conserva la esencia Bond, si bien consta de elementos muy personales y característicos, los cuales no son impedimento para los fans de la serie del espia británico.
Para los fans de la serie.

¨Confidence¨ es una de esas aproximaciones al ¨thriller¨ pero desde un enfoque dinámico, chulesco y confitado con una pizca de humor negro y que tan de moda está en los últimos tiempos y que explotó en ¨Ocean´s Eleven¨.

La obra de Foley quizás no este a la altura de la de Soderbergh pero desde luego confirma el talento de este para la narración, dotando a la cinta de un pulso narrativo que no da respiro al espectador.
En pantalla siempre acaece algún hecho, y todos ellos relevantes, de manera que la historia va ganando enteros según transcurren los minutos y nunca se estanca o da un paso atrás.

Por otro lado, el reparto es sublime, desde Hoffman a Gimmatti, pasando por Weisz o Burns.
Todos estan acertados, creibles y precisos en sus roles, otorgando a la pelicula esa solidez que tan imprescindible se requiere para los personajes de un ¨thriller¨.

Todo lo que acontece en esta pelicula está bien realizado, el elenco, el desarrollo de la trama, la ambientación, los personajes, etc.
¿Qué falla entonces?
En realidad nada, todo esta bien realizado, pero la historia es demasiado simplona en su concepto, la idea inicial, su génesis, no es nada espectacular o ambicioso, a la inversa, el hilo conductor es un tanto mundano y banal.
El suceso inicial que determina la acción posterior, en un primer momento interesante, pronto se antoja forzado, y nos damos cuenta de que la historia esta un tanto cebada para lo que en realidad es capaz de ofrecer.

¨Confidence¨ es una buena muestra de cine de entretenimiento, con un gran elenco y segura de si misma (jojojo) en lo que es capaz de ofrecer.
Le falta ambición, y en vez de arriesgar a una propuesta más salvaje o impactante, ha jugado sobre seguro, aunque más vale que sea así a echar a perder toda la obra.
No hace nada mal, pero tampoco se preocupa por ser recordada más allá de haber pasado un buen rato con una buena y entretenida pelicula, pero a fin de cuentas, ¿no trata de eso el cine?.

En pleno auge de la saga Bond y con un actor (Connery) como estrella mediática de la misma, las desavenencias económicas entre productores y el escocés derivaron en la sustitución de este último en favor del australiano Lazenby en la nueva entrega del espia británico.
Ya de por sí resultó polémica la elección del nuevo Bond, originario de las pasarelas a reconvertido actor y con un razonable parecido a Connery.
Quizas por ello se decidió darle otro enfoque, la pelicula se volvió más ruda y violenta que las predecesoras, se trabajó en un guión más verosímil dentro de la medida, se humanizó al personaje más allá de su misoginia, se desecharon los ¨gadgets¨...etc.
Es decir, hay una remarcable intención de renovar ciertos aspectos de la saga a raíz de la problemática entre actor original y estudio.

Muchos tildan este entrega como una de las peores, si no la peor, de toda la saga.
Ni por asomo, al contrario, su gran huella personal la convierten en una de las mejores, no ya de su época, sino de toda la serie.
La sustitución del actor principal quizás no sea la más adecuada, pues Connery se había convertido en toda una referencia icónica de la serie, pero sin llegar a ser una mala opción y ayudado en combinación con el resto de elementos, se conforma una gran mezcla que resulta en esta única y gran ¨Al servicio secreto de su majestad¨.

Una cinta adelantada a su momento que no sobrevivió a la ausente omnipresencia (incomprendida por mi parte) de su anterior estrella.
Si eres capaz de sobreponerte a ese prejuicio encontrarás una gran trama, de hecho hay muchísimo diálogo en esta historia.
Un diálogo, fluido, interesante, bien estructurado que va desgranando un relato bien construido y que intentaba crear vinculos con sus antecesoras más allá del propio nombre del espia.
En otros términos, era ambiciosa.

Las escenas de acción dejaron a un lado (aunque no del todo) exageraciones típicas de la serie, dando lugar a unas secuencias más violentas y realistas que realmente le sentaron muy bien, dandole un matíz más oscuro y maduro a la aventura del agente inglés.
Tanto su desarrollo como sus alicientes estan muy bien trabajados y esto hace que disfrutemos de momentos intrigantes, divertidos y alguno de ellos muy emotivos.
Sirva de ejemplo esa secuencia con Armstrong y su ¨We have all the time in the world¨ como banda sonora, el granero en la tormenta de nieve o el propio desenlace.
Esas secuencias tan bonitas son exclusivas de esta pelicula y no se encuentran despues de 50 años en ninguna otra.

Como ya he mencionado, este es uno de los mejores capitulos de la saga, pero sólo podrás disfrutarlo si tu mente no se encuentra obnubilada por la ausencia del escocés Connery en la época clásica de la serie Bond.
El gran apogeo de las anteriores peliculas encarnadas en su actor principal se la jugó y le privó de una merecida fama que a día de hoy le sigue siendo esquiva.
Una verdadera lástima porque quizás sea la entrega más personal de todas, bonita, interesante y explosiva a partes iguales.
Resulta tan imprescindible como mal avenida fue su concepción.

Un pequeño paso adelante.
Tras la mediocre ¨Thunderball¨, la nueva aventura de Bond decidió jugar sobre seguro y volver a la fórmula más clásica, sin riesgos.
Y lo cierto es que fue un buen movimiento.

Para conjurar un nuevo éxito, se escogió el lejano oriente como localización de la aventura.
Un cambio de aires que le vino muy bien para alejarse de la incipiente hidrofóbia que debía de padecer el espia británico tras sus anteriores tejemanejes.

Igualmente se consolidarían definitivamente algunos postulados que se tornarian peremnes en la saga, como por ejemplo, ese afán (en ocasiones ridículo) de hacer participe al espia en las costumbres y ceremonias del lugar, modelitos mediante, por supuesto.
Y es que, a veces se antoja un tanto ¨sorprendente¨ ver a Bond entrevistandose de kimono por el mero hecho de estar en Japón. (¿¿¿???) ¿Si viene a España se vestirá de torero?.

Y no podian faltar las historias de dominación mundial extrañamente rebuscadas (como es el caso que nos ocupa). Unas más que otras pero muy comunes ellas en las cintas de los 70 y parte de los 80 del espia.

Por otro lado, en está cinta se perpetuarían tambien las secuencias de acción ¨imposibles¨.
Esas que en ocasiones hacen que nos sonriamos de lo inverosímiles que pueden llegar a ser.
Escenas ¨made in Bond¨, repletas de artilugios, combates dignos del mejor wrestling (por aquello del teatrillo) y situaciones o villanos (en contados casos) un tanto ¨freak¨.

Para bien o para mal se convertirían en señas de identidad durante muchas entregas, obviando la ¨timidez¨ inicial de la saga y que perduraría hasta la ¨violencia realista¨ de los últimos episodios.

¨Sólo se vive dos veces¨ hizo esa contribución para con la serie Bond pero además, por separado, es un buen capitulo.
Un buen capitulo a secas.
Parte de una historia pretenciosa e increible pero que resulta en un entretinimiento más que suficiente.

Dicen que las comparaciones son odiosas, pero sin ellas no podriamos medir la calidad que se puede llegar a esperar de las cosas, y bien es cierto que esta entrega no está a la altura de las tres primeras aventuras pero continua la saga por el sendero adecuado, un camino que quizas sería menos elaborado en sus primeros compases (sobre todo la época de Moore) pero que le llevaría a madurar y a convertirse en una de las series más célebres del celuloide.

Una recomendable y necesaria continuación del ciclo Bond muy disfrutable.

No llega a la altura.
Con diferencia, Operación Trueno, es una de las aventuras más flojas de toda la saga, incluso para un incondicional, (como es mi caso) ávido de más y más capitulos del espia británico, esta descafeinada apuesta submarina se antoja un tanto dificil de digerir.

No es tanto por la trama sino por la puesta en escena y desarrollo de la misma.
A Young parece ser que se le enquista cual tumor la idea de sumergirnos bajo agua una y otra vez.
Y debido a esa terquedad pasamos gran parte de la pelicula en un fondo marino y diversas masas de aguas que van desde piscinas a puertos pasando por playas e islas o el nombre que queraís introducir, es de seguro que tiene cabida.
Lo que no es comprensible es lo parcos que estos escenarios resultan, sin más variedad que la arena y el esporádico plano de alguna tortuga.
Y claro, todo esto acaba pasando factura y haciendo mella en el espectador.
Podían haber ido a algún arrecife, vamos, digo yo, por aconsejar algo.

Quizas la pelicula fuese demasiado pretenciosa en su momento y época, reflejado queda que ni las tecnologías ni los recursos de entonces eran los de ahora y eso es una constante en las escenas acuáticas, pues en su mayoria resultan pesadas, largas y monótonas.
El climáx de la cinta, una gran batalla entre buzos perfectamente uniformados por equipos como si de un partido de fútbol submarino se tratase se hace extrmadamente laaaargaaaa y se confoma como un epílogo cuyo único interés recae en ver cuando acaba.

Tampoco ayuda a acrecentar la disposición el villano de esta entrega, una burda adaptación del arquetipo de un pirata de los de toda la vida (de esos que leemos en Peter Pan cuando somos crios) a los tiempos de ahora, bueno, a los 60 más bien.
Esto incluye navio y cala propios y hasta parche en el ojo, vamos que le faltaba el loro y la bandera de calaveras.

Afortunadamente, la cinta conserva la esencia Bond.
Mujeres hermosas, una trama interesante, gadgets, exageradas e imposibles secuencias de acción y demás señas de la saga en suficiente buena combinación como para que disfrutemos con ella.
Paradojicamente son los momentos iniciales los que resultan más intensos e interesantes y aunque haga gala de una narrativa mediocre con muchos altibajos que lastran nuestro disfrute en determinados momentos, (maximé tratandose de la siguiente entrega tras la excelsa ¨goldfinger¨) sigue haciendose valedora de buenos momentos que todo fan de la saga sabrá apreciar y disfrutar.

Una pretenciosa y mejorable propuesta recomendable sobre todo para los seguidores incondicionales como es este objetivo servidor.

Con una diferencia abismal, ¨Goldfinger¨ sería (y es) una de las mejores incursiones de la saga.
Supuso la consagración del agente más famoso del cine y la ¨declaración oficial¨ de que había venido para quedarse entre nosotros, y desde luego no pudo hacerlo de mejor manera.

De Terence Toung pasamos a Guy Hamilton (que dirigiría 3 peliculas más) y se comenzó a profundizar más en un personaje hasta ahora inmaculado de fracasos de cualquier índole emocional.
Si bien sigue siendo un irresistible ¨galan¨ de la época (esa delatora palmadita en el culo de la chica del hotel) aquí no todo sale como en los cuentos, no puede salvar a todas las chicas que se propone, ni es una máquina de matar todo-terreno, de hecho, Bond se pasa buena parte de la pelicula como rehén.
Y curiosamente, o debido a ello, se antoja como una de las mejores peliculas de acción de la época y de la saga.

Anticuada pero muy efectista, la linea argumental que nos lleva de Suiza a EE.UU está muy bien desarrollada y a día de hoy sigue planteando una idea que si bien resulta un tanto increible en su proposito, si resulta muy inteligente y está muy bien desarrollada, pues consigue que nuestro interés no decaiga en cualquier momento, al contrario, logra que estemos bien atentos.

A todo ello hemos de sumar unos secundarios de lujo, pero no más a los actores en pantalla que los roles que encarnan. ¨Q¨ y su ingenios por citar, pero todos ellos a la sombra, de ese mudo y bajito Oddjob, que pasaría a conformarse como uno de los iconos de la serie Bond.
Unas secuencias míticas, algunas de ellas han pasado a la posteridad, como el ¨baño de oro¨ o ¨los ingenios del Aston Martin¨ junto con una banda sonora de auténtico lujo, terminan de conformar una de las obras maestras del cine de acción y una de las más importantes en la saga Bond por todo lo que supuso y aconteció.
Imprescindible del cine en general e indispensable si gustas del espia británico.

Atemporal.

Desde Rusia con Amor, fue el presagio (que se encargaría de consolidar su siguiente entrega) del fenómeno en que habría de convertirse la saga Bond.

A diferencia de su antecesora, la nueva aventura de Bond resulta mucho más madura, ruda y sobre todo, interesante.
La trama y el guión están bien estructurados y hacen que disfrutemos con los ardides y situaciones en pos de la obtencion de la máquina ¨lektor¨, todo ello, ¨sazonado¨ con los ingredientes típicos de la guerra fria reinante de aquellos días a nivel político; agentes dobles, complots, URSS y demás, todo ello con el sello característico ¨Bond¨.
Y dicho sello no es fácil de obtener. Requiere, mujeres despampanantes (Daniela Bianchi siempre me pareció una exquisitez), gadgets y villanos a la par en carisma que el propio agente británico, con secuencias de acción explosivas y trepidantes (exageradas en algunos momentos de la saga) y una banda sonora inolvidable.

Lo cierto es que esta segunda entrega comenzaría a incluir ingredientes que perdurarían (para bien o para mal) en la saga.
Lo acertado de los ¨gadgets¨ y útiles del espia, que hacen que anhelemos los 5 minutillos en los que ¨Q¨ aparece en cada una de las peliculas.
El buen hacer en la profundidad y carisma de los enemigos y villanos; unos más acertados que otros.
O lo desafortunado de presentar a las co-protagonistas como meras comparsas y fuente de problemas a la par que excepcionales amantes, una tendencia que tardaría en erradicarse y que daba un toque, en ocasiones, un tanto irreal para un agente secreto encargado de salvar al mundo en tantas ocasiones.

Va a hacer medio siglo que se estrenase ¨Desde Rusia con Amor¨ y si bien para todos los que conocemos la saga desde hace años seguimos disfrutandola como el primer día, a los neófitos en ella, con todos los efectos de hoy en día y el refinamiento del género, no está de más la advertencia de que se desagan de todo prejuicio temporal y tecnológico para poder apreciarla como lo que es.
Un clásico de la saga y del cine de acción de la época. Imprescindible.

La saga más mítica de la historia del cine tiene con ¨Dr. No¨ un excelente punto de partida, que insospechadamente daría lugar a una de las series de peliculas más disfrutables jamás creadas.

Dr. No es con derecho propio una de las cintas más emblematicas de la serie, precursor de infinidad de detalles presentes en muchas de las peliculas de acción de hoy en día, y que se convertirian en las señas identidad de toda la saga.
A saber, mujeres explosivas, secuencias de acción imposibles, una banda sonora épica con unos temas de lujo, una producción de diseño fastuosa, villanos carismáticos y un protagonista chulo, elegante, misógino, por encima de todas las reglas y que obnibula a todos los personajes restantes con su caracter.

Todo este cocktail se gestó (aunque no maduró hasta más adelante) en Dr. No, y aunque a la cinta le pesan los años, cualquier aficionado a la saga ( los neófitos tambien podrán ) la disfrutará como el primer día o incluso más por comprobar como ha ido evolucionando la saga.

Cierto es que era otra época y que hasta más adelante no destarraría determinados aspectos que se tornaban un tanto draconianos, como el hecho de que las féminas protagonistas fueran poco más que objetos de ridículos nombres sexistas de los que cuidar, las cuales caian rendidas a sus pies.
O determinadas escenas un tanto infantiles como que Bond aparezca cantando en la playa o el supuesto ¨dragón¨ de la isla que se antojan completamente fuera de lugar en un guión muy interesante y bien hilvanado en su mayoria.

Pero la realidad es, que obviando estas nimiedades disfrutaremos de la pelicula que dió lugar a la alargada sombra de Bond, que a su vez se adereza de un reparto excelente, una historia intrigante y bien desgranada, una buena banda sonora y unos decorados hipnóticos.

Imprescindible.

¨La armadura de Dios¨ es una de las peliculas más conocidas de Chan y aunque quiza no sea de sus mejores, si que puede ser un buen entretenimiento de tarde para aquellos que gusten de las típicas cintas del chino ya que reune todos sus ingredientes.
Desde los ¨gags¨ usuales en sus coetáneas, (algunos simpáticos, otros ridículos) , pasando por interesantes coreografías o las increibles secuencias de acción en las que Chan practicamente se juega la vida.

La cinta en sí no destaca especialmente por sus peleas, trama, personajes, secuencias, pero si que hace un buen compendio de (casi) todas ellas compensando sus carencias.
Si bien no contemplamos peleas excesivamente vistosas y/o espectaculares, por debajo de lo que sabemos que es capaz Chan, disfrutaremos con unas más que trabajadas secuencias de acción.

Uno de los aspectos imprescindible en cualquier historia son los personajes ya que son los encargados de narrarnos y describirnos los acontecimientos.
Y quizas sea ese el punto donde más cojea esta pelicula.
Haciendo gala de unos personajes, que si ya de por si nos ¨chocan¨ al ver como los europeos dominan el cantones (V.O.), más lo hacen al ver las motivaciones infantiles que exhiben a la mínima y sin ningún pudor ya sean en conversaciones o situaciones.

A pesar de eso, la pelicula se hace bastante entretenida, que a fín de cuentas es lo importante, y si bien no es de lo mejor de la filmografía de Chan, si que es recomendable si eres fan suyo.
No te defraudará.

La antigua colonia británica de Hong-Kong sirve de escenario para la dirección de Jackie Chan sobre si mismo en esta pelicula.
La historia como siempre es bastante simple, en este caso, los corsarios obtienen a tráves de sobornos a la administración armas con las que perpetrar sus abordajes, para atajar este problema, un oficial de la marina, Dragon Mi Yong (Jackie Chan) unirá sus fuerzas con el policia Tsu (el siempre infravalorado Yuen Biao) y un estafador (el orondo y a partes iguales espectacular, Sammo Hung Kam-Bo).

Inicialmente, la pelicula nos muestra una rivalidad entre distintos cuerpos de defensa de la colonia, lo que deriva es una serie de escenas esperpentas y cómicas y de acorde al humor chino, tan particular él, en ocasiones quizas resulte demasiado infantil, lo cual no significa necesariamente que sea algo malo sino diferente.
Pero lo que es importante, es que cumple con su finalidad que es la de entretener y más de una vez os esbozarán una sonrisa, que a fín de cuentas es lo importante.

Las secuencias de lucha, el alma de estas cintas, sin ser las mejores en las que ha participado los chinos, resultan de ser lo suficientemente espectaculares para que de tanto en tanto exclamemos: ¡¡Vaya hostia se han metido!!.
Aunque cierto es que se echa en falta una mayor continuidad en determinados planos que potencien esa espectacularidad, algunas escenas se antojan muy precipitadas, la verdad es que en conjunto estan muy conseguidas y bien realizadas, mención aparte de la escena de la torre del reloj, donde en la caida, Chan sufrió en la columna una de sus peores lesiones.

Un punto que en particular que si he considerado negativo es la manera de desaprovechar a Sammo Hung Kam-Bo, cualquiera que haya visto alguna cinta de este hombre sabrá de lo que es capaz a pesar de su sobrepeso, por ende, rasgo definitorio suyo, y su papel en esta cinta es (inexplicablemente), casi, casi, anecdótico, recayendo todas las coreografias entre Chan y Biao, otra vez será.....

En conclusión, ¨Los Piratas del Mar de China¨ es una pelicula que sin destacar excesivamente sobre la media deja un buen sabor de boca a tenor de unas buenas peleas y algún que otro gag bien elaborado, el guión, en determinados momentos, incomprensiblemente estupido junto con el desperdicio de las capacidades de Sammo Hung Kam-Bo lastran un tanto esta cinta, pero afortunadamente sus virtudes prevalecen sobre sus defectos y al visionarla obtendremos un resultado satisfactorio y entretenido.

Si revisamos las peliculas de Chan de la década de los 70, probablemente lleguemos a la conclusión de que ¨La Serpiente a la Sombra del Aguila¨ es, junto a ¨El Mono Borracho en el Ojo del Tigre¨, los mejores exponentes de ese periodo.

Woo-ping Yuen, director de la cinta, se percató del potencial de Chan para empatizar con el espectador y explotó ese filón pseudo-cómico que acabó por convertirse en una constante en todas las peliculas protagonizadas por el actor.
La verdad es que la pelicula salió bastante favorecida con esta decisión si bien el humor chino de la época era un tanto infantil y nimio.
Aún a pesar de ello, se disfruta siempre y cuando no se le pretenda seriedad a los ¨gags¨.

En esta ocasión, la obsesión de un maestro por eliminar a todo practicante del estilo ¨Puño de Serpiente¨ consigue que el último practicante superviviente, un anciano, enseñe dicha técnica a un pobre conserje de una escuela de artes marciales para que pueda defenderse del constante abuso que sufre ( Jackie Chan ) en agradecimiento por ayurdarle y acogerlo.

Como en la mayoria de este género, más encima encontrandonos en los setenta, el guión dista enormemente de ser una obra de arte, pero si es cierto que la inclusión de determinados ¨gags¨ hace la cinta más consistente y disfrutable que en ocasiones anteriores.
La situaciones a las que Chan hará frente resultan muy bien llevadas y muy divertidas, algo que se deber sobremanera a las grandes coreografías que abundan a lo largo del metraje.
Estas se encuentran muy bien dosificadas y sobre todo, perfectamente ejecutadas, con determinados movimientos que consiguen mesmerizarnos a raíz de su gracia y sutileza.

En lineas generales, la pelicula es muy entretenida, sin llegar a aburrir se nos ofrece una buena cantidad de peleas muy bien ejecutadas y más espectaculares todavia, si eres un fan de este género no dejes de echarle un ojo a esta cinta.
Uno de los mejores exponentes del cine de artes marciales de los años 70 que ha envejecido mejor que la mayoria de sus coetáneas.
Muy divertida.

Otra cinta de los años 70 de artes marciales, con un jovencito Jackie Chan empezando a acaparar cierta notoriedad, de hecho, en el 78, fecha de producción de la pelicula, rodó hasta un total de 7 titulos.

En esta ocasión, Chan, encarna al protagonista al que se le han confiado las técnicas de la grulla y la serpiente, de las cuales se servirá para dilucidar que ha ocurrido con los 8 maestros que las confeccionaron, todos ellos desaparecidos.
La historia es bastante simplona, cosa típica en el género, y rapidamente se convierte en algo anecdótico, un simple pretexto para poder disfrutar de algunos combates muy vistosos.
Como bien es sabido, las luchas pasan a convertirse en el eje central de la cinta y las encontraremos en bastante abundancia, casi tantas como carencias en el guión.
Quitando algunos momentos de exageración ( algo usual en aquella época ) la coreografía de las peleas es bastante buena en general, y salvo alguna excepción que desmerece un tanto la media, rayan a un buen nivel en conjunto.

El desarrollo de la aventura es bastante lineal y poca variedad encontramos limitandose a grandes rasgos en las susodichas reyertas.
Lo cual incide en la diversión que experimentamos, con lo que en ocasiones tenderemos a aburrirnos un tanto.
Aunque estos momentos son muy puntuales estan presentes y entorpecen el visionado de la cinta.
A pesar de ello y sin grandes alardes en el plano técnico ( se notan los muchos años que tiene encima ) la cinta es bastante disfrutable y aunque quizas no resulta todo lo divertida que debiese, si que tiene momentos espectaculares, sobre todo el inciso en las diversas técnicas de lucha y sus estilos de combate y por supuesto ver de lo que es capaz el maestro Chan.
Una cinta entretenida, en la media del género, interesante para los incondicionales del chino.

Una de las primeras peliculas que tenian a Chan como protagonista, si bien todavía no se había granjeado la fama actual, empezaba a hacerse un hueco en el cine de artes marciales, sustentado por sus proezas físicas y su vis cómica.

Observando que este género todavía no había ¨explotado¨ se nota que es un titulo ¨made in China¨ hecho por y para el disfrute de aquel territorio.
Cierto es que en este género nunca ha brillado por sus interpretaciones o guión, como igual de verídico es que nunca lo han intentado, pero la verdad es, que en esta pelicula no hay muchos más allá de unas irregulares peleas.

La linea argumental es rídicula y es tan solo un mero pretexto para ofrecernos combates y trifulcas, dicho de otra manera, si buscaban las secuencias de acción podrían haber ofrecido la típica rivalidad entre escuelas (como ha sido muy habitual en el género) por poner un ejemplo de miles, en vez de esta historia tan patética.

Por otro lado la falta de originalidad y creatividad de la que adolece es bestial, valga como ejemplo la muy divertida ¨El mono borracho en el ojo del tigre¨, un exponente claro de lo bien que puede resultar una cinta de esta indole con un poco de esfuerzo más allá de las peleas y las coreografías.
Y ni por esas, pues el punto fuerte que se le puede presuponer a este género ni siquiera cumple aquí.
Las luchas resultan un tanto confusas, con planos muy cortos y poco trabajados muy lejos de la linea habitual de lo que ha sido capaz Chan, si bien es cierto que poco corta aquí más allá de seguir las instrucciones de la persona responsable del baile.

Por todo ello la cinta se va tornando tediosa y aburrida, muy aburrida.
Tiene algún enfrentamiento destacable y algún momento muy puntual rescatable, pero el resultado global es muy pobre.
El hecho de haber sido realizada para los gustos asiáticos no la excusa de haber trabajado MUCHO MÁS el conjunto de la pelicula, pues hay decenas de opciones mucho más satisfactorias.

A todo esto hemos de sumar el hecho de lo mal que ha envejecido la cinta en el plano técnico, pues la fotografía emponzoña continuamente la imagen, resultando esta de pobre calidad, algo que se podría haber arreglado con una buena remasterización, cosa que no se han molestado en realizar para la edición española.
Al igual que el doblaje, vedla en V.O. porque de verdad que es muy triste escuchar en castellano determinados pasajes.

Pocos alicientes tiene en su haber para disfrutarla más allá de ver a un jovencito Jackie Chan con uno de sus primerizos roles protagonistas.
Por todo lo demás, prescindible.

Solo Dios (si es que existe) sabe que le ocurriría a John Grisham si alguna vez el mundo llegase a un estado de anarquia, probablemente acabaría en un perpetuo ostracismo.
Desde luego hay que reconocerle la habilidad de saber construir una y otra vez historias que giran en torno el ambito de derecho y justicia y lo diferente que PARECEN unas de otras.
En esta ocasión la novela a adaptar, o más bien, a basarse, es el libro homónimo lanzado allá por el 1996 y para ello, un contundente reparto encabezado por Cusack se hace cargo de hacer llegar a buen puerto este manifiesto anti-industria armamentistica.
Y es que en un país donde la población tiene un derecho constitucional a ir armado (irracional por completo según mi opinión) la historia abordada aquí es una constante.

Para esta ocasión, el juicio a una empresa armamentistica sirve de alegato contra este ¨derecho¨ tan arraigado en cultura yanqui.
Una diatraba que se va desgranando paulatinamente en pro de sus contras sobre esa ¨defensa personal¨ del ciudadano americano.
Hasta aquí todo muy correcto y muy interesante.
Todo este panfleto se mezcla con desigual fortuna con una red conspiratoria para poder manipular al jurado.
Una manipulación poco plausible, es obvio que se trata de una pelicula, pero en ocasiones todo parece demasiado exagerado y desmesurado, tanto por parte de los ¨malos¨ (a lo grande y con muchos medios) como de los ¨buenos¨ (más minimalistas y precisos) haciendo parecer las cosas demasiado precipitadas, y otorgando un ritmo sobrecargado, al estilo del cine de Tony Scott, que se me viene a la cabeza.
Y sobre todo, haciendo parecer que con un mínimo de ingenio uno puede ¨comprar¨ una resolución judicial.
¿De verdad?.

Salvando un tanto esta mezcla, la pelicula es muy dinámica, y aún a pesar de esos momentos recargados, nos cautiva rapidamente y se antoja muy interesante en su concepción que nos lleva a intentar dilucidar las intenciones y siguientes pasos de ambos bandos.
Todo ello nos lleva a un final ¨made in America¨ solo que en esta ocasión resulta un tanto utópico y previsible.

El reparto, encargado de sobrellevar este delicado tema, resulta muy bien avenido, en especial el inconmensurable Hackman que resulta exquisito.
Todos ellos recrean unos personajes precisos, aunque demasiado esteriotipados en sus roles (buenos muy honestos y malos muy malvados), de acorde con un guión, aunque totalmente inconcebible, bien estructurado en su ficción.

Un muy entretenido alegato ¨anti-belicista¨ de tiempos modernos, poco creible pero bueno en contenido.
Muy disfrutable.

Sin novedad en el frente.
Una nueva revisión (de esas que le gusta tanto a América) de uno de esos héroes anónimos que fueron pioneros en eso de los derechos para aquellos que no tienen la piel pálida.

De nuevo, las premisas funcionales en otros tantos pseudo-biopics (digo pseudo por las licencias tomadas con la realidad) hacen acto de aparición,para encargarse de hacer girar los engranajes de algo que ya hemos visto decenas de veces y aún así no lo aborrezcamos, aunque bien visto, si no ocurriese así, no serían funcionales, valga la redundancia.

Para dotar de un mayor peso a la pelicula, Robert de Niro y Cuba Gooding Jr. (sin realizar ninguno de los dos un trabajo más allá de lo ordinario) son los encargados de encarnar al irascible instructor de costumbres y al aspirante negro a buzo respectivamente.
Los prejuicios sociales y el racismo son elementos claves en esta historia y vuelven a mostranos a la sociedad más radical.
Una muestra de la idiosincrasia reinante en aquellos días, detontantes de las situaciones a la que se tendrá que enfrentar para poder llegar a alcanzar su sueño.
La pelicula se centra en este aspecto y se esfuerza por intentar hacernos ver esta ¨radiografía de la realidad¨, el problema de estas adaptaciones (o al menos encuentro yo) es que son demasiado partidarias, en este caso con el protagonista.
Aquí no hay un termino medio, TODO el mundo odia al chico, a TODOS les parece sacrilego (bueno, a todos no, al tartamudo, pero fijaos en el hecho de que la única persona que la acepta es la que tambien se siente distinta) que una persona de color se integre en su vida. TODOS aconsejan que se aparte de sus ambiciones.... Lo cual me lleva a preguntarme si tan reprimida estaban las minorias.
¿NADIE fue partidario de su causa? ¿NADIE comprendía el esfuerzo que desempeñaba? ¿NADIE de su ambito podía preveer sus implicaciones y apoyarlo, solo el ¨malvado general¨?
Algo muy típico que suelen arrastrar estas producciones y es el demonizar a los malos y encumbrar a los heroes.

Igualmente la pelicula consigue resultar entretenida, y aún a pesar de repetir dichos antecedentes consigue resultar dinámica.
Su mayor problema, pues que no ofrece nada nuevo y vuelve a estancarse en formulas ya suscritas en multitud de ocasiones lo cual dotan a esta historia de superación personal de una sensación de ¨deja-vu¨.

Pocas veces encontraremos una aproximación tan cercana al amor como la que nos ofrece esta pelicula.
....¿Amor?......
Así queda patente en el titulo.
Si, sobre esta emoción versa este cruce de historias.
Sobre un amor humano, imperfecto y cruel, sin caer en la idealización del concepto pero a la vez bonito.....algo similar a la realidad.
Acostumbrados a la edulcorada concepción americana del don de Afrodita, olvidamos la sordidez de algunos cariños y el sufrimiento que estos pueden llegar a causar.

Es por ello que el tándem mexicano Iñarritu-Arriaga se propuso devolvernos a la realidad mostrandonos la cara más amarga.
Una cara en la que se nos muestra los diversos procesos de redención a los que son sometidos los protagonistas.
Donde todas esas utopias que han ergido sobre sus deseos se derrumban de un plumazo, volviendo a ser conscientes de la cruda realidad que han olvidado y condenados a seguir soñando e imaginando.

Los sufridores aquí presentados, encarnan esos sentimientos que probablemente (en mayor o menor medida) todos hayamos experimentado en alguna ocasión de nuestras vidas.
Es por eso que rapidamente empatizamos con alguno de los personajes presentados.
Dichos caracteres estan brillantemente construidos creando una composición llena de matices y cargadas de detalles, un trabajo digno de alabanza motivado por el gran guión y a lo que contribuye en gran medida el reparto que se encuentra a un muy buen nivel en lineas generales.

No obstasnte, la narración de Iñarritu, a pesar de estar muy cerca de ser sublime bien evidencia cierto desínteres que la pelicula va acarreando en ciertos momentos puesto que la primera historia esta un peldaño por arriba de las dos restantes, que sin desmerecer la gran oda que es esta cinta, restan un tanto de intensidad al resultado final.
Tres historias que dismitifican el amor, cada una con su propia identidad y variante, que humanizan el concepto y hacen que diste mucho del concepto romantico que se ideó en el S. XVIII mostrando los momentos más lóbregos y frios que acompañan (y acompañarán) a este sentimiento.
Una gran mirada al día a día.
Un verdadero ¨Amor Perro¨.

Como ya pusiera de manifiesto Eastwood con su carrera como director, el haberse empapado de experiencia a base una dilatada trayectoria como actor, ha servido para conformar el gran cineasta que es hoy en día.
Haggis en este sentido ha demostrado ser el alumno adelantado de la clase, con tan solo dos guiones para cine (unos pocos más para televisión) se aventuró a dibujar un mosáico sobre la Amércia más racial y racista.
El resultado de esto, se conformó como una de las mejores exposiciones sobre los prejuicios contemporaneos de los yanquis.
Habida cuenta da de todos y cada uno de los personajes ya sean caucasicos, persas, suramericanos, negros o asiáticos.
Todos tienen cabida y todos arrastran sus miserias personales.
Todos y cada uno de nuestros anti-heroes, esos que vuelcan sus miedos a lo desconocido y sus prejuicios para con los que son distintos, o creen que son diferentes según sus premisas personales.
Con todo lo avenido hacía los personajes, Haggis compone un cuadro donde podremos ver exteriorizado el escarnio interno que sufren los antagonistas (todos ellos).
Da igual como sea esta expresión, puede serlo como un abuso de autoridad o como un tráfico de inmigrantes,la sintesís es la misma en todos ellos, la reclusión en el mundo propio de cada uno regído por sus experiencias y viviencias hace que importe muy poco el prójimo, y esto es lo que el cineasta denuncia de una manera magistral.
Una oda retratista de la intolerancia y el desamparo que prodigamos a los demás en un mundo donde la indeferencia a lo que no nos atañe esta justificada por una falacia llamada ¨sociedad del bienestar¨.

Aún así, todavía hay esperanza, y eso clama a gritos el director.
Despues de dar un gran puñetazo en la cara de la sociedad yanqui (puediendo extrapolarla a otros muchos paises) se nos invita a reflexionar, a pensar del porque hemos llegado a ese punto y si de verdad merece la pena continuar por este camino.
Invita al cambio y lo cree posible, conminando a sus personajes a madurar y ver (y ha aceptar) la realidad que ellos mismos se niegan.
Unos cambian, otros no, pero todos reaccionan cuando se ven involucrados, se percatan de que su mundo se puede alterar y fruto de esas vivencias conforman su persona.
Una pelicula que aboga por el cambio, que denota que algo esta fallando y que poco importan los demás cuando hemos de prescindir de algo, algo tan inmaterial como el tiempo.

Una obra de arte en todo su esplendor es lo que esta colisión.
Un ¨accidente¨ que muchos necesitariamos.