Nefasta co-producción hispano-estadounidense, por parte del habitualmente mediocre anque añorado Juan Piquer Simón.

¨La Grieta¨ es una película muy en su línea... Reparto internacional con algunos buenos actores totalmente desaprovechados (tenemos al gran R. Lee Emey que es lo mejor de la cinta, y a Ray Wise, recordado por ¨Twin Peaks¨), una más que evidente torpeza narrativa, un ritmo irregular, y escenas repletas de gore desaforado.

Esta cinta de 1990 intentó continuar el éxito de obras ambientadas en las profundidades abisales tales como ¨Profundidad Seis¨, ¨Leviathan¨ o ¨Abyss¨, pero contando con un presupuesto muchísimo menor, un guión bastante más trillado, y un equipo con menos talento que cualquiera de las antes citadas.

El resultado es un híbrido entre ciencia ficción y terror que no sorprende en ningún momento, que peca de unos efectos submarinos realmente ridículos, y que sólo consigue divertir cuando el gore hace acto de presencia en la segunda mitad del filme, cuando la cosa se anima un poco gracias a los buenos efectos de maquillaje de Colin Arthur, responsable también del splatter de otras películas como ¨Conan, El Bárbaro¨ o de los FX de ¨La Historia Interminable¨.

Así que sólo podría recomendar esta cinta a auténticos aficionados al terror subacuático y a completistas del gore... Y a fans de Pocholo, quien hace un pequeño y delirante papel al meterse en la piel de un submarinista sueco.

Ridícula e innecesaria exploitaition española que bien se merece un suspenso.

Antes de que el inteligente Hideo Nakata impactara a medio mundo con su influyente ¨The Ring¨ en 1998, Kiyoshi Kurosawa nos regaló este espléndido thriller ¿sobrenatural? con toques de horror, que anticipó en cierto modo esa nueva ola de terror japonés que tantos éxitos cosecharía.

¨Cure¨ es una película seria, pausada y oscura. No sólo oscura en cuanto a sus tétricos y sucios escenarios, marca de la casa de Kurosawa, sino en su tenebrosa reflexión sobre la maldad humana, reflejada en un personaje principal atormentado por su matrimonio (genial el actor protagonista Kôji Yakusho) y un antagonista que sólo parece comunicarse con los demás seres humanos para infringirles muerte y sufrimiento, mientras que el resto del tiempo se muestra absolutamente vacío interiormente.

La historia se va desarrollando de forma pausada, casi hipnótica, pero sin perder su peculiar ritmo en ningún momento, ayudada por la efectiva banda sonora de Gary Ashiya, que sin duda influyó en el gran Akira Yamaoka para crear el fondo musical y sonoro del estupendo videojuego Silent Hill. No en vano el director de dicho videojuego, Keiichiro Toyama, reclutó a Ashiya años después para crear la partitura de su juego de Play Station 2 Forbidden Siren en 2003.

Por lo demás, destaca también la curiosa forma de rodar de Kiyoshi Kurosawa, recreándose en planos largos, con suaves moviemientos de cámara, centrándose principalmente en la interpretaciones de los actores que gracias a ello se nos muestran fluidas y naturales. Sin duda, muchos directores japoneses (entre ellos en propio Nakata) tomaron nota de esta sobriedad formal, que unida a la oscura fotografía y los bruscos cambios de ritmo en pasajes puntuales, hace que las secuencias de terror sean realmente impactantes.

Así que en resumidas cuentas, ¨Cure¨ es una cinta muy importante para al cine de terror japonés de los noventa, ya que nos presentó las claves de futuros éxitos tales como la ya mencionada ¨The Ring¨, ¨La Maldición¨ o ¨Llamada Perdida¨, aunque supera a casi todas ellas en cuanto a calidad cinematográfica y carga psicológica se refiere.

Notable alto para una película muy recomendable.

La última barrabasada de dos de los directores estandarte del ultragore alemán, que esta vez trabajan juntos: Andreas Schnaas y Timo Rose...Y como buena simbiosis, ambos directores se potencian mutuamente para crear un producto más malo todavía si cabe de los que suelen hacen por separado.

La película no es sino la cuarta entrega de la saga ¨Violent Shit¨, disfrazada con el sobrenombre de ¨Karl the Butcher Vs. Axe¨, así que los que ya hayan ¨disfrutado¨ de alguna de las tres entregas anteriores, saben lo que han de esperar... Actuaciones pésimas, realización muy pobre, nulo talento cinematográfico, y gore a raudales.

La contribución de Timo Rose a la franquicia, aparte de interpretar el papel de Axe, se nota en la música de corte hip-hop y algún toque modernete de los que Schnaas suele prescindir (como la presentación de los territorios y personajes) Pero la verdad, la película parece más obra de Schnaas que suya.

También destacar quizá que pese a que la película es muy sangrienta, es menos sádica y enfermiza que las dos primeras entregas de la serie, y tiene menos gore que la salvaje (aunque también bastante mediocre) tercera entrega.

Así que poco más que añadir... Si hay algún fan del ultragore alemán en el mundo, a él está destinada esta bazofia, ya que no es sino un auto-homenaje que sólo los seguidores de películas de este subgénero podrán apreciar.

Un suspenso bajo para una cinta que no merece en casi nada la pena.

Excelente película de animación del maestro Hayao Miyazaki, su segundo largo tras ¨El Castillo de Cagliostro¨.

En esta cinta el estilo de Miyazaki ya se manifiesta al 100%, adaptando su propio manga, y ofreciéndonos una bella historia post-apocalíptica con un claro mensaje ecologista y pacifista, que encaja muy bien con obras posteriores tales como ¨La Princesa Mononoke¨.

Viendo esta cinta uno se da cuenta además de la gran influencia que tuvo en uno de los grandes éxitos de los últimos años, el ¨Avatar¨ de James Cameron... Es obvio que el director canadiense tomó muchas ideas de esta gran película de Miyazaki para confeccionar su súper-blockbuster.

Por lo demás, ¨Nausicaa¨ destaca también por su preciosa banda sonora, a cargo del habitual Joe Hisaishi, por una maravillosa animación cuidada hasta el máximo detalle, y un gran sentido del ritmo, que aúna la reflexión con la acción de forma muy efectiva.

Así que para aquellos amantes del anime que quieran ver una película clásica realmente buena y que ha soportado muy bien el paso del tiempo, les recomiendo encarecidamente esta gran obra de Miyazaki, injustamente poco conocidad en occidente, pero con unos valores artísticos muy grandes.

Notable alto.

Segunda película de encargo de Shinya Tsukamoto, tras la curiosa ¨Hiruko the Goblin¨, realizada a principios de los años 90.

Y al igual que aquélla, en ¨Gemini¨ el demencial y frenético estilo de Tsukamoto se ve atemperado en pos de una mayor accesibilidad, con el objetivo de llegar a un público más amplio.

Pero el resultado final, pese a todo, no es en absoluto convencional... Ya que el juego de equívocos al que nos somete el director confundirá a más de uno, al igual que ciertas escenas sumamente desagradables marca de la casa de este director. De hecho, en ocasiones, el furioso estilo cyberpunk de Tsukamoto vuelve aparecer en forma de flashbacks (los cuales son contínuos a lo largo del film...), lo cual dejará descolocado a más de uno.

Así que lo que en principio nació como una película destinada a ser encuadrada dentro del reputado cine de terror japonés de finales de los 90, terminó siendo una interesante mezcla estilística a caballo entre el horror comercial y el cine experimental de autor. Esto hace de Gemini una cinta única, valiosa artísticamente, aunque en absoluto apta para un público no curtido en este tipo de obras.

Por lo demás, destaca también sobremanera la excelente banda sonora de Chu Ishikawa (más reposada y menos industrial que en otras películas de Tsukamoto...) y la esforzada interpretación del actor principal Masahiro Motoki, realmente convincente.

Así que si te gusta el cine de terror japonés más arriesgado, y no tienes miedo a asomarte al furibundo estilo de Shinya Tsukamoto (aunque aquí no se exprese ni mucho menos al 100%), te recomiendo encarecidamente esta película... No te arrepentirás.

Un notable bien merecido.

Nefasta cinta de muertos vivientes italianos que se deja ver sobre todo por una cosa: los buenos efectos splatter de Franco di Girolamo, recordado sobre todo por ser el encargado de los efectos gore de muchas de las películas de Lucio Fulci (El Descuartizador de Nueva York o Luca el Contrabandista entre otras) y haber participado también en la creación de los efectos de maquillaje de Terminator II.

Ya que por lo demás la película es un absoluto tostón con una excusa argumental muy pobre, repleta de actores absolutamente mediocres, con una ambientación selvática similar a la ya fallida Zombie 3 de Fulci (en realidad, esta cinta fue vendida como perteneciente a la saga comenzada por Fulci en Nueva York Bajo el Terror de los Zombies...) y situaciones sumamente ridículas.

El infame Claudio Fragasso ha dirigido obras peores que ésta... Pero a no ser que seas un auténtico fan de la exploitation italiana de los 80, o te interesen los efectos gore de Di Girolamo, te recomiendo encarecidamente que te mantengas alejado de este subproducto.

Mal hecha, aburrida y lejos del aprobado.

El gran blockbuster de 2012, punto culminante al que han llegado gran parte de las películas de superhéroes de la factoría Marvel que se han realizado en los últimos años (de hecho, Thor fue realizada tan precipitadamente sólo para que apareciese más tarde en esta cinta...) es una película que ciertamente destaca en algunos aspectos.

Quizá, el más acertado de todos y el que queda en nuestra memoria es su sentido del humor gamberro, que hará que sueltes más de una carcajada al verla. Esto hace la relación entre los protagonistas bastante dinámica y amena para el espectador, y una auténtica delicia para los fans, al ver las diferentes relaciones que se establecen entre los distintos héroes a lo largo del film.

Otro aspecto brillante son sus espectaculares escenas de acción, con una parte final trepidante que nos deja pegados al asiento. Whedon ya mostró su buen hacer a la hora de trabajar con efectos especiales en Serenity, pero aquí no sólo destaca lo digital, sino también las excelentes peleas cuerpo a cuerpo. ¡Sorprendentemente buenas! Aunque la dirección resulta un tanto impersonal al final.

Como otros puntos negativos, quizá reprochar el exceso de metraje... Aunque seguro que para los fans acérrimos del universo Marvel se habrá hecho muy corta. Además, me quedé con la sensación de que la película transcurre demasiado tiempo a bordo del transbordador marítimo/aéreo, donde se desarrollan buena parte de las intrigas el film.

Pero aparte de estos pequeños fallos, no se puede negar que la cinta es una auténtica gozada visual, que los héroes están impecablemente representados y que disfruté como un chaval viéndola.

Un blockbuster con alma, de éxito merecido (aunque un poco desproporcionado a mi entender...) y que se merere un notable.

Aullidos es en mi opinión la mejor película de Joe Dante, y una de las mejores del subgénero de hombres lobo jamás realizadas.

Dante triunfó en esta cinta sobre todo a la hora de mantener un buen ritmo, ya que el pulso mostrado en los primeros compases de la misma se mantiene durante todo el metraje, dejándonos algunas escenas de terror realmente logradas que se quedan grabadas a fuego en nuestra memoria.

Y partícipe de este éxito fue también sin duda el genial maquillador y técnico de efectos especiales Rob Bottin, que si bien mostraría su máximo esplendor un año más tarde con La Cosa de John Carpenter, aquí nos ofreció una transformación en hombre lobo absolutamente espectacular y detallada, aún hoy digna de elogio... De obligado visionado para cualquier fan del terror.

Otro aspecto muy destacado de la cinta, es su profunda carga psicológica a la hora de construir unas personajes con matices, así como la interesante reflexión antropológica que realiza al plantear el hecho de que todo ser humano lleva una bestia en su interior, la cual puede ser despertada.

Lástima que algunos factores afeen un poco el conjunto, como la muy mejorable banda sonora de Pino Donaggio, la cual resulta incluso ridícula en algunas escenas, y algunos intérpretes secundarios que no dan la talla.

Pero son detalles nimios en comparación con las grandes virtudes que presenta la cinta, la cual en mi opinión es la mejor película sobre hombres lobo realizada en las tres últimas décadas, y erigida hoy día de forma merecida en un pequeño clásico del cine de terror de los 80.

Notable alto, y absolutamente recomendable.

Si existen películas inclasificables en la historia del cine, las mismas se quedan cortas en comparación con Valhalla Rising.

A medio camino entre la reflexión teológica, la fantasía, cine de aventuras y el gore más descarnado, el talentoso Winding Refn nos ofrece una cinta de ritmo pausado, muy contemplativa, y a la vez explosiva en sus escenas de acción. En este aspecto, no está muy lejos de la magnífica Drive.

Lástima que en ciertos tramos la película se haga un tanto cansina debido a su ritmo irregular y a la reiteración de ideas, porque por lo demás es muy destacable en otros aspectos como la gran fotografía, el buen reparto con el brutal Mads Mikkelsen a la cabeza, y a los destacables efectos gore, por no hablar de los intensos personajes y del oscuro trasfondo.

Por lo tanto, pese a sus defectos, Valhalla Rising es una película muy recomendable, en especial para amantes del gore intelectual, y del cine de aventuras más bizarro.

Notable.

¨El Curioso Caso de Benjamin Button¨ no es sino el intento de David Fincher de triunfar en los Oscar.

Y pese a que fue un intento frustrado, no deja de ser una película disfrutable, y que presenta suficientes puntos interesantes como para que su visionado merezca la pena. Sobre todo gracias a la profunda reflexión que nos ofrece sobre el hecho de envejecer (y en este caso rejuvenecer), sobre el amor y la responsabilidad de crear una familia, dando como resultado un historia madura, entrañable, y que engancha.

Como punto más negativo, quizá resulta demasiado obvio que esta carrera está concebida y realizada para entrar en los Oscar, ya que tiene ese aire de película grandilocuente que a la larga la hace un tanto pomposa y pretenciosa. El oscuro estilo de David Fincher se ve por desgracia atemperado por este intento, resultando un producto en ocasiones un poco impersonal, y que casi resulta un calco de las producciones de Spielberg (¨El Color Púrpura¨ o ¨Forrest Gump¨ vienen a mi cabeza)

Además, la cinta se ve quizá algo lastrada por su esceso de metraje... ¡Casi tres horas! Realmente, lo que hay que contar en dos horas se podría haber hecho de sobra.

De todos modos, como ya dije antes, la película se deja ver con facilidad, y presenta unos valores de producción envidiables, con unos efectos especiales prodigiosos, una gran banda sonora de Alexandre Desplat, una muy buena fotografía, así como solventes interpretaciones de Brad Pitt, y sobre todo de la excelente Cate Blanchett.

Por lo que en definitiva, pese a sus defectos, ¨El Curioso Caso de Benjamin Button¨ es una película recomendable para los amantes de las grandes producciones dramáticas de Hollywood, de la lágrima fácil, y de ese aire a lo Spielberg que desprende el film por los cuatro costados.

Notable bajo.

Remake que no consigue superar al ya mediocre film original de Meir Zarchi...

Los leves cambios en la historia juegan en contra de esta nueva versión, al hacerla mucho menos realista e impactante. La crudeza del film original de 1978 heredada de ¨La Última Casa a la Izquierda¨, es aquí sustituida por una atmósfera más terrorífica en la primera mitad, y por el gore más hiperbólico en la segunda.

Todo esto nos lleva a una película que no termina de decantarse entre el afán de realismo y la casquería exagerada casi paródica, y que al final deja al espectador realmente insatisfecho ante la patente falta de un mensaje claro y de profundiad... Y por supuesto, ante los tremendos agujeros existentes en el guión.

Así que ante la duda, yo recomendaría el film original de los años setenta, ya que al menos es algo más inteligente y está mejor escrito... Pero teniendo en cuenta, ante todo, que ninguna de las dos merece realmente la pena.

Un suspenso merecido para un remake decepcionante.

El mundo de la crítica cinematográfica es misterioso...

Porque que un director capaz de hacer películas de tan dudosa calidad como ¨Anticristo¨ o la aún peor ¨Melancolía¨ (y que además se dedica a hacer declaraciones a favor de Hitler) sea aclamado una y otra vez en festivales como Cannes, da que pensar.

En esta su penúltima película, Lars von Trier intenta adentrarse en el terreno del terror psicológico, fallando estrepitosamente en el intento... Ya que obviamente, es un director que desconoce los resortes del género, por lo que se muestra incapaz de crear auténtica tensión pese a tener elementos a favor como una buena ambientación y dos protagonistas absolutamente entregados.

Y los protagonistas de la cinta, excelentes Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourgh, son sin duda lo mejor de la misma, ya que no dudan en darlo todo a favor de unos personajes de dudosa moral y poco creíbles, cuyas motivaciones y personalidades quedan mal perfiladas debido a las pretensiones metafóricas del propio director, que al igual que en ¨Melancolía¨, prefiere sacrifiar la coherencia narrativa y la credibilidad en pos de transmitir un mensaje que a la postre se muestra confuso y pedante.

A destacar, aparte del los protagonistas, también la excelente banda sonora y la buena fotografía (sobre todo la que no se basa en la cansina cámara al hombro del director...)

Así que en definitiva, es una pena... Porque la película tenía los suficientes elementos a favor como para convertirse en una buena película de terror, que Lars von Trier echa por tierra en su afán de dar una explicación al por qué de la maldad en la raza humana, transladada en imágenes que abogan por la libre interpretación que finalmente sólo transmiten desorientación, y un gusto por la violencia gratuíta y absurdamente explícita que sólo buscan provocar al expectador sensible y poco curtido en el auténtico cine de terror...

Que son, en definitiva, los aficionados al cine de Lars von Trier... A quienes les recomendaría que se repasen un par de clásicos antes de afirmar que Von Trier es un nuevo genio del terror gracias a un producto tan fallido como este ¨Anticristo¨.

Aprobado raspado... Pero mucho peor de lo que podría haber sido.

¨Cowboys and Aliens¨ es un fallido intento de crear un blockbuster con personalidad propia.

Lo que al principio comienza como un interesante y violento western moderno, se convierte después en un híbrido realemente falto de originalidad y muy previsible, que consigue divertir sólo a ratos, y con unos personajes estereotipados y ramplones.

Sólo destacan algunas secuencias de acción como la del vuelo de los protagonistas a bordo del caza alienígena y el buen pero desaprovechado reparto (destacando un siempre estupendo Sam Rockwell)

Quizá con un director más experto y con más estilo, el proyecto hubiese tomado vida propia... Ya que John Favreau no muestra ningún rasgo realmente distintivo. La cinta podría haber sido firmada la cinta por culaquier otro, y no nos hubiésemos dado cuenta. Y es una pena, ya que era una idea de primeras atractiva, que acaba conviertiéndose en algo que no sorprende lo más mímino.

Así que no me queda más repedio que suspender esta película, y recomendarla sólo a los amantes de las superproducciones made in USA más simplonas y que quieran desconectar el cerebro durante un rato.

Floja cinta de 1978, surgida a raíz de la fama que adquirió ¨La Última Casa a la Izquierda¨ años antes, y que no es sino una repetición de los mismos esquemas de aquélla.

En ¨I Spit on Your Grave¨, es más que palpable la inoperancia de Meir Zarchi a la hora de crear la más mínima tensión, y el impacto viene más por las entrega de Camille Keaton a la hora de interpretar a su personaje (se pasa casi toda la película desnuda...) y la crueldad que destilan los roles secundarios (crueldad, por otra parte, absolutamente injustificada y desmedida) que por la calidad cinematográfica, prácticamente inexistente.

No entiendo muy bien lo que Meir Zarchi pretendía a la hora de retratar a esta serie de personajes... Ya que ni la vengativa protagonista ni los paletos psicópatas resultan mínimamente creíbles. ¿O es que quería hacer una alegoría sobre el carácter retroactivo de la violencia? Sinceramente, no creo que nadie implicado en este proyecto tuviese tan altas miras.

Así que poco más que añadir... Si te gustó ¨La Última Casa a la Izquierda¨ y quieras ver una cinta chabacana y torpe que sigue casi a pies juntillas los temas propuestos por Wes Craven en 1972, puede ser que ¨I Spit on Your Grave¨ te guste... De lo contrario, mejor mantente alejado.

Un suspenso bien merecido.

¨Sympathy for Lady Vengeance¨ es, según mi opinión, el punto más flojo de la trilogía de la venganza planteada por Park Chan-wook.

Y lo es, sobre todo, por una historia simplona que no termina de enganchar hasta el estupendo tramo final. Por mucho que Park se esfuerce en adornar la cinta con constantes flashbacks, elipsis, escenas oníricas, surrealismo y mucho, mucho esteticismo, no consigue disimular la falta de un argumento consistente, algo que las otras dos piezas de la trilogía, sobre todo la obra maestra ¨OldBoy¨, sí que tenían.

No se puede negar que la cinta está bien hecha... De hecho, es como una sucesión de florituras, en la que cada escena sorprende gracias a un inteligente uso de la cámara y a unos ágiles y atrevidos cambios de planos. Pero esto, para mi gusto, tiene una doble lectura... Ya que según mi parecer, todo este artificio puede jugar en contra de la película con el paso de los años, ya que lo que ahora resulta moderno y atrevido por la querencia actual, puede resultar viejo y cansino en décadas posteriores. ¡Ya se veremos cómo trata el tiempo a esta obra!

Como puntos positivos, destacar la prodigiosa banda sonora, llena de melodías memorables, y el gran elenco de actores, muchos de ellos rescatados, como obvio auto-homenaje, de las dos entregas anteriores de la trilogía... Una trilogía que en principio no estaba planeada como tal, pero que Park Chan-wook planteó de cara a los medios tras recibir muchas alusiones por la similitud en las historias y el tono que tenían ¨Sympathy for Mr. Vengeance¨ y ¨OldBoy¨.

Quizá éste es el motivo por el que esta cinta resulta un tanto forzada y machacona en cuanto al concepto de la venganza... Por la asunción por parte del responsable principal de estar haciendo una trilogía sobre este tema. La prueba es que esta cinta coge elementos tanto de la primera (el secuestro y la muerte de niños) como de la segunda entrega (el largo encierro de la protagonista)

Así que como comentarios finales, decir que ¨Sympathy for Lady Vengeance¨, pese a ser una buena película, presenta defectos obvios como una narración bastante confusa, un estilo tendencioso seguramente por la propia consciencia de Park Chan-wook de haberse convertido en un autor, y una secuencia final que pese a ser lo mejor del film, es bastante cuestionable desde el punto de vista moral.

Aunque bueno... Si asumimos la película como una metáfora (o alegoría) sobre el sentimiento de arrepentimiento y la búsqueda de redención que su director parece querer ofrecernos, este tramo final encaja muy bien en el conjunto.

Aprobado alto, y realmente interesante pese a sus defectos.

Correcta película de superhéroes de la factoría Marvel... ¿Y van? Ya casi he perdido la cuenta.

¨El Capitán América: El primer Vengador¨, como bien anuncia su título, no es sino un vehículo para la gran traca final (bueno, no creo que ¨final¨ sea la palabra más adecuada, teniendo en cuenta que ya está anunciada la secuela...) que ha supuesto ¨Los Vengadores¨, ya que el principal motivo de la existencia de esta película es presentar a su protagonista de cara al gran éxito del momento dirigido por Josh Whedon.

El siempre bien mandado Joe Johnston, que ya demostró su buen hacer en cintas plagadas de efectos especiales como ¨Jumanji¨ o ¨Parque Jurásico 3¨, se encarga de dar vida en la gran pantalla al Capitán América con un estilo un tanto impersonal, pero que bebe en parte de los seriales de los años 30 y 40, consiguiendo con ello una ambientación pulp añeja bastante lograda, pese al abuso de efectos digitales que le dan un aspecto muy artificioso al conjunto.

En el reparto, destaca el siempre carismático Hugo Weaving, el rol secundario de Tommy Lee Jones, y la buena elección del cachas Chris Evans para el rol principal... Su transformación en el flacucho y lastimoso soldado del comienzo, es de lo más destacable del film.

Por lo demás, la historia se deja seguir sin compliciones, ya que es bastante simplona, y las escenas de acción son brillantes, destacando el genial uso del escudo por parte del Capitán. También se agradece que pese a los tópicos que puede acarrear hoy en día un personaje como el Capitán América, con todo el tema del patriotismo americano, la película se ambiente en gran parte en Europa y algunos personajes importantes provengan del viejo continente.

Además, me gustaría destacar la banda sonora del últimamente no tan activo (en comparación con los años 90) Alan Silvestri, que nos ofrece una partitura épica y de calidad, motivo por el cual fue reclutado de nuevo para el también estupendo fondo musical de ¨Los Vengadores¨.

Así que por mi parte, sin ser fan de los cómcis, he de decir que pasé dos horas de lo más entretenidas, pero la sensación final fue de haber contemplado una película de transición hecha simplemente de cara a una producción de mayor envergadura como ha sido ¨Los Vengadores¨.

Pese a todo, la recomiendo para pasar un rato ameno en una típica tarde de domingo, o en una velada con palomitas... Aprobado alto.

A comienzos de la pasada década, que fue una década más bien pobre en cuanto a cine de terror se refiere, Brad Anderson se desmarcó de la previsible y adocenada tendencia imperante para ofrecernos una cinta diferente, donde el miedo proviene ni más ni menos que de la propia locura.

Pocas películas han sabido mostrar con tanto acierto el estrecho lazo que a veces une a la enfermedad mental con el horror más absoluto. Para ello, se sirve del marco perfecto... Un antiguo psiquiátrico en ruinas, que pone los pelos de punta incluso cuando no se desarrollan escenas escabrosas.

A ello, se le une un elenco de personajes bastante peculiar y con secretos que ocultar, que se irán desvelando poco a poco a lo largo de la trama, incrementando sin duda el interés de la cinta. Los actores, por otro lado, cumplen sobradamente en sus respectivos roles, destacando el siempre impertérrito David Caruso, y el desaprovechado pero carismático Josh Lucas.

Lástima que la película adolezca de un metraje algo desmedido, ya que le sobran unos 10 - 15 minutos de escenas que no aportan demasiado y que le imprimen al conjunto un ritmo algo cansino. Esta lacra es propia del cine de Brad Anderson, ya que la más tardía y conceptualmente similar ¨El Maquinista¨ presenta el mismo defecto.

Pero obviando este problema, ¨Session 9¨ es una película muy recomendable para cualquier aficionado al terror. Tanto por su historia que es mucho más atípica de lo que promete al principio, como por lo escalofriante que resultan algunas escenas.

Un notable bien merecido.

¨The Chaser¨ es uno de los thrillers más impactantes, brutales y mejor realizados de los últimos años.

Un género que salvo contadas excepciones, como alguna cinta de David Fincher, se encuentra de capa caída en occidente, y que sin embargo en cinematografías como la coreana goza de una salud de hierro. Y entre esa nueva ola de directores de Corea del Sur que han ahondado en el cine negro, es quizá Hong-Jin Na uno de los que más nos han impactado.

Sobre todo porque en la película que nos ocupa, pese a ser su ópera prima, muestra una madurez y un peso en la dirección apabullantes, sabiendo enlazar una trama que no aburre ni un segundo de las dos horas en las que se desarrolla, y dándonos unas escenas de acción desquiciadas, rápidas y virtuosas... Un apunte de lo que más tarde sería la también excelente y frenética ¨The Yellow Sea¨.

Y gran parte del éxito de esta cinta, aparte de la dirección y la oscura fotografía, es la pareja protagonista... Tanto Yun-Seok Kim en la piel del carismático proxeneta como Jung-Woo Ha en la del odioso asesino están perfectos, creando una relación de odio entre ambos que traspasa la pantalla hasta salpicar con fuerza al atónito espectador, que no puede hacer otra cosa que dejarse llevar y disfrutar ante una película realmente bien hecha.

Al acabar, nos damos cuenta de que la cinta ha manejado nuestros sentimientos a su antojo... Hemos sufrido, hemos odiado, hemos descargado adrenalina... Algo que sólo los thrillers realmente buenos consiguen. Y ¨The Chaser¨ lo hace con creces.

Así que si quieres descubrir a uno de los jóvenes directores coreanos con más talento, y no te asustan las experiencias fuertes... Te recomiendo encarecidamente esta película. No la olvidarás fácilmente, ya lo verás.

Sobresaliente.

Poco más se puede decir del sexto capítulo de una saga que ya en la cuarta parte descarriló por completo, tras una aceptable segunda entrega, y una aún decente tercera.

Ya que para ser sinceros, tanto la cuarta, como la quinta y también esta sexta parte, parecen más bien capítulos de una teleserie barata de sobremesa aderezados con una buena cantidad de gore... Ya que factores como los actores de segunda , así como la ramplona e impersonal dirección de Kevin Greutert así lo hacen parecer.

De hecho, la película se sostiene argumentalmente sólo gracias a los numerosos y confusos flashbacks con los que nos acribilla, atestiguando de ese modo la poca entidad y personalidad del conjunto, que nos ofrece más de lo mismo sin sorprender absolutamente en nada... Sólo se limita a avanzar en la línea argumental abierta por la tercera parte, de forma un tanto previsible y forzada.

Otro detalle negativo que me gustaría resaltar, es la elección del actor Costas Mandylor como eje central de las últimas entregas, limitadísimo en su registro y una elección realmente mala como malo de turno... Es sin duda, uno de los aspectos que más lastran el resultados de estas últimas entregas de ¨Saw¨.

Por lo demás, destacar como aspecto positivo la pseudo-crítica que se hace del sistema sanitario estadounidenese, canalla donde los haya, y la abundante dosis de gore, que es realmente la única razón de ser de las últimas entregas de la saga... Cuando en la obra original del inteligente James Wan, sólo era un aspecto secundario.

Sólo para fans acérrimos de la franquicia, y jóvenes aficionados al terror moderno cuyo listón se encuentre muy, muy bajo sobre todo debido a la ignorancia.

Suspenso, bien merecido.

Si hay algo que distingue a Joon-ho Bong del resto de directores coreanos contemporáneos, es quizá la puesta en escena elegante, seria y sin fisuras que se puede apreciar en sus películas... Así como la ácida crítica social que se adivina en ellas.

Lejos de los experimentos formales de Park Chan-Wook o del nervio adrenalínico de Hong-jin Na, Bong opta por un estilo más comedido, por una composición de planos reposada y estudiada, pero que no duda en realizar elegantes y ágiles travellings o utilizar la cámara lenta de forma magistral cuando es necesario. Este estilo se vería perfeccionado en la excelente ¨The Host¨ y posteriormente también en ¨Mother¨.

¨Memories of Murder¨, la pieza que nos ocupa, nos ofrece una historia de cine negro oriental enmarcada en un ámbito rural opresivo y deprimente, desde el punto de vista de unos torpes y violentos detectives que no dudarán en utilizar unos métodos bastante expeditivos en pos de conseguir sus objetivos... De este modo, la cinta no sólo se erige como un fantástico thriller con asesino en serie, sino también como una denuncia encubierta hacia la brutalidad policial practicada en Corea del Sur durante los años 80.

Lástima que la cinta adolezca en ciertos tramos de un ritmo un tanto lento y de un evidente exceso de metraje (algo habitual en el cine coreano moderno, por otra parte...), defectos que restan algo de nota a todo el conunto... Porque por lo demás, ¨Memories of Murder¨ es una película policíaca tan ejemplar como exótica, con momentos realmente remarcables. ¿Qué decir, por ejemplo, de ese desconcertante y original desenlace?

Por lo demás, destacar también la excelente interpretación de plantel protagonista (sobresaliendo, como siempre, el sempiterno Kang-ho Song), la sombría y húmeda fotografía, y la buena banda sonora de Taro Iwashiro.

Así que si te gusta el cine negro, las historias de psico-killers o simplemente el buen cine oriental, aquí tienes otra destacable muestra del una de las cinematografías mundiales más interesantes y de más calidad de la década pasada, que no es otra que la de Corea del Sur.

Notable.

La segunda entrega de la trilogía ¨Vixen!¨ de Russ Meyer, nos ofrece mucha más violencia, irreverencia y surrealismo que la primera entrega... La cual la hace, sin duda, mucho mejor que aquélla.

Con la típica realización torpona y desordenada de su realizador, ¨Supervixens¨ no es sino una reacción en cadena de grandes pechos femeninos, violencia rozando el gore, sexo softcore y algo de comedia. No hay que buscarle demasiado sentido al conjunto... Ya que probablemente ni lo tenga.

Simplemente, ante una cinta de este estilo uno debe despojarse de todos los prejuicios, abrir la mente y los ojos, y dejarse llevar... Sólo así se puede llegar a disfrutar y apreciar una obra que si se mira desde un punto de vista demasiado crítico y carente de humor, probablemente sólo cause espanto y rechazo.

Por lo demás, destacar a un excelente Charles Napier, actor de gran talento y especial físico fallecido recientemente, y la belleza de las protagonistas femeninas.

Pese a ser sexista, deslabazada en su conjunto, y con un guión que más bien parece improvisado... Merece la pena.

Aprobado alto.

¨Las hijas de Drácula¨ es un curioso ejemplo de ese cine de terror setentero europeo de serie B con participación española, que por cada buena película que nos dejó, nos ofreció diez bodrios.

Y es curioso, ya que aunque se podría encuadrar en la categoría de las buenas, ciertas decisiones incomprensibles como el errático y confuso final le permiten llegar a cotas más altas. El español José Ramón Larraz consigue crear una buena atmósfera con cierto aire gótico, así cómo unas escenas eróticas muy sugerentes... Pero fracasa obviamente desde el punto de vista narrativo, al ofrecemos unos personajes un tanto planos, caídas de ritmo constantes, y poca cohesión en la historia.

Por lo demás, destaca la esforzada interpretación de Murray Brown, un actor que hizo poco más aparte de esta cinta, y la belleza de la ex-conejita de Playboy Anulka.

Así que sin ser ni mucho menos la obra maestra de terror gótico que algunos preconizan, ¨Las hijas de Dracula¨ es una película disfrutable, atractiva, y que merece un visionado... Sobre todo ahora que ha sido reeditada en Alta Definición.

Muy decepcionante tercera entrega de la saga empezada por el gran Takashi Miike con ¨Llamada Perdida¨, y que encontró una digna aunque inferior continuación con ¨El Pozo¨.

Aquí nos encontramos una banal repetición de los mismos esquemas, sin aportar absolutamente nada interesante a lo ya visto en las dos cintas anteriores... Y realmente es una pena, ya que la historia y el concepto podía haber dado para algo más.

Ni tan siquiera las muertes son tan espectaculares y macabras... Y el tramo final, si algo de gracia podía tener la cinta en su primera mitad, lo termina de echar todo por tierra. Mal resuelto, y con un desenlace absurdo.

Así que si a finales de los años 90 llegamos a pensar que el terror nipón era la panacea, productos como esta ¨Llamada Perdida: Final¨ nos demuestran que no es oro todo lo que reluce, y que incluso un país con tanto talento para el horror, nos puede ofrecer de vez en cuando algún bodrio, entre los que esta cinta se encuentra.

No merece la pena, a no ser que ya hayas vistos las dos entregas anteriores y sientas curiosidad... Un suspenso bien merecido.

¨Vixen!¨, la primera entrega de la famosa saga de Russ Meyer, se diferencia del resto por la falta de gore, y por no ser tan insana... Lo cual, decicidamente, juega en su contra.

Pese a todo, es una cinta bastante desvegonzada que se disfruta gracias a un par de momentos divertidos, y a la buena cantidad de enormes pechos femeninos que aparecen, como suele ser habitual en el cine de su director.

La historia... Pues qué vamos a decir... No tiene ni pies ni cabeza, y no es sino un mero pretexto para los momentos eróticos. Y esa pequeña apología antirracista (¿O racista? No queda muy claro...) resulta cuando menos irrisoria.

Así que sólo puedo recomendar esta película a fans del señor Meyer, o a completistas de una saga que ofrecería sus mejores momentos unos años más tarde con ¨Supervixens¨.

Por mi parte, se lleva un merecido suspenso.

Michael Dougherty, guionista de cintas como ¨Leyenda Urbana 3¨, ¨X-Men 2¨ o ¨Superman Returns¨, sorprendió a fans del terror de medio mundo con esta estupenda cinta de terror escrita y dirigida por él mismo.

Cualquiera que haya disfrutado del cine ochentero de terror más auténtico, reconocerá en él la fuente de inspiración de esta ¨Trick ¨r Treat¨, donde Dougherty realiza una serie de homenajes cinéfilos que harán las delicias el aficionado, enmarcados en una historia de vidas cruzadas al más puro estilo Robert Altman, pero con mucha más mala leche.

Pero esta buena idea no sería nada si la película no consiguiera lo que pretende: asustar. ¡Pero sorpresa, sorpresa! Lo consigue... Ya que pese al cierto aire infantiloide que se respira durante casi todo el metraje, la cinta atesora momentos espeluznantes muy logrados.

Lo cual unido al dinamismo del guión, hace que la película se pase en un abrir y cerrar de ojos, para al final quedarnos con una muy buena sensación... A la cual ayuda, sin duda, el buen elenco de actores entre los que destacan una escuálida (y por ello desmejorada) Anna Paquin, el gran Brian Cox, y el habitual y divertido Dylan Baker, en uno de los mejores papeles del film.

Así que poco más que añadir... Si eres fan del terror nostálgico, bien realizado, y no te quieres perder una de las mayores sorpresas del género de los últmos años... ¿A qué estás esperando para verla?

Un notable bien merecido.