Las cosas por su nombre. Woody Allen, uno de mis ídolos, no puede salir impune de ciertas cosas.
Esta película hubiera sido simplemente aceptable si fuese la primera vez que Woody se acercaba al crimen y a la suerte. Pero no tiene sentido, ni el más mínimo, cuando ya has rodado algo magistral con esa trama y ese leitmotiv.
Si en Match Point (y aún más en Delitos y Faltas), a Woody le visitaron las musas; si en Midnight in Paris nos enseñó por qué ama a la capital de Francia... aquí ni siquiera puede presumir de sus habilidades de reciclaje.

La historia, si desconociéramos las citadas obras, no estaría del todo mal. Habría la excusa de usar París como escenario de la turbulenta trama, pero no funciona en absoluto. La misma película se podría haber rodado en cualquier parte del mundo y hubiera sido la misma. La música no puede ser más inapropiada y los actores están simplemente pasables. A pesar de ser franceses, todos parecen americanos.

Woody no está obligado a más nada. Ha creado tantas obras memorables que su figura hace siglos que duerme en el olimpo del cine. No hacen falta más.

Habitualmente, soy archi-enemigo de remakes y sucesivas partes. No suelen aportar nada, y casi siempre, estropean incluso magníficos originales con efectos retroactivos (lease Rocky o Elm Street).

Pero no es el caso presente. Se nota que esta secuela está muy bien pensada, y hecha con mimo para que pueda pasar por digna sucesora de una obra maestra.

El primer acierto es convertir aquella quasi-comedia en todo un melodrama. Cualquier otro enfoque les hubiera abocado al fracaso absoluto. A este respecto, han sabido introducir sutiles referencias a la original. Pero son referencias que sin duda emocionarán a los que vieron de niños la obra maestra.

El segundo acierto es localizar la acción en la crisis de 1929, que nos toca directamente por haber vivido (o estar viviendo) una muy similar.

El tercer acierto es moderar el papel de Mary Poppins, que aquí actúa, más que como una todopoderosa bruja, como una especie de conciencia fantasmal, muy al estilo del Cuento de Navidad de Dickens. No utiliza su poder más que en casos contados, y dosifica sabiamente los mensajes que transmite a los niños. En realidad, no hace sino adaptarse a la verdadera Mary Poppins, la del libro, que es un ser mucho más neutro.

La música está muy bien actualizada. Se inspira en ciertos ritmos de las canciones del original, pero sin que se note demasiado. Si la valorásemos como musical de nueva creación, sin duda sería uno muy bueno.

La fotografía es bellísima. Quizá choca un poco la escena en la que mezcla dibujos animados con los personajes. Pienso que, siendo una buena idea, no cuadra mucho ese tipo de dibujos. Ahí, podrían haber sido algo más creativos y haber hecho la mezcla con ¨cartoons¨ algo más originales.

Y la mejor aportación, en mi opinión. La única ¨carencia¨ de la original fue que todo era un decorado. Ahora, Londres es Londres. Y pocas veces hemos visto Londres con tanta belleza, trayéndonos recuerdos de Dickens, Stevenson o Walter Scott.

Y SÍ, ES INGLESA. GRACIAS A DIOS. Es todo un placer escuchar ese inglés británico en la versión original. No quiero imaginar la burrada que hubiera salido si esta película la hubiesen hecho en Hollywood. Mejor no pensarlo.

INFRAVALORADA POR SU CREADOR, SOBREVALORADA POR EL MUNDO

En esta disquisición, me inclino más por la postura de Woody. Manhattan es una historia estereotípica de Woody Allen, rodada con un estilo absolutamente opuesto.

Lo mencionado, en sí mismo, no es un defecto. Lo que sí percibo como un problema es que la historia no demanda tal estilo. Toda la solemnidad del principio y la fotografía en blanco y negro imitando los clásicos de Hollywood no cuadran con una trama que, al final, es muy sencilla y no da para mucho.

No es el caso de, por ejemplo, Annie Hall, con la que comparte temática. Aquella sí utilizó un estilo absolutamente nuevo y propio y, sobre todo, coherente con la historia.

La trama de Manhattan fue, además, repetida, con mucha mejor fortuna, en MARIDOS Y MUJERES, donde Woody sí que fue realmente Woody.

En fin, que coincido con su creador en que Manhattan no es para tanto.

OBRA MAESTRA DEL MAESTRO

Una de las cosas que más me han llamado siempre la atención de Woody Allen es su incapacidad para valorar sus propias obras. Ya le ocurrió con Manhatan (aunque en dicho caso coincido parcialmente con él), que media humanidad consideró una obra maestra mientras que él la despreció expresamente. Tampoco reconoció nunca debidamente su enorme ¨Delitos y Faltas¨, en su top 5 sin duda alguna.

Desmontando a Harry es casi lo mejor que Woody hizo nunca. Jamás antes -ni después- mezcló la comedia hilarante, el cine intelectual, la tragedia de la vida y las relaciones entre las personas, con tanto acierto.

Esta película es antológica, en sentido literal y múltiple. En ella se recogen momentos ya vividos en otras obras de Woody, solo que aquí de la mejor manera posible. Y también -como en Manhatan, pero mucho mejor- se introduce la literatura de forma inigualable, percibiéndose la película como una especie de sucesión de relatos cortos a cada cual más genial.

Si intento pensar en alguna de Woody mejor que ésta, solo se me ocurriría LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO. con la que comparte más de un punto. Pero probablemente solo por un motivo: La originalidad.

Y es que Desmontando a Harry es, ante todo, un homenaje al inmortal INGMAR BERGMAN. La historia es un remake, nada camuflado, de Fresas Salvajes (1957). El protagonista se apellida Block, como el legendario caballero de El Séptimo Sello (1956) y el primer relato de la aparición del personaje de la muerte es una parodia de la misma película.

En cuanto al estilo, la película es un prodigio. Movimientos de cámara estilo a ¨Maridos y Mujeres¨, desdoblamiento de actores-personajes, cruces continuos de la realidad con la fantasía... En resumen, un Woody Allen desatado que toca cada tecla en el momento justo.

Si la película no hubiese sido un homenaje tan claro, merecería un 10 absoluto. Toda una OBRA MAESTRA.

Si hay un calificativo que cuadra con esta película es el de EXTRAÑA. El gran Terry Jones, inigualable en la comedia Python y en otras que realizó en solitario, acude aquí a un estilo casi documental, y el resultado te deja a cuadros. Tanto, que pasa bastante tiempo antes de que puedas decidir si te ha gustado o no.

Otro apunte que se podría aportar es que es, seguramente, la película erótica menos erótica de la historia, en el sentido de que nadie podría encontrar ni un átomo de material excitante en todo el metraje del film. La intención parece ser mostrar una realidad descarnada, envuelta quizá en un celofán de humor negro, pero tan leve que no oculta el drama que contiene en su interior.

Otro adjetivo que viene a la mente es DESAGRADABLE, especialmente en ciertas imágenes explícitas que surgen de forma inesperada.

La dirección y realización son buenas y todas las interpretaciones más que creíbles. Terry Jones muestra que sabe lo que hace, y no por primera vez.

Recomendable para seguidores de este icono de la comedia y para aquellos que busquen experiencias nuevas y diferentes.

ABANDONEN TODA ESPERANZA

Puede ser, probablemente, la película más amarga de Woody Allen. Desde que empieza no hay respiro, ni deja resquicio para el más mínimo soplo de optimismo. Solo los momentos de encuentros amorosos aportan una más que insuficiente válvula de escape a tanta concentración de amargura.

Tanto Kate Winslet como Jim Belushi están soberbios. No se puede representar mejor a dos personas en estado de neurosis aguda. Los demás, acompañan adecuadamente. En el apartado técnico, excelentes fotografía y banda sonora. Sobre el guión, buen uso de las elipsis en beneficio del mismo dramatismo.

La historia, ciertamente, es una tragedia griega, y Woody introduce alguna referencia para dejarlo claro. Es verdaderamente sorprendente (y no es ninguna novedad) la capacidad de Woody Allen para reciclar (o simplemente crear su versión) de libros, películas u obras de teatro que hicieron historia.

Son pocos los defectos que se le pueden colgar a la cinta. Tal vez, hay poca progresión dramática, pues la situación es casi la misma de principio a fin. Y como error más o menos de bulto, no tiene sentido que el vigilante de la playa haga de narrador de la historia directamente al espectador, cuando es evidente que no puede contar escenas en las que no estuvo presente.

De todas formas, todo un drama trágico que te deja al finalizar mal cuerpo pero que demuestra que Woody ni siquiera tiene que apoyarse en una pincelada de comedia para ser él mismo.

Resulta verdaderamente sorprendente el descaro con que Woody Allen elige temas para sus películas sin importarle repetirse. Ya sabemos que Woody se repite, especialmente en los últimos tiempos.

Sin embargo, en el presente caso riza el rizo, pues por CUARTA VEZ adapta (a su forma) la novela de Dostoiesvski ¨Crimen y Castigo¨. Recapitulando, Woody ha versionado la historia inmortal del ruso en ¨DELITOS Y FALTAS¨, ¨MATCH POINT¨, ¨CASSANDRAS DREAM¨ y en la que nos ocupa. Es igualmente sorprendente cómo las tres últimas las ha rodado casi seguidas, casi sin tiempo para digerirlo. Una excentricidad más del genio.

En cuanto a la película en sí misma, es, seguramente, la peor de la ¨serie¨, aunque ni mucho menos desdeñable. Woody ha puesto especial cuidado en pergueñar la trama y no hay cabos sueltos o detalles que chirríen. Tal vez, como punto negativo, se ve venir desde lejos cómo van a pillar al asesino, pues su error al planificar el crimen es flagrante.

Joaquín Phoenix no me ha gustado mucho en esta película. Y una vez más nos tenemos que tragar que bellísimas muchachitas caigan enamoradas de un alcohólico detestable, amargado y para colmo, obeso. Y además, que todo el campus dé por hecho que eso es normal. Hemos visto tantas veces el mismo cliché que ya no nos sorprende. Otro error es que no tiene sentido que el personaje de Phoenix cuente por momentos la historia con voz en off y que al final acabe muriendo.

El resto del elenco simplemente cumple, sin brillar. Es la historia y la banda sonora la que hace que el conjunto suba enteros.

Me he centrado en los defectos, pero la película mantiene el interés de principio a fin y está lo suficientemente bien hecha para que podamos disfrutar, por enésima vez, de otra versión de Crimen y Castigo.

Como con todas las suyas, tengo que comenzar la crítica declarándome incondicional de la obra de Woody.

Ésta, sin embargo, no acaba de funcionar del todo. El planteamiento es muy básico, y -como siempre por otra parte- no deja de ser un refrito de los ingredientes mil y una veces usados por Woody. En este caso, la magia, la fe, la ciencia, todo aderezado con otra improbable relación sentimental.

La primera media ahora se atasca, pues no hace más que reiterar la idea principal: El gran mago quiere desenmascarar a la embaucadora medium.

El nudo y desenlace son simplemente aceptables, simpáticos. Realmente no hay mucho más en lo que toca a la historia. Es Colin Firth quien verdaderamente sostiene la película con su interpretación, perfectamente creíble. El resto del elenco le acompaña decentemente.

Las localizaciones son realmente bonitas. El sur de Francia es un gran emplazamiento para una historia de esta clase.

Llego ahora al gran problema de la película. Que en gran parte es el super-problema del último Woody Allen. Me explico:

Woody ha sido siempre adornado con las siguientes etiquetas: Su amor a Nueva York , su ¨alma europea¨ y un cierto intelectualismo. En sus libros él desmiente abiertamente su carácter de ¨intelectual¨. Reconoce saber solo un poco de aquí y de allá. Pues bien, eso ha quedado bien a las claras desde que Woody dio el salto a Europa. Es evidente que solo conoce realmente bien París (de ahí su obra maestra ¨Medianoche en París¨). Del resto no sabe casi nada.

Ahora nos explicamos su ¨amor por Nueva York¨. Su cultura, simplemente, no funciona fuera de ella. Esto queda especialmente patente en la música. Ya sabemos hasta qué punto la música es importante en su cine. Pues bien, en la mayor parte de su ¨cine europeo¨ ha cometido el mismo error: Incrustarle música inapropiada, especialmente jazz a todas horas. Es un grave error. El jazz nos evoca fácilmente a su querida New York, jamás a Londres, Roma, Barcelona o Francia, por más que en los años 20 el jazz hiciese furor entre los galos. Es muy enojosa esa insistencia en querer meter fondos de jazz en las calles de Londres o París. Simplemente, te roba totalmente la inmersión en el escenario.

Igual ocurre con la elección de personajes. Es evidente que en toda su filmografía europea, la introducción de personajes estadounidenses es forzada. Parece como si no pudiera haber una posible historia sin su americano-a por medio.

En Magia a la luz de la luna, riza el rizo. Además del personaje americano (la falsa medium), introduce casi al completo un elenco inglés, viviendo en el sur de Francia como si fuese lo más natural del mundo, y por supuesto, sin relacionarse con franceses.

En resumen, me parece muy loable la admiración y amor que Woody siente por la cultura europea, pero es evidente que no la lleva tan dentro como para hacer una película que realmente pueda etiquetarse como ¨europea¨.

Si vemos esta película sin haber leído la novela original, es muy posible que nos guste y hasta que nos sorprenda. Pero toda la originalidad y frescura que pueda tener son de la obra literaria, dejo constancia.

Si la hemos leído, sufriremos una acusada decepción. Porque se pierde gran parte de la chispa del Pablo Miralles literario, cuya fuerza está antes en su palabrería que en su imagen, y en una película no caben tantas palabras, desgraciadamente.

Decir que Pablo Carbonell da bastante bien el tipo de la oveja negra de los Miralles. Quizá un poco menos gordo de lo que debería, según se describe el personaje en el libro, pero realmente te lo imaginas con esa cara y ese cuerpo. Pero eso no quiere decir que su actuación sea buena. Desgraciadamente, cada frase y cada gesto es impostado, y simplemente, no da la talla, salvo en momentos contados. Pablo Carbonell, claramente, es un humorista, no un actor.

El resto del reparto cumple sobradamente, y se adapta realmente bien a los personajes de la novela: La madre, el padre, Gloria, el hermano, el misterioso chef, y la Fina. Todos son retratos bien sacados del libro.

El problema es el mencionado, la cantidad de detalles que se pierden, y en segundo término, las cosas que han cambiado porque sí, que a los adictos a la novela nos molestan bastante. En la novela, lo realmente atractivo es el modus-vivendi de Pablo Miralles, y no tanto la intriga. En la película ocurre al revés.

Molesta que la Fina sea una especie de Dr. Watson en la película, cuando en la novela no se entera de nada de la intriga. Molesta que el ciber-filósofo amigo de Pablo sea español y dueño de un ciber, cuando en el libro era irlandés.

Pero bueno, en conjunto no está mal la película, y gustará mucho a quienes no han leído el libro. Por cierto, al que le guste la película, que no tarde en buscar el libro, que no se arrepentirá.

Existe un hecho incontestable: Woody Allen no sabe localizar sus películas en lugares que no le dicen nada. Se nota a la perfección que está enamorado de París y Venecia. Todos dicen ¨I love you¨ lo dejó bien claro.

Lo de Barcelona fue un desastre. Lo de Roma, muy poquita cosa. Y a Londres la desperdició en un 90%, con la honrosa excepción de Match Point (no se puede sacar menos partido a una ciudad con tanta personalidad).

Ahora le ha tocado el turno a la maravillosa ciudad de San Sebastián. Además de las 3 o cuatro tomas de las calles de la Bella Easo, poco más se puede decir de la película.

La historia es una multi-repetición de temas ya usados. Pero aquí tenemos un doloroso fallo: El gran Wallace Shawn, al que adoro, no está ya para hacer ese papel (ni casi ningún otro, diría yo). Da auténtica pena ver arrastrándose de esa forma a uno de los mejores secundarios que nunca tuvo Woody. Y más aún, vestido de anciano de asilo, con esos vaqueros que acentúan más su desvalimiento. (Woody, has tenido media vida para poner a Wally de protagonista. ¿Tenías que esperar hasta ahora?).

Como única tabla de salvación, los insertos-homenaje a clásicos del cine de autor. Desgraciadamente, no es suficiente.

Poco más que añadir. Película con hermosos escenarios y, como Vicky Cristina, completamente fallida.

Woody Allen ha sido un reciclador desde tiempos inmemoriales. Esto es así. En principio, no es bueno ni malo. Su -para mí- obra maestra Desmontando a Harry, no deja de ser una antología de mucho anterior. Y es una maravilla.

La fórmula de Café Society es más o menos: ANNY HALL - BALAS SOBRE BROADWAY - DIAS DE RADIO. Muy claramente, tiene un poco de todas ellas.

Como en todas las de época que ha realizado, la ambientación es soberbia. Woody ha encontrado en Storaro un filón. Las interpretaciones cumplen bastante bien, y representan de forma muy fidedigna la mentalidad de aquellos años. El protagonista me resulta sumamente repulsivo, pero eso ya es algo muy subjetivo.

Un detalle que sobra totalmente es la voz en off (de Woody Allen), pues es totalmente prescindible. El único objetivo que le veo es convencernos de que el verdadero prota es él mismo, con menos años (algo que siempre detectamos en todas sus películas y que el se empeña en desmentir mientras demuestra lo contrario).

De todas formas, la película funciona muy bien como retrato de esos ambientes de Hollywood, y quedaría en zona alta en comparación con algunas de sus últimas producciones.

Entretiene, gusta, pero no emociona.

EL MAESTRO DEL RECICLAJE.

Soy -siempre lo he sido- un gran admirador de Woody Allen, al que considero un gran maestro del séptimo arte.

Sin embargo, Woody Allen tiene -desde siempre, no es problema de ahora- un gran hándicap. Su grado de imaginación es CERO. Woody Allen únicamente es capaz de escribir una película sobre su mundo, o sus mundos. De su entorno cercano y de lo que conoce muy bien.

Y su mundo, el mundo de Woody Allen, no puede ser más limitado. Si comparamos sus películas con cualquier montaje LEGO, digamos que tiene muy pocas piezas para usar. Y con tantos años a sus espaldas, las repite una y otra vez sin disimulo.

En los últimos años, no sé si de forma consciente o no, su ¨técnica¨ para idear películas es tomar ingredientes de otras, recientes o no. Para gente no especialmente conocedora de Woody Allen, esto puede no ser malo. Si ves una de sus películas-refrito, y no te suena de ninguna anterior, eso que ganas. Pero hace ya bastante tiempo que Woody repite, y repite y repite.

En DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK tenemos ingredientes de :

- Celébrity: Clarísimo el ¨homenaje¨ al mundo de las celebridades.
- Scoop: Joven periodista que se enamora o encapricha del objeto de sus entrevistas.
- Todo lo demás. Simplemente clavados -en lo psicológico- los protagonistas masculino y femenino. También la madre de él (de ella en Todo lo Demás).
- A Roma con Amor. Esa parejita que te deja tirado en un hotel y esa prostituta que haces pasar por tu novia.

Aparte de esas cuatro, digamos que descaradas, tendríamos componentes de muchas otras más: Desde Maridos y Mujeres o Manhatan hasta Si la cosa funciona o Café Society.

Centrándonos ya en la película, se le ha criticado -y coincido en la crítica- su falta de ¨realidad¨. En una historia actual, totalmente enclavada en el siglo XXI, no tiene mucho sentido presentar ese tipo de personajes. Volvemos al principio, Woody nunca sale -quizás porque no sabe- de su círculo de eruditos a la violeta. Resulta cargante escuchar a un chaval -casi un niño- disertar sobre filosofía, arte o música.

Las situaciones, por otra parte, no pueden ser más forzadas. Están ahí porque sí. Y esa falta de lógica en las situaciones se aceptan sin más en una comedia pura. Pero en una historia teóricamente ¨realista¨ no hay el más mínimo sentido.

En cuanto a las interpretaciones, Timothée Chalamet no acaba de convencerme en su rol. Quizá no es su culpa, sino de la escritura de un papel tan sumamente extraño. El de Elle Fanning es quizás demasiado facilón. Es inmadura e infantil, y no acaba de encajar demasiado bien con su ¨facilidad¨ para dejarse seducir. El de Selena Gomez es bastante más complejo, pero sin ninguna evolución. Desde el principio se percibe como un cliché puesto ahí para hacer posible un final ¨con estilo¨.

En los secundarios se percibe desgana. Jude Law parece un vegetal, y Diego Luna, un alter-ego del rol que Di Caprio ofreció en Celebrity.

La fotografía es bonita y la música, apropiada. La realización en conjunto es agradable. Nada que objetar.

En conclusión, una película que puede gustar a los no iniciados en Woody Allen y probablemente sonará a multi-reciclado a sus veteranos.

Excelente comedia. De lo mejor que se puede ver en el género. Sin duda, John Cleese redondeó su ya brillante carrera de ex Monty Python con esta obra redonda, demostrando su amplio registro como guionista cómico.

Genial su actuación, casi tanto como la del gran Michael Palin, impagable en su papel de tartamudo animalista.

¡ Si buscan una comedia de verdad, vayan a por ella !

Soy un fan salvaje de los Monty Python. Pero también tengo claro que una cosa era la suma de sus componentes (pura magia química) y otra cada uno por separado. Por desgracia, esa idea no la tenían tan clara ellos mismos, y desgraciadamente los mejores comediantes de la historia nos robaron muchos años de disfrute al separarse prematuramente por sus egos.

Tras la separación, tuvimos algunas buenas películas con solo una parte del elenco (Jabberwocky, Héroes del Tiempo, Erick el Vikingo, Un pez llamado Wanda, etc).

La que nos ocupa, desgraciadamente, se puede considerar abiertamente un fracaso. Suele suceder cuando se contrata a un reparto estelar y se descuidan el guión y la dirección.

La dirección evidentemente no estuvo a la altura. Pero lo realmente extraño es que el guión, con el gran Graham Chapman a la cabeza, tampoco lo estuviera. Tener juntos a parte de los Python, del equipo Mel Brooks, a Spike Milligan, a David Bowie, Peter Cook y al mismísimo James Mason pone los dientes largos a cualquiera. Pero la historia de piratas, que no es ni buena ni mala, no hace ni pizca de gracia. Tampoco pasaría nada si al menos funcionase como film de aventuras, pero tampoco lo hace, y eso sí es culpa del director.

En fin, que salvando algún momento suelto -nada para tirar cohetes- es sumamente aburrida, a pesar de que la realización estaba realmente costeada y la temática daba para mucho. Una verdadera pena.

La película, como concepto, es de 10. Un documental de 3 horas que te hace ¨convivir¨ durante meses en un monasterio de cartujos perdido en los Alpes es una idea genial. Para quien no sepa nada del tema, los cartujos se caracterizan por estar en silencio y en soledad casi todo el tiempo, un poco como si fueran ermitaños.

La película tiene momentos muy buenos. En general, ha captado perfectamente la vida en la cartuja. Las ¨galerías¨ de tomas de los rostros de los monjes, junto a citas evangélicas y a los momentos cotidianos, te sumerjen en una forma de vida inimaginable para el hombre del siglo XXI, y por momentos, te apetecería sumergirte de lleno por una temporada en ese silencio.

Para mí, le falta algo para llegar al sobresaliente. Le faltaría, por una parte, una fotografía más definida. Todo lo grabó el propio director con una sola cámara de video digital en mano, despues de 20 años de espera, y lógicamente, hizo lo que pudo y le dejaron. Con cámaras e iluminación decentes hubiera sido otra cosa.

Pero sobre todo pienso que no se ha jugado del todo bien con el aspecto SONIDO. A este respecto, me he acordado un monton de veces del gran ANDREI TARKOVSKY, con sus clásicos sonidos de fondo de agua, de hojas secas, etc. Esta película necesitaba eso, haber trabajado un poco con los sonidos en bruto, y haberlos convertido en algo más poético, tal y como hacía el gran Maestro ruso. En cambio, los percibimos tal y como son, lo que es de un gran realismo, pero en cierta forma, esperaba algo más poético.

Aún así, sigue siendo una película perfecta para poner el alma en paz.

Soy adicto a Woody Allen, lo confieso.

Desde hace tiempo, me he dado cuenta de que hay un cierto tipo de sus películas que me producen un peculiar efecto.

Me refiero a aquellas que me gustan poco en un primer visionado, pero me van gustando cada vez más conforme las vuelvo a ver, hasta que termino por convertirme en devoto de ellas.

He buscado lo que esas películas tienen en común, y me he dado cuenta que todas son TROZOS DE VIDA llevados a la pantalla. Suelen ser películas deslavazadas, que no enganchan por su argumento, pero que, precisamente por esa falta de ¨historia¨, hacen que puedas ¨vivirlas¨ una y otra vez como si fuera la primera.

Esto es lo que me ocurre con la que nos ocupa. Me decepcionó bastante la primera vez que la vi. Sin embargo, la empecé a revisionar una y otra vez, y ahora, cada vez que quiero sumergirme en una gran ciudad, suelo ponerla para sentirme dentro de esas pequeñas historias.

Hoy, después de una infinidad de revisionados, debo reconocer que la película me encanta.

Me encanta que Woody tenga la suficiente personalidad para mostrar historias de amor con ancianos en una sociedad con complejo de Peter Pan que parece reservada a los jovencitos.

Me encanta que los temas sean la literatura, la música y la pintura en un mundo que solo vive para la televisión, los juegos y los ordenadores.

Me encanta que la historia principal quede en el aire, mostrando que no es realmente lo esencial de la película.

Por el contrario, hay ciertas cosas que me han gustado menos:

Me ha llamado la atención cómo Woody HA EVITADO A TODA COSTA MOSTRAR LONDRES. Si no te fijas en los volantes a la derecha, puedes pensar que estas en Nueva York). En realidad, salvo en Match Point, Woody ha rehuído mostrar Londres, no entiendo por qué.

La interpretación de Antonio Banderas es realmente penosa. Y es un magnífico actor. Supongo que, simplemente, no cuadra mucho con el estilo Allen.

Un tópico Alleniano del que el Genio abusa tradicionalmente es el pasaje en el que la jovencita maravillosa cae rendida a los pies del hombre viejo o espantoso. Es verdad que a él, en su vida privada, le ha pasado más de una vez, pero en el cine, es algo difícil de tragar tantas veces. Y en esta película clama al cielo. Por Dios, que esa sílfide se enamore de Josh Brolin es algo más que increible.

Tampoco Brolin parece la mejor elección para encarnar a un novelista intelectual. Ni su aspecto ni su interpretación ayudan lo más mínimo. Luego, en la historia, no hace más que hablar de ¨su libro¨, pero no cuenta ningún detalle sobre él.

De todas formas, no son más que simples detalles.

En conjunto, la película es PURA VIDA DIARIA.

E insisto. Sus geniales películas cómicas las tengo ya ¨gastadas¨ por el uso.

Sus magníficas obras maestras las tengo que espaciar, porque su mensaje hay que reservarlo para las grandes ocasiones.

En cambio, películas como ésta las veré una y otra vez, porque me harán sentirme escritor, músico, galerista de arte, o simplemente soñador que acude a una vidente a que le recete un poco de ilusión.

Una de las películas más injustamente tratadas de los geniales cómicos.

Es verdad que se sale totalmente de la habitual anarquía del grupo. Al estar basada en una obra de teatro, hay una historia que sacar adelante, y no solo por los Hermanos Marx, sino por el resto del reparto.

No en vano, en esta película, mucha gente tiene gracia, no solo ellos. Magnífico papel del ¨autor¨ de la obra teatral. Impagable el señor Wagner, Inspector del Hotel. Y no digamos el camarero ruso.

Es un caso atípico, repito. Quizás, la única ocasión en que los Marx son realmente ACTORES. Cada uno hace un papel, que no es aquel clásico al que cada uno nos tiene acostumbrados.

Muy recomendable, y una magnífica comedia.