El director de la película, RZA, debió quedar realmente impresionado al trabajar con Tarantino y ver como éste ofrecía un homenaje tan épico al cine de artes marciales de la década de los setenta.
No en vano, el compositor de aquella pieza de culto decide llevar a cabo su propio homenaje, añadiendo los elementos más comunes de las películas de artes marciales, con sus clanes, sus alumnos, sus valores, sus templos, su religión, etc. Etc.
RZA hace todo un homenaje al cine distribuido por la Golden Harvest o la Shaw Brothers, quienes produjeron películas a diversos directores, entre ellos algunos de los más famosos como: Liu Chia Liang, Woo Ping Yuen, Lo Wei e incluso John Woo.

Aquí tenemos una historia de aventuras compuesta de diversos elementos: romance, traición, venganza… y entre todo ello, acción, coreografías de artes marciales, danzas…
La ambientación de la época está muy lograda, nos traslada a Oriente en una época oscura, donde veremos los enfrentamientos entre clanes de un pequeño pueblo en un valle.
Me gustó la actuación realizada por Grace Huang, como la mujer géminis, quien debía proteger el cargamento de oro.
RZA también recupera a Byron Mann, un interesante actor que me gustó mucho cuando interpretó al compañero de fatigas de Mark Dacascos en “Crying Freeman”, dándole aquí el papel de antihéroe.
También la aparición de un popular Daniel Wu, irreconocible tras todo ese maquillaje, le da cierta calidad a la historia.

No me convenció tanto Russell Crowe, que le encontré más fuera que dentro de la historia, pero aporta su granito de arena.
Tampoco me convenció como protagonista el propio director, siendo él “el hombre de los puños de hierro” y dejando al pobre chino que viaja dejando atrás a su esposa para vengar a su padre asesinado, en segundo plano.
La aparición de Lucy Liu también me resultó poco atractiva, la verdad es que es una actriz que nunca me gustó y sus actuaciones bajo dirección de talentos populares, la hace convertirse en la número uno de asia, cuando en realidad hay miles de actrices mejores que ella, incluso en está película. Solo hay que ver la actuación de Jamie Chung o Zhu Zhu, para lo poco que intervienen.

En fin, el argumento es curioso incluso con esos elementos sobrenaturales, como el hombre de cobre o algo así, vamos el némesis del protagonista.
Me esperaba mucha acción, y la verdad es que en ese aspecto me defraudo, pero tiene detalles que la hacen divertida, nostálgica incluso.
Las coreografías tampoco son una maravilla, más bien efectos visuales, mucha cuerda y algunos con mucho doble, pero no voy castigarla severamente por ello, ya que aquellas clásicas obras de la década de los setenta eran pura danza trabajada, que no aportaban acción hasta pasados a los ochenta.
Divertido homenaje.

Como diría Amador Rivas: - ¡Olé, olé!.
¡Pero qué me he encontrado aquí, por favor! Esto es un deleite visual de película como pocas, con secuencias tan atrapantes que incluso cortan la respiración.
Una película que al día siguiente de haberla visto todavía pienso en ella, con un recuerdo desagradable de sus escenas, pero también con el recuerdo exquisito de una película rodada con personalidad, sin tapujos, y sin compasión, ni por los protagonistas, ni por los espectadores.
Encontrarme una película como está es arto complicado. Se reconoce su calidad solo con la imagen de sus créditos iniciales, donde puedes observar un ambiente tan malsano que hace estremecer.

Me esperaba una mayor violencia gráfica, y en ese aspecto quede decepcionado. No hay un uso excesivo de sangre, ni de efectos gore.
Pero lo que no abusa de violencia gráfica, lo hace de sufrimiento humano. Los personajes transmiten en todo momento su dolor, su humillación y frustración.
Cuando el dardo sedante es disparado contra Lindsay mientras ésta trata de huir arrastrando a su amiga, he podido llegar a sentir verdadera lástima por ella. Un escalofrío hizo un recorrido tremendo por mi columna vertebral.
Anteriormente a la huída, Lindsay fue advertida de que sería la pieza central, por tanto la que más iba a sufrir.
¿Qué ocurre con esa pieza?
Pues que su boca será mutilada de tal forma para poder coserla al ano de la pieza inicial, y el ano de ella será mutilado de tal forma que la pieza final pueda ir cosido a él.
Lo peor no solo es la mutilación que sufren, la deformidad de su cara y la experimentación de su carne, sino el tener que tragarse la mierda, literalmente, de la pieza inicial. Una secuencia totalmente bizarra, angustiosa…

Para angustia toda la trama sucedida una vez convertidos en esa mutilación, en ese engendro humano. No sabes que ocurrirá después, ha sido tan directo en su comienzo que viendo la duración hasta ese momento, el temor es aun mayor.
Es un ejercicio de agobio continúo, ver está película no es para disfrutarla con los amigos, sino para agobiarles viendo la enfermiza capacidad de un ser humano para hacer el mal.
Claro está que la inspiración a todo esto viene de otras mentes enfermizas como las de Takashi Miike o David Cronenberg, su experimentación de la carne y mutación de la misma.
También hay una notable inspiración de los experimentos nazis. De ahí que el antagonista se llame Josef, nombre que también tuvo “El Ángel de la Muerte”, Josef Menguele.
Dieter Laser actúa de forma tan increíble que realmente consigue hacer que le odies. Ves reflejado en su rostro su enfermiza mentalidad, va más allá de un psicópata y más allá de un enfermo mental. Un misántropo enloquecido.
Ashley C. Williams, la pobre Lindsay, también actúa de forma excepcional y eso que la mitad de la película solo podemos verla de rodillas y con media cara tapada por unas vendas, pero toda su actuación está reflejada en su mirada, pues con ella logra transmitir verdadero terror, y sufrimiento.

Es una película llena de morbosos detalles que retratan las intenciones del director al presentarnos a uno de los villanos más escalofriantes del terror moderno: el doctor Heiter.
Un personaje que pudo abusar sexualmente de sus víctimas y conseguir así un mayor desprecio hacía él, pero en realidad su pasión morbosa por la experimentación de la carne hace que en una secuencia podamos ver como siente placer al penetrar a una de las chicas con una aguja en su cuello.
Está historia no busca ser llamativa con escenas de brutalidad sexual como “A Serbian Film” o “Irreversible”. En todo momento trata de conservar el realismo presente y al ser grabada con una imagen característica del cine independiente o amateur, además de presentar un argumento poco convencional aunque muy influenciado de trozos de aquí y trozos de allá, viviremos las escenas como si estuviésemos allí mismo y ni siquiera pudiésemos ayudar. Realmente es agobiante ver como tres personas son humilladas de tal forma.
Pero más lamentable es ver que a pocos metros hay un par de cristaleros o un par de policías y que nadie pueda oírles, ni ayudarles... Lo que me hizo recordar la estremecedora noticia de hace unos días, con las chicas secuestradas encerradas en el sótano, realmente terrorífico.

El Ciempiés Humano, una impresionante exposición macabra y perversa.
De nuevo Europa se impone en el séptimo arte y entrega un cine sin miedo a mostrar lo que el director está decidido a mostrar.

Parece que “Ong Bak” ha prescindido de la impresionante primera parte que lanzó a la fama mundialmente a Tony Jaa, y con está tercera parte continúa con la aventura finalizada en la segunda parte, pues no todo acabo allí.
En fin, vuelve la “pre-cuela” o como sea que es la calificación correcta para esta entrega.
Tien vive en una época muy anterior al siglo XXI, una época en la que la oscuridad domina las tierras de Tailandia.
Un sádico emperador que escupe veneno cual serpiente, engaña a su gente y es maldito tras traicionar a un poderoso chamán del pueblo.

Al principio tiene escenas tan confusas que todo lo que se puede sacar es prácticamente por teorías. Ese luchador con aspecto de demonio, ¿de dónde sale?, ¿quién es?
Creí que era un sueño de Tien, y era él mismo, pero resulta ser que no.
¿Y el emperador maldecido?
Tanto con él para nada, pues forma un 3% de la historia, es decir, casi nada.
Lo que no espera es mucho flashbacks, un entrenamiento eterno que simplemente son danzas dignas de las expo que Jaa realiza por Japón o Corea del Sur, y muy poca acción, con ello decir que coreografías de combates totalmente inexistentes.

No destaco mucho de ella, pues ni la banda sonora llega a emocionar y se hace bastante pesada a veces, la fotografía es un poco más oscura de la normal, los flashbacks marean demasiado y crean una gran confusión, la historia pierde el sentido nada más empezar… en fin, lo siento por Tony Jaa en su faceta de realizador, pero la verdad es que “Ong Bak” debió continuar en el siglo XXI y no perderse en fabulas mitológicas.

El título de la película resulta engañoso y puede dar a lugar a una confusión sobre su historia y los elementos que la componen.
Quien tenga la intención de encontrarse con un film sobrenatural de espíritus, leyendas o fantasía oscura, se ha equivocado totalmente.
Está película se inspira en un caso real que es el robo de niños, algo muy frecuente en Norteamérica (y en todas partes). Incluso hace poco ha salido la noticia del secuestro de tres chicas, cautivas de un hombre en su sótano desde hacía 10 años en Estados Unidos, así que podemos ir haciéndonos una idea de lo que está película trata de denunciar de forma indirecta.

Sinceramente yo me esperaba algo distinto de Pascal Laugier. Después de dejar al mundo aturdido, estremecido e impactado con su película de culto “Martyrs”, el salto a la industria cinematográfica americana le daría la oportunidad de hacer algo puede que más comercial o quizá sobreponer su personalidad y plasmarla en un film que posiblemente nunca vería luz fuera del mercado domestico estadounidense, y para eso censurado tal vez.
No considero en ningún momento que esta película sea mala, ni por asomo. Pero me resultó una idea menos confusa y más directa al público joven de la misma base que usó para “Martyrs”.

En aquella obra del verdadero terror en estado puro, gente común, tus propios vecinos, eses de vida envidiable o de apariencia humilde eran de puertas para adentro verdaderos sádicos psicópatas y torturadores, usando a niños robados para sus fines más perversos.
Aquí, en “El Hombre de las Sombras”, volvemos a ver como la gente adinerada trata de convertir la vida de otras personas en una pesadilla, pero no de la forma cruel y sádica de la tortura, sino dándoles a niños pobres y de futuro decadente, la oportunidad de ser alguien y cumplir sus sueños, lo único que deben hacer es abandonar su verdadera familia y olvidarles. Pero siendo unos niños, sus recuerdos con el paso del tiempo se difuminan.
No hay dinero de por medio, solamente una vida mejor que la que les espera.

El giro radical que da la película da la sensación de ser una confusa parte de la historia, o un intento de darle un sentido menos fabuloso y más realista a lo que hasta ese instante estabamos viendo.
La verdad es que aunque resulte un poco confuso, poco a poco se va descubriendo la verdad y el caso se resuelve de una forma bastante oscura, e incluso desgarradora, pero sin llegar a ser tan cruel como Laugier podría haber sido.
Y como siempre, destacar la banda sonora cuando debe hacerse, lo cierto es que aporta una atmosfera más caótica a la esencia terrible que radica de su historia plasmada en el largometraje.

En este documental lo que nos detalla son los motivos por los que “La Noche de Halloween” se convirtió en título de culto y referente del género slasher, por encima de sus antecesoras “Psiscosis”, “La Matanza de Texas” e incluso “Bahía Sangrienta”.
John Carpenter era prácticamente un desconocido, pero “Asalto a la Comisaría del Distrito 13” le abrió varias puertas, algunas importantes pues sirvieron para que Irwin Yablans fuese un perseverante productor y también para que un actor de renombre como Donald Pleasence fuese el protagonista de la historia.

Nos relata aquellos 21 días en los que tenía que estar completo el proyecto. La participación del equipo técnico que Carpenter escogió y del cual, todos ellos eran novatos en sus funciones. Además algunos realizaban más de un trabajo técnico-
Carpenter a pesar de ser un joven cineasta, tenía las ideas muy claras y lo dejó ver, tanto en el documental de rodaje durante la década de los setenta, como en la actualidad con las declaraciones en las entrevistas. Un tipo carismático, muy influenciado por Howard Hawks.

Bien, como el documental dicta, estamos ante un trabajo bastante amateur, realizado por gente de escasa experiencia en sus especializaciones, lo cual podría considerarse como un gran logro en sus carreras.
Halloween transmite lo que el equipo quiso que transmitiese, el temor. La aportación de Dean Cundey fue esencial, con su perfecta aplicación de iluminación en las escenas más oscuras.
También lo fue, y más si cabe, la aportación de Carpenter en la composición musical, componiendo un tema mítico e inolvidable, lo que aumentó en considerable ascenso, el suspense en la película.

En fin, hay detalles curiosos de la película que cualquier fanático de Carpenter seguramente ya conocía con anterioridad, me incluyo en ese aspecto.
No sorprende si conoces palmo por palmo toda su carrera, pero siempre es curioso poder verlo en directo y tener sus declaraciones, ver el rodaje y como dieron ambientación otoñal a un barrio soleado de California.
Un excelente aporte sobre una de las míticas películas de terror, la legendaria “Noche de Halloween”.

Una comedia de bajo presupuesto con elementos fantásticos en su historia. Esto es lo que nos ofrece el famoso productor de New Line, Robert Shaye. Un productor conocido de sobra por la saga “Pesadilla en Elm Street” o la trilogía de “El Señor de los Anillos”, entre otras muchas.

La historia es bastante curiosa, y graciosa.
Nos encontramos con el televisivo Scott Valentine interpretando a Kaz, un chico normal que cada vez que sus hormonas se alteran se transforma en un horrible demonio.
Cuando conoce a Denny, una chica alegre y divertida, Kaz empieza a enamorarse y una relación implica sexo, con lo cual en más de una ocasión tendrá que apañarse para que Denny no descubra su doble identidad.
El problema es mucho mayor cuando un asesino en serie se dedica a atacar mujeres guapas.
Kaz cree que podría ser él cuando se transforma, ya que nunca recuerda lo que hace.

Un argumento convincente ¿no?
Ofrece diversión desde el primer instante, aún a pesar de ser una producción menor y que ello conlleva a ver un reparto desconocido o un maquillaje bastante regular, entre otros muchos defectos vistos a día de hoy...
Yo personalmente acepto muchas cosas, aunque tengo mi limite. Pero estás comedias fantásticas de los ochenta tiene un encanto arrollador, no sé si por la iluminación de la fotografía, el ambiente en las calles estadounidenses, la moda de la época, las canciones hard rockeras o pop del momento… son demasiados elementos mezclados y todo ello hace sentir cierta nostalgia.

Me gustó la actuación de Denny, interpretada por Michele Little. Es una pena que nunca se aprovechó a está interesante actriz.
Y como en una digna producción de Shaye, nos encontramos con la siempre destacable fotografía de Jacques Haitkin, y el divertido cameo de Lin Shaye.

Me la recomendaron para poder echarme unas buenas risas, y la verdad es que sí, pude reírme con varias secuencias y algún que otro diálogo.
Realmente nunca me interesé demasiado por ella, a pesar de los anuncios y las críticas, pero es que Ben Stiller es un actor que unas veces me sorprende y otras me decepciona, que son la mayoría.de ellas.
Se nota una clara influencia del cine de Edgar Wright (¨Zombies Party¨), con muchísimo humor negro en su argumento.

No es oro todo lo que reluce. Hay secuencias bastante absurdas y otras bastante vergonzosas, como por ejemplo la protagoniza Jonah Hill en la fiesta de estudiantes. Y para absurdo, todo el aporte de Richard Ayoade. Me resultó bastante insoportable, más incluso que el propio Stiller, quien al menos no hace el ridículo como de costumbre.
Sin duda la mejor aportación artística fue la de Vince Vaughn, que además es quien más humor destila.

Cuando me encontré ese comienzo tan agresivo con la muerte del guarda de seguridad en el centro comercial, creí que se trataba de una película totalmente distinta a la que me habían comentado.
Lo cierto es que el aporte de ciencia ficción en la historia es muy aceptable, ya me preveía un “Arma Fatal” a la americana…
Los FX están muy bien aplicados, al menos evita mostrarnos extraterrestres dignos de la SyFy.
Una película muy divertida y para pasar un rato agradable. Como dije al comienzo de mi opinión, para echarte unas risas.

Antes de hacerse un pequeño nombre en el cine de acción, Deran Sarafian ofreció varias películas de terror, y la verdad es que después de haber visto “Cosmos Mortal” (que por cierto, fue rodada aquí en España) me temí lo peor cuando quise hacerme con “Besos de Sangre”.
Hubo detalles técnicos que llamaron mi atención; los efectos especiales y el maquillaje estaban al cargo de John Carl Buechler, más conocido por haber sido el director de “Viernes 13, 7ª Parte”, entre otras. Pero popularmente es un nombre figurado al apartado de FX en el género de terror de serie-b.
Otro detalle técnico era la fotografía. Esa iluminación oscura en los callejones no podía ser de otro que no fuese Jacques Haitkin, director de fotografía de las dos primeras entregas de “Pesadilla en Elm Street” y “The Hidden”.

Pero lo que realmente llama la atención de “To Die For” es quien interpreta los papeles protagonistas.
Bien, nos encontramos con Brendan Hughes que ha tenido varios papeles en el cine de terror de serie-b o Duane Jones que fue el protagonista principal de “La Noche de los Muertos Vivientes”.
Lo curioso no es la participación de esos dos semi-conocidos actores, sino la participación de Amanda Wyss, la estrella del largometraje. ¿Y por qué lo digo?
Porque Amanda Wyss fue la primera víctima de Freddy Krueger en “Pesadilla en Elm Street”.
¿Y quién acompaña a Amanda Wyss en está película?
Pues la última víctima de Freddy Krueger en “Pesadilla en Elm Street 2”, Sidney Walsh, quien aquí es la protagonista principal.

Hablando del film, este caso se trata de un avance muy grande para Deran Sarafian en su cine, después de haber ofrecido una verdadera lastima de película como “Cosmos Mortal”, donde la seriedad era difícil de creer.
“To Die For” mejora en todos los sentidos, aunque nada tiene que ver con ella. Pero tenemos una historia interesante, con unos decorados bastante lúgubres, diálogos más fluidos y las escenas gore bastante curradas.
No puedo afirmar lo mismo del diseño de las criaturas, el cual es plastiquete del cutre, digno de Buechler, pero tiene su encanto al fin y al cabo.

Sarafian ofrece una visión de Vlad el Empalador, conocido popularmente como Drácula, más romántica. Un estilo que ya empezaba a reflejarse en el cine de vampiros de la década de los ochenta, donde estás criaturas mantenían relaciones amorosas con los humanos (véase: “Los Viajeros de la Noche” o “Jóvenes Ocultos”).
Tiene su toque gótico en la parte final, en la secuencia del castillo que adquirió Vlad durante el transcurso de la historia, y un enfrentamiento entre monstruos por causa de un amor perdido.
Lo cierto es que me sorprendió para bien y me gustó mucho, sobre todo para tratarse de una película de la más pura serie-b de bajo presupuesto.
El añadido de humor negro es siempre de agradecer y por supuesto, hacen más disfrutable las escenas, sobre todo en una bastante gore.

Después de 9 años desde “El Retorno del Rey” ya se escuchaban ecos de una nueva adaptación de la literatura de J.R.R. Tolkien, algo que se conocía desde hacía bastante tiempo y que vino anunciándose a lo largo de varios años, donde el modelo ya no pertenecía a Peter Jackson y otro en su lugar ocuparía la dirección de la Tierra Media.
Pero al final las cabras tiran al monte, y Jackson vuelve a encargarse de la dirección, por lo que yo me imaginé como sería antes de haberla visto, y estaba en lo cierto.
Para mi fue realmente una pena no poder ver como Guillermo del Toro hubiese llevado las riendas de una adaptación así, pues es un director que sabe tratar la fantasía oscura de modo asombroso.

Para mi sorpresa, “El Hobbit” es una adaptación estupenda, hace años que leí la novela de Tolkien, por lo que ya ni la recuerdo, y de todos modos a lo que vengo no es a comparar. Pero que iluso yo, si solo se pueden comparar otras novelas con su adaptación cinematográfica, no “The Lords of the Rings” y ya puestos, tampoco “The Hobbit”.
No lo creo necesario, pues el caso es centrarme en lo que he visto, la película. Y como tal, debo afirmar mi enorme sorpresa.
Si solamente sois amantes de las batallas, de las guerras fantásticas… os aconsejo que volváis a ver “La Trilogía del Anillo”, pues está se centra más en las aventuras de Bilbo, sin la necesidad de épicas batallas.
Si bien es cierto que alguna encontraremos, pero nada más allá de lo espectacular que puedan ser aquí, es decir, no comparables pues con “Las Dos Torres”, por ejemplo.

Todo comienza de forma bastante agradable. La aparición de un joven Bilbo dialogando con Gandalf, que sigue en su línea, en una conversación arto cómica.
La aparición de los enanos le otorga algo más de humor, y también ritmo musical.
Sigue avanzando la película, y cuanto más lo hace, más desaparece el colorido. Los colores vivos del comienzo, dan la sensación de agrado y relajación. Poco a poco, mientras avanzan en la aventura, este colorido se vuelve oscuro, negro y empiezan las buenas vibraciones, la fantasía oscura está a punto a hacer acto de presencia.

Por supuesto, tenemos unas localizaciones tremendas de esa maravillosa Nueva Zelanda, que conquista con su basto terreno a cualquiera.
Un lugar apropiado para una aventura así, pues creo que únicamente las “Highlands” podrían ser otro maravilloso lugar para rodar una épica aventura de fantasía oscura.
El diseño de vestuario de nuevo es magnífico, ya lo era con “La Trilogía” y no iba a ser menos aquí. De igual forma, la excelente fotografía.
Howard Shore sigue aplicando el tema de “The Lords of the Rings” pero añadiéndole unas modificaciones, ofrece para “El Hobbit” una composición más “Viking”, por calificarlo de algún modo.
Estos días he estado escuchando grupos de Viking Metal y me dio una sensación de similitud en esa composición que podemos apreciar en el viaje con los enanos.


En fin, la película ha sido muy divertida. Me ha gustado mucho. No necesito compararlas, porque ni siquiera merece la pena.
El cine es cine se mire por donde se le mire, las comparaciones solo sirven para destruirlo, pues quien no se adapte a los tiempos, es mejor que opte por la pintura...

Se valoró en demasía a Sean Penn por su actuación en está película. Si bien es cierto que su papel de padre sufridor es bastante acertado, pero no consigue cautivarme, su sufrimiento no me llegó.
Más conmovedor me resultó el papel de Tim Robbins. Un hombre que vivió de niño experiencia traumática que le marcaría para el resto de su vida, y aún habiéndola rehecho, la muerte de la hija de mejor amigo le convierte a él en principal sospechoso.
Sin duda, el Oscar lo merecía Robbins. Interpreta formidablemente un personaje entrañable, y forma parte de una venganza equivoca.

Pero si hay que hablar de actuación magistral, si hay que hablar de una verdadera injusticia en las candidaturas al Oscar, debemos centrarnos en el auténtico protagonista de está historia, Kevin Bacon.
Bacon es un policía que vive un hecho personal trágico y que cada día le hace desesperarse un poco más. Su esposa le ha abandonado sin motivo, le llama al móvil sin decir una sola palabra y él únicamente quiere comprender la situación.
Pero debe atender a su oficio, dos de sus amigos de la infancia están implicados, uno de ellos ha perdido a su hija y además es un tipo que lleva el crimen en la sangre. El otro simplemente es un bonachón que con su pasado y su cara de desolación hace que cualquiera crea que tuvo algo que ver.

El propio Clint Eastwood compone una estupenda banda sonora, que es de lo más acertada y emotiva. Sin duda es una obra espectacular, una película fascinante y cruel.
Yo no la hubiese considerado para el premio Oscar salvo para la actuación de Kevin Bacon, la cual nunca existió.
Simplemente es un dramático thriller de venganza, misterio y crimen, pero está elaborado de forma magistral que es lo que lo diferencia de otras películas de su género.
También hace mucho el elenco de actores y actrices, todos ellos y ellas han destacado con anterioridad, y tiran de oficio para desarrollar sus personajes de forma que gusta verles actuar.

La venganza final es un momento de desgarre emocional.
Tim Robbins sobre las piedras del río frente a un enloquecido Sean Penn, es un momento cargado de tensión.
Pero la tensión se convierte en sorpresa, desagradable, cuando Kevin Bacon le informa de la noticia. Un momento de verdadero asombro, una secuencia fría como aquella nublada mañana en la que se grabó la escena.

Ver está película fue pura coincidencia, ya que en ese preciso momento no encontré nada mejor y había visto muchas recomendaciones anteriormente, pero al terminar de verla empecé a dudar si las recomendaciones habían sido para otro film distinto…
Bien, “Pánico” recuerda a todas y cada una de las “road movies” anteriores a ella, largometrajes como: “Breakdown”, “Área de Descanso” e incluso “Carretera al Infierno”, fueron títulos en los que pensé mientras transcurría el metraje, ya que hubo escenas que me hicieron recordarlas.

No es novedosa en ningún aspecto, y su guión tiene algunas incoherencias. No llegué a entender, por ejemplo, el guardia de seguridad que asesina a su compañero para incriminar a Zekes, y después no vuelve a saberse nada de él en toda la película, hasta el final que aparece en los créditos comprando la novela de la experiencia que vivió el muchacho.
¿Qué conexión existe entre el guarda y el camionero?, ¿son amigos?, ¿conocidos? …¡¿qué son?!
Junto a esa incógnita tan importante, que nos hace ver una secuencia de asesinato brutal y después aburrirnos de la intriga (sin resolver), también está el caso de la infidelidad de Beth, lo cual solo sirve de relleno, pues el tal Leo tiene participación de diálogo (no suyo) y nada más, únicamente tensa al espectador en momentos en los que Zakes no sabe si seguir al camión o leer los continuos mensajes que le está enviado al móvil de su novia.

El final no es absurdo, sino decepcionante. Zakes se convierte en el héroe sufridor, sobrevive a una experiencia terrible, saliendo herido en infinidad de partes de su cuerpo y rescata a la chica, todo muy bien hasta ahí, pero, ¿qué manera es esa de acabar con el psicópata?
Otro detalle de vacío en su guión son las chicas secuestradas. ¿Por qué?, ¿para qué?, y lo más importante, ¿qué ocurre con ellas?
Del camionero asesino es mejor no preguntar, ya que ni se sabe quien es, ni se ve su cara y se desconocen sus motivos totalmente.
No podría destacar nada porque es un conjunto de elementos de otras road movies pegados aquí, con cientos de incoherencias, muchas incógnitas y no sirve de nada crear tal expectación de misterio si es imposible encajar piezas que se han comido.
Me entretuvo, pero no la considero demasiado ejemplar, ni para el género, ni para recomendar.

Tras el éxito de las dos primeras “Arma Letal”, Joel Silver vuelve a probar suerte con una producción típica suya. Y como digna producción de Silver, encontraremos un apartado técnico destacable, con Steven E. De Souza, guionista de “La Jungla de Cristal” y Fred Dekker, guionista de “El Terror Llama a su Puerta”, al cargo del argumento.
Alan Silvestri dirige la banda sonora, y podemos apreciar una composición con mucha similitud a la que hizo para “Depredador”.
Por último, Russell Mulcahy fue el escogido para dirigir está película, dándole un voto de confianza pese a no haber obtenido éxito anteriormente con sus clásicas “Los Inmortales” (primera y segunda parte).

Con “Ricochet”, Mulcahy vivió su primer gran éxito en taquilla, y de nuevo convirtió una obra suya en una pieza de culto.
En parte gracias a un Denzel Washington que empezaba a despegar en su carrera, y realizando aquí una actuación más que notable, que posteriormente le serviría para protagonizar “Virtuosity”, otra pieza cinematográfico con aspectos similares aunque con elementos enlazados a la ciencia ficción.
John Lithgow es su Némesis, el encargado de darle vida a un psicópata movido por la venganza. Realizando una actuación espectacular, que también le sirvió para posteriormente convertirse en el villano de “Máximo Riesgo”, otro éxito del cine de acción.

Lo que tenemos aquí es un thriller policíaco, otro género que vivió sus grandes momentos a principios de la década de los noventa, en parte gracias a los thrillers eróticos y thrillers psicológicos que asolaron las carteleras norteamericanas.
Si bien es cierto que ambos tres géneros se complementan entre ellos, pero unos tienden más a un aspecto que a otro, en esté caso, el erotismo es prácticamente inexistente, salvo una espectacular escena interracial protagonizada por Linda Dona.
El aspecto psicológico es el que vive el personaje de Denzel, un fiscal del distrito que disfruta de su mejor momento tras enfrentarse a un criminal en una espectacular detención.
Esté criminal tiene que soportar cada día de su condena con el despegue exitoso del fiscal. La venganza es lo único que tiene en mente y tras huir de prisión, pretende hacerle pagar, torturándole de varias formas, una de ellas, acabar con su carrera públicamente después de separarle de su familia.

Personalmente me ha gustado, no es la típica película carga de acción, ni tampoco la típica de policías compañeros con sus incursiones humorísticas (como “Arma Letal” o “Tango y Cash”).
Tiene su estilo particular y es una pena que no fuese mejor valorada, su éxito tampoco fue tanto como parece, pues recaudo algo más de 20 millones en taquilla. Algo que no puede negársele es la pieza de culto en la que a día de hoy se convertido.

Uno de los thrillers más novedosos de su época.
Llegó a marcar un antes y un después en el género, siendo una película con una particular historia que en la posterioridad sería de gran influencia sobre otras (¨The Roonmate¨ por ejemplo).
Barbet Schroeder es un director que me ha convencido en varias ocasiones. No es un director que haya brillado mucho a lo largo de su carrera, pero tampoco se le ha dado el trato justo que le hubiese valido convertirse en un Jonathan Demme o un Phillip Noyce.
Con está película comenzó un viaje hacia el género thriller y sus muchas variantes, llegando a llevar la dirección de varias obras ejemplares: ¨El Sabor de la Muerte¨ o ¨Medidas Desesperadas¨. Pero todo comenzó aquí.
Con ¨Mujer Blanca Soltera Busca¨, trató de por un lado aprovecharse de los thrillers que venían apretando con su éxito desde finales de los ochenta, pero además, dejar su sello personal.

El thriller erótico empezaba a arrasar en 1992, que es cuando salió al mercado está película.
Por eso mismo tenemos en el reparto principal a dos jovenes promesas de su época, una de ellas muy acostumbrada a las ¨nudity scenes¨ como Jennifer Jason Leigh. La otra, Bridget Fonda, una de las actrices más atractivas del momento.
Todo ello unido sería un posible éxito. Suspense y sexo asegurado.
El único inconveniente es que coincidió en mal año. En 1992, tuvo que compartir cartel en taquilla con otros dos thrillers que también querían abrirse un hueco en el género, y firmar marca personal. En cualquier caso, cualquiera de las tres lo consiguió, solo que una de ellas es más recordada a día de hoy.
Otro detalle técnico que me gustó de está película fue la banda sonora. El oscarizado Howard Shore quien sorprendió a todos con su impresionante composición en ¨El Silencio de los Corderos¨ hace aquí una de sus incursiones musicales más destacadas.

El argumento de esté largometraje, una vez terminado, carece de algunos detalles que podrían haberle dado más interés.
La situación de Hedra (Jennifer Jason Leigh) es bastante superficial. Apenas se involucra en la historia del personaje antes de ser ¨compañera¨.
Hay detalles como: ¨Aquella chica que también llamó por mis padres¨, ¨sus padres¨, ¨la medicación¨... dan a entender que tiene un problema psicopático, aunque en realidad lo que hace con Allison (Bridget Fonda) es digno de un comportamiento obsesivo-compulsivo.
Allison se convierte en su modelo a seguir, decide imitarla en aspectos visuales y la considera algo más que una amiga.
Poco a poco, Hedra no puede estar sin Allison ni un instante. Para Ali es asfixiante, pero para Hedra es una necesidad.

Una historia dramática cargada de suspense, con la que tendremos la suerte de deleitarnos de algunas secuencias bastante brutales, sobretodo en la parte del secuestro.
Si alguien espera de ella un thriller erótico, se equivoca. Si bien es cierto que hay algunas escenas de sexo y también varios desnudos corporales, pero son escenas bastante cortas o de oscura ilumnación, ya que el mayor interés que proporciona está película no es convencer al espectador a base de pechotes.
Para mi personalmente, es uno de los thrillers predilectos a la hora de escoger. Una gran película, de una gran época capaz de hacer un cine diferente, espectacular, visualmente novedoso y nostálgico.
Los noventa marcarón un antes y un después en el séptimo arte.

“Los Elegidos 2” nace a consecuencia de los fanáticos de la primera entrega, quienes convirtieron aquel largometraje en una pieza de culto.
Troy Duffy regresa con casi los mismos actores protagonistas de la primera parte y después de tantos años, parece que la hubiese rodado al día siguiente de terminar la anterior.
Está vez con aspectos cinematográficos mejorados. Los efectos especiales, la fotografía, la iluminación… técnicamente más detallada.
La historia vuelve a lo mismo, solo que está vez tienen un motivo para regresar: la venganza.

Ver está secuela es como recordar las mejores secuencias de la primera entrega, pero dándole un toque más humorístico. Si bien es cierto que la original también tenía su punto de humor negro, pero está es un derroche casi continúo.
Julie Benz es una de las nuevas incorporaciones, haciendo la labor que ejercía Willem Defoe en la primera parte, imitándole prácticamente en todo, pero con un secreto en su investigación de “Los Santos”.
Después de la muerte del comediante Della Rocco en la primera parte, esté tiene breves cameos, sobre todo en una de las secuencias más surrealistas de toda la película. Así que a la aventura de los hermanos McManus, se les une un mejicano muy alegre, el cual también será útil para facilitar escenas de humor.

De nuevo nos encontramos con escenas de tiroteos ralentizadas, aunque está vez podemos disfrutar de alguna ejecución sangrienta en directo, sin cortes. Uno de los detalles del mayor presupuesto invertido.
Las secuencias de acción siguen siendo similares, todas ellas breves, en flashbacks de investigación o desarrollo de planificación, como la ejecución de los japoneses.
Personalmente, no podría escoger entre una y la otra, ambas me parecen igual de buenas e igual de divertidas.

Conocía está película desde hace mucho tiempo, pero únicamente debido a su portada, la cual era muy común encontrarla en la estantería de los videoclubs durante los primeros periodos del año 2000.
Aún es ahora cuando me atreví a verla, quizá porque era una de muchas que tenía en la lista de espera y le tocó el turno.
No conocía nada sobre ella, y debido a su título me imaginé que algo religioso tendría en su contenido. Pero me esperaba cine de vampiros, sinceramente.
En realidad está película ni siquiera es de terror, sino un thriller de acción, pero con un montaje exquisito que la hace muy interesante.

La película tiene su propio sello, pues todo lo que el protagonista del cartel, Willem Defoe, investiga, es lo que sucede después. Es decir, Defoe, con su experiencia policial y el escenario del crimen resuelve el puzzle, y a continuación en la siguiente escena, vemos como ocurre realmente la situación.
Es la parte original y divertida de la historia. Además, la pareja Flanery/Reedus, aporta su encanto, pues son dos jóvenes actores que aunque sus carreras nunca disfrutasen del verdadero éxito que merecían, trabajan sus papeles aquí, de maravilla.
Pero el verdadero entretenimiento no solo son sus aportes, tanto humorísticos como de acción, sino el del ítaloamericano, David Della Rocco, quien con sus apariciones son puro derroche de humor.

Aunque la acción no es tan espectacular como cabe esperar de ella, tiene su cierto encanto. Las secuencias de las mismas, son poco ruidosas, aunque bastante sangrientas, pero realizadas de forma ralentizada
Lo cierto es que aun así impresiona encontrarse con un largometraje de estás características, pues quien haya quedado satisfecho con ella e investigase un poco su desarrollo y producción, se encontraría con toda una sorpresa de película (de culto, por cierto).
Atención a la aparición de la estrella del cine porno Ron Jeremy, interpretando a uno de los mafiosos, y también a otra estrella del cine porno como la espectacular MILF, Jeanna Fine.

Su comienzo es brillante, la aportación musical es uno de sus métodos de atracción y aunque después parezca un poco soporífera, debe tenerse en cuenta que la película es cine independiente y no estamos ante una comercial película de acción videoclipera.
Todo lo bueno se hace esperar, y secuencias épicas, así como diálogos memorables, los habrá.
Cine de venganza, puro y duro. En realidad lo que tenemos no es la típica venganza, sino un viaje casi surrealista, de dos personas a las que un ente divino les ha encomendado limpiar la calle de impureza.

El legendario William Castle financió está serie-b que tiene como principal atractivo el tema de los insectos, tal y como su título indica.
Lo que uno no espera encontrarse es con una mutación de escarabajos capaces de producir incendios. El fuego es su principal medio de defensa, y lo que provocará el terror en una pequeña localidad.

Un desconocido Jeannot Szwarc, que más tarde estaría al cargo de la dirección en “Tiburón 2”, llevaba aquí las riendas. Su principal protagonista es Bradford Dillman, quien posteriormente trabajaría en “Piraña”.
“El Bicho” une elementos como el terror psicológico, la ciencia ficción y el dramatismo. Dillman ofrece al espectador una actuación completa para cada uno de esos géneros.
Él es un científico que ve morir a su mujer a causa de estos insectos, los cuales le fascinaban antes del fallecimiento de su esposa, pero tras la muerte de ésta, se convierten en una obsesión. No come, no duerme y su mente cada vez está siendo más débil y sensible.
Decide combinar a estas nuevas y desconocidas criaturas con otro tipo de insectos más comunes, causando de ese modo una mutación que podría hacer peligrar a toda la humanidad.

Desde luego parar tratarse de una película apenas conocida, tiene los elementos necesarios para haber sido un clásico de su época.
Cuenta con unos buenos efectos especiales, las muertes son bastante espectaculares y el continúo suspense ofrece una sencilla diversión.
Cualquier amante del cine de criaturas, animales asesinos, insectos mortales, o como prefieran definir a esté subgénero de terror y ciencia ficción, no debería perderse esté largometraje.

Tras el desastre nuclear que creó una serie de mutantes en “Las Colinas tienen Ojos”, está película trata de contar algo novedoso con la excusa del desastre nuclear ocurrido en la ciudad de Ucrania, Chernobyl.
Pero sigue siendo lo mismo que la película de Alexandre Aja, en distintas localizaciones y situaciones, pero el transfondo es igual.
A diferencia de la joya dirigida por el Frances, está es una basura que tratan de colocársela al público joven y ganarse así una buena renta en taquilla, pero descubierta la trampa se acabó el juego.

Desde el principio no convence, y cuanto más avanza, más soporífera se hace.
Únicamente es salvable la actuación del entrañable Uri (Dimitri Diatchenko), el resto del reparto son bastante regulares. La pareja “hippie” es incluida para ser víctimas, nada más. Su aportación es totalmente nula.
Es una pena que la guapa actriz nórdica, Ingrid Bolso Berdal fuese tan desaprovechada, después de haber participado en el thriller survival de terror, “Cold Prey”. A pesar de su experiencia en esté tipo de cine, su actuación pasa muy desapercibida.
Más de lo mismo con la guapa Devin Kelley, que tiene más protagonismo y su final es previsible, pero no salva nada con su actuación.

Ya ni que decir de las muertes, pues promete mucho y no dan nada a cambio. Después de soportar el tostonazo del comienzo y la aventura eterna por la ciudad desértica, esperas ansiosamente brutalidad, sangre y gore, pero no tienes ni una ni otra.
Mucho misterio en el aire que no provoca ni el más mínimo síntoma de tensión o de suspense.
El comienzo anula totalmente el resto de metraje, y más cuando apenas ves a los seres mutantes. Con todo ello, y sin violencia gratuita, nos quedamos en nada. Un clip de larga duración sin música de MTV, puro intento de basura comercial, que se queda en tierra de nadie, ni comercial, ni película de terror… Difícil darle una calificación a semejante tomadura de pelo.

Para ser sincero, realmente fue la portada del DVD lo que me llamó la atención.
Y es algo que debe hacerse si o si. Si vas a venderla intentas destacar aunque el contenido después sea una basura de proporciones bíblicas, pero antes de que puedan deleitarse con tal contenido, deben hacerse con la película. ¿Qué mejor manera de empaquetar a alguien una película cutre sino es con una portada impresionante?

Yo no la he comprado, pero seguramente si la hubiese visto en el mercado estaría con su DVD en mis manos un buen rato, decidiéndome de si pagar lo que vale (que dudo que sea mucho más de 5 euros).
Pero después de haberla visto, y encima tratándose de un producto cinematográfico de la SyFy, cualquiera en mi lugar se echaría para atrás. Yo estuve a punto… pero su gran comienzo es una forma extraordinaria de engatusarte.
Como ya he dicho, después de haberla visto puedo asegurar que no es para nada una película mala, ni cutre. Quizá sus FX no sean los mejores del mundo, pero cumplen sus funciones perfectamente, asegurando una criatura espantosa que a veces si es algo más cutre, aunque otras veces impresiona su aspecto.

La historia cuenta con un reparto llamativo para protagonizarla. Con la belleza de los noventa, ya convertida en una “MILF”, Lauren Holly, llevando el peso protagonista.
Secundada de dos jovencitas que han tenido incursiones en películas de bajo presupuesto de terror, pero una de ellas convertida ese mismo año en la chica de “Green Lantern”, Leanne Cochran.
La otra, Marcelle Baer, con más protagonismo que Leanne, pero ambas cumplen aceptablemente sus cometidos.
Y la sorpresa llega con un mítico Lance Henriksen realizando una aparición breve, pero siempre está enorme por mi pequeño y bizarro que sea su papel.

Personalmente, la historia de está película me resultó llamativa. Es una historia divertida, protagonizada por un Banshee, una criatura que con sus gritos (y su aspecto) busca el temor de la gente para matarla, si ante su presencia no gritas, no morirás. Si gritas, estás muerto, así de claro.
Como anteriormente mencioné, el diseño de la criatura a veces está muy bien, aunque yo creí que el monstruo sería como la primera cabeza que encontraron en la caja, pero su cara será totalmente distinta.
Las muertes son bastante sangrientas, aunque el desarrollo de la película es lento, y el ritmo no es suspense continúo, pero con esas muertes (que además no son pocas) pues se hace bastante divertida.

Ante todo, su comienzo es genial. Y es una pena no haberlo aprovechado mejor, para 5 minutos que dura, es lo mejor que le he visto hacer a SyFy en sus producciones.

El inglés Stephen Frears es un director que nunca llegó a entusiasmarme demasiado con su visión cinematográfica, pero cuando comencé a ver “Negocios Ocultos” algo en ella me atrajo con vigor.
Quizá el hecho de ver actuar a la francesa Audrey Tautou, es lo que me convenció. Una esplendida actriz que necesita bien poco para asombrar al espectador. Ya lo hizo con “Amelie” un año antes, donde saltó a la fama internacionalmente.

Lo que tenemos aquí es un drama urbano que representa perfectamente la diferencia entre la clase baja y la clase alta. Que representa perfectamente la diferencia entre vivir y subsistir. Que representa perfectamente la diferencia entre europeo y africano.
Una película que nos hará ver una pizca de la sociedad europea, está vez situada en Londres, donde los lugareños se dedican a engañar a inmigrantes ilegales haciéndoles chantaje de todas las clases, para que algunos de estos inviertan sus riñones arriesgando sus vidas y así poder conseguir pasaportes falsos.

Una historia muy dura, protagonizada por un espectacular Chiwetel Ejiofor, actor de origen nigeriano, que interpreta a Okwe, un médico de Lagos que tuvo que huir de Nigeria cuando se vio acusado de un asesinato que él no cometió.
Su humildad se convierte en su debilidad, la gente de su alrededor trata de aprovecharse de él, pero es un tipo inteligente que no se deja magrear, así que le atacan donde más le duele: su relación sentimental con Senay.

Está es una película que produce una atracción inevitable. La suciedad de los barrios bajos de Londres, la frustración de Okwe, las vejaciones a Senay, el tráfico de órganos… son secuencias que producen desesperación, intriga y esperas ansioso como acabará todo esto.
Sin duda, un drama cruel pero impresionante.

Sharon Stone pasa de ser la “Femme Fatale” a la mujer que lo pasa fatal, aunque no tanto como parece, en el fondo es una de esas películas hechas a su medida donde luce su esplendida belleza corporal en extensas secuencias eróticas, está vez protagonizadas por uno de los hermanos Baldwin, William. Si ese mismo que también protagonizó “Caza Legal” con Cindy Crawford o “Llamaradas” con Jennifer Jason Leigh, y en cuyos casos, al igual que aquí, le dio mandanga de la buena a la chica protagonista. Al menos aquí es un Voyeur, algo perturbado si cabe.

Pues bien, Phillip Noyce un experto en thrillers cargados de suspense, que ya lo demostró con su espectacular ejercicio de adrenalina en “Calma Total”, recurre a la simpleza más tópica, donde prácticamente todo se resume en el “acoso a la intimidad”. Lo que comienza como un juego prohibido y excitante, espiando a tu vecino o vecina, al final se convierte en una pesadilla. Aunque ya venía de antes, pues la hermana de la protagonista se suicido en el mismo lugar, por falta de pruebas no pudo probarse que fuese un crimen pasional o simplemente un asesinato.

Pues bien, ahí es donde entra en juego el raro personaje al que da vida William Baldwin, un tipo que se dedica a espiar a sus vecinos, pues es un importante diseñador de videojuegos con amplios conocimientos informáticos (en 1993) y nadie se entera de su morboso pasatiempo, no hasta que aparece Stone, con sus deleites visuales y acaba descubriendo el pastel.
Entre tanto, el asesino supuestamente sigue por ahí pululando, Tom Berenguer el periodista que investigó el crimen también es uno de los sospechosos.
Y cuando ya creías que tenías claro quien era el asesino, al final, ¡sorpresa! Muy previsible…

En fin, no es una película espectacular, pero entretiene. Y Sharon Stone está estupenda en su interpretación, aunque me gusta más como mujer fatal que como víctima.

El cine de animación suele ser divertido, en esté caso lo es, y además con una historia interesante, donde criaturas terroríficas de la noche se ven reunidas para una fiesta de cumpleaños.
Para estos seres de pesadilla, su auténtico monstruo es el ser humano, que durante siglos fue quien les persiguió para acabar con ellos.

Uno de los mayores inconveniente que le he encontrado a esté largometraje es la incursión musical, lo cual da verdadera vergüenza ver. Esa música ratonera, después el hip hop… vamos para nenes de hoy en día. Yo únicamente, prefiero disfrutar del poco humor que hay.

Me esperaba algo más gracioso, también me esperaba una calidad de animación más destacada, aún así no es algo que me desagrade en su totalidad… pero me esperaba bastante más. Es demasiado simple, incluso para ser animación.

El doblaje en castellano no ayudó demasiado a que fuese más divertida, pues quizá incluso lo deterioro. Si tuviese 12 años menos, posiblemente me hubiese hecho gracia.
Algo con lo que me quedo, es el hombre lobo en la parte final, cuando se encuentra a las ovejas que entorpecen el camino.

El guionista de “Cloverfield” y “Lost”, Drew Goddard, debuta en la dirección con está siniestra aventura de horror, ideada por Joss Whedon, director de “Los Vengadores”.
Con un reparto de jóvenes promesas, entre las que destaca Chris Hemsworth, más conocido como “Thor”. Pero el protagonismo absoluto se reparte entre Kristen Connolly, que realiza una actuación magnífica con un giro inesperado, y Fran Kranz, quien aporta el humor a está historia de terror. Muy acertado además.

Al principio “The Cabin on the Woods” es como cualquier otra película de terror de la década de los ochenta, se nota una sensación de homenaje a “Las Colinas Tienen Ojos” al comienzo, y más adelante, una vez en la cabaña, un claro homenaje a “Posesión Infernal”. También el paseo por el bosque deja entrever algo de influencia de “Viernes 13”. Al menos esas son las sensaciones que a mi me llegaron con las secuencias hasta mitad de la película.
Pero una vez llegados a algo más de la mitad del largometraje, nos espera una sorpresa tremenda.

Su clásica pesadilla de terror controlada por una especie de Gran Hermano, que todo lo ve y todo lo controla (¿digno guiño a “1984”?) es la parte original de está historia.
La elección de los muchachos en el sótano, dará paso al horror que vivirán más adelante, y su elección es un libro que resucitará a los muertos con sus pasajes en latín. Unos zombis sedientos de venganza serán sus verdugos, y entre los zombis veremos a Jodelle Ferland, la niña de “Silent Hill”, quien se está convirtiendo poco a poco en la niña del terror, pues su aparición en cantidad de Films de esté género es asombrosa.

Algo que como siempre trato de recordar y me desilusiona muchísimo es la participación de la banda sonora en las escenas más escabrosas, lo cual debería ser más detallado para crear la atmosfera de horror que merecen eses momentos de suspense, y que por supuesto, aquí es inexistente.
Una cosa parecida a los efectos visuales, que al principio son bastante regulares. Momentos como el águila sobrevolando el túnel, después la muerte de Hemsworth… pero brillantemente recompensados con unas criaturas de pesadilla espectaculares, aunque ese payaso de “IT” es totalmente nefasto, ni siquiera sobresalta su aparición.

Realmente quedé alucinado cuando los dos jóvenes se infiltran en las instalaciones y allí, liberan a los monstruos.
Unos monstruos terroríficos que siembran el caos, y una oleada de sangre y muerte, aliciente de calidad para mí.
Ya en la parte final el giro inesperado del que hablé anteriormente, y sorpresa en la aparición de una heroína del terror.
Los dioses antiguos, no sé si es una influencia o un homenaje a Lovecraft, es un toque especial a una historia alucinante.
Sin duda, la película de terror del año (2011). Genial de principio a fin.

Supongo que aquellos/as que hayan visto está película podrán sacar sus propias conclusiones de lo que esté experimental film trata de transmitir. Yo no sé hasta que punto estoy de acertado o de equivocado en cuanto a la idea original del guionista para su historia, quizá lo que trata de explicar es un tema más profundo de lo normal, y más si cuando él mismo afirma que lo escribió en medio de una separación matrimonial.
Si bien es cierto que leyendo alguna curiosidad aquí y allá he podido unir algunos fragmentos, en los que la crítica social y política están ciertamente presentes, también se puede respirar cierto contenido misógino. Unido al hecho de haber sido filmada durante la época de la guerra fría, y en Alemania, su guionista es Polaco, por tanto ni me imagino cuantas ideas escabrosas habrán sido mezcladas para este surrealista largometraje, que nada tiene que envidiarle al cine de David Lynch.
Incluso pondría la mano en el fuego porque el propio Lynch se ha influenciado de su esencia para sus posteriores trabajos a 1982.
Y ni que decir de esa alusión a la nueva carne de Cronenberg. Creo que todos/as los/as que hemos visto la película nos pondremos de acuerdo en esas secuencias.

Viendo la película, boquiabierto desde el primer minuto, ésta me ha hecho acordarme de otras películas como “La Semilla del Mal” o “La Centinela”, es normal dada la estética malsana de la película, la ambientación gris que produce esa sensación deprimente durante sus dos horas y que la gran mayoría de escenas están desarrolladas en pisos o plantas de edificios… pero ya advierto ahora de que no tienen nada que ver.
Como he dicho, la ambientación es terrorífica y un gran aliciente para una historia como la que tenemos aquí, lo cual ha quedado como anillo al dedo, creando ese enfermizo y delirante trasfondo.
Me ha impactado la evolución psicológica de los personajes, donde Sam Neill ha estado sensacional. Su personaje comienza un trágico descenso al infierno, desde una depresión autodestructiva, hasta una redención cargada de rencor, pero compensada con comprensión, donde su afecto puede más que su ira, pero donde persiste el sentimiento de venganza.
No me resultó tan fácil de comprender el personaje de Isabelle Adjani, el cual tenía motivos entendibles al principio, pero que poco a poco todo ello se convirtió en una paranoia tan surrealista del que las pocas explicaciones que da son dificiles de descifrar, ¿es una posesión sexual que la tiene absorta en un mundo abyecto?
Terminé de ver la película y me han quedado todavía dudas muy importantes que, por supuesto, no me han hecho entender la película totalmente.
Lo cierto es que si me preguntasen: “¿de qué trata?” no sabría que responder, porque ni yo mismo la he entendido al 100%.

No me ha disgustado, pero ni con un segundo visionado podría comprender su mensaje.
Algunas secuencias son totalmente incoherentes, cargadas con diálogos delirantes y actuaciones hipnóticas, sobre todo pasando la mitad de la película.
Una vez llegado al final, el personaje de Helen (interpretado también por Adjani) es poseída por la criatura que se ha ido formando durante el transcurso del film, para cerrarse sin explicación alguna.

Mis teorias...
Es posible que lo que el personaje de Anna trataba de crear durante toda su surrealista paranoia era el modelo de marido perfecto, es decir, un nuevo Mark como a ella le gustaría que hubiese sido el verdadero.
La muerte de éste al final, le daría al nuevo Mark el camino hacía su hijo, para empezar una vida juntos con Helen y el niño, destruyendo así la terrible situación vivida por Anna y Mark en el pasado, formada por infidelidad y ausencia, en la que el niño pagaba el dolor del matrimonio, reconvertido en una pesadilla constante.
Realmente no sé si es así o no, realmente no sé si la criatura era un demonio o era la representación perfecta del marido ideal. No puedo ponerme en la situación del guionista, porque si él plasmó su depresión sufrida por la separación que le llevo a convertirla en está historia, es algo muy personal en lo que cada uno lo sufre y representa de una manera distinta.

Uno de los subtítulos de la carátula dice lo siguiente: “She created a monster as her secret lover!” así que supongo que la idea que me he hecho no es muy lejana a la pretendida originalmente, pero aún así, es bastante incoherente porque deja muchos vacíos en diálogos y situaciones, dudas progresivas y no termina de explicar nada concreto, además que Adjani, durante una secuencia habla sobre su fe y su suerte, lo cual tampoco me ayudó a comprenderlo totalmente.
Si su fe muere, debe cuidar su suerte. ¿Qué es lo que realmente quiere decir?
En fin, si algún día logro entenderlo será todo un reto para mi, pero hasta el momento puedo admitir que he quedado alucinado, boquiabierto y sin apenas pestañear, incluso sufriendo el dolor de los protagonistas, dejándome una sensación enorme de malestar, pero aplaudo esa representación, pues ha sido un viaje alucinante al fondo de la locura (se nota el homenaje/influencia Lovecraftniano en la película ¿no?) y pocas películas consiguen transmitir sensaciones tan siniestras y escalofriantes como lo ha hecho está.

Después de darle muchas vueltas mientras estuve escribiendo está reseña, el mensaje que personalmente he sacado de está aventura bizarra es que, una vez hecho el daño es difícil curarlo al momento. No todos somos iguales, pero el ser humano está repleto de enorme fallos, cuando se habla de sinceridad siempre es de forma hipocrita, aunque parezca que no.
Pero si no existe ningún modo de arreglar el daño y lo que no comprendemos es un mal mayor, solo queda sufrir la frustracción y el dolor se paga con más dolor, en el cual se ven afectados no solo ellos, sino quienes están a su alrededor.
Así se abré paso a una redención. La enfermiza redención en la que Adjani sufre por su infidelidad cometida, por su relación actual con su marido, por su hijo... y ¿cómo lo arregla? creando un nuevo sentido a su relación sentimental. Su verdadero Mark se convierte poco a poco en un monstruo, ella trata de buscar uno totalmente contrario, que sea comprensivo, modélico y que la satisfaga, al que no quiere decepcionar y está dispuesta a cambiar su anterior vida por otra con él, siendo exclava de una pasión que vaya más allá de dimensiones y limites imaginados.

La escena de la iglesia es como una representación de esa redención, una parte de ella admite su culpabilidad pero la otra busca su propio beneficio, hay una constante batalla entre el bien y el mal. La crítica realista es que no existe una fe, ni un dios, nadie que no seas tú te ayudará a arreglar lo que has hecho mal en una circunstancia similar, por eso solo le queda su suerte... pero, ¿cúal es su suerte?

Película de estilo Grindhouse con situaciones tópicas, en el que su resultado final se puede averiguar con antelación.
El problema de está película es mezclar la situación actual con la situación pasada, y repetir una y otra vez la misma secuencia entremedias de lo vivido anteriormente al asalto. Es un poco lioso dicho así, pero una vez vista la película todo se aclara.
Me dio la sensación de que el director trata de imitar el estilo de Tarantino durante la película, y la verdad es que no me ha convencido, porque la historia de la película es totalmente vacía.

En realidad estamos ante una película que no quiere contar nada, y que cuanto más avanza más absurda es. Su final también es absurdo, y previsible.
Las actuaciones de los/as protagonistas intentan cubrir ese hueco con unos personajes bien realizados, pero con un guión tan desastroso incluso el propio Bruce Willis resulta nefasto, y Forest Whitaker, quien realiza una interpretación brillante hasta el momento de declararse a Tes.
Realmente quedas “OWNED” viendo esa secuencia.

Bruce Willis da una de cal y otra de arena. Su primer diálogo con Tes es… patético, aunque su segundo diálogo con Ronny, es más interesante y acertado.
De la misma forma, Whitaker, sus primeros minutos son espectaculares, incluso durante la tensa situación de “¿Quién dispara primero?” realiza una genial actuación, pero ahí es el guión quien la caga épicamente.

Me gustó su banda sonora, compuesta en su gran mayoría por temas musicales de los setenta y ochenta.
La ambientación recuerda a las películas de imagen gastada ambientadas en la américa profunda, en la zona sureña.
Breve cameo para Brad Douriff, haciendo nuevamente de sheriff, aunque su personaje no tiene relevancia alguna.

En fin... resulta entretenida, aunque si la ves sin esperarte ni exigirle nada. Un thriller muy simple, que no merece la pena salvo que seas seguidor de Willis.

Woochi es una aventura fantástica con una gran similitud en su historia a aquellas películas de fantasía chinas de la década de los ochenta (si, esas de los “chinos voladores”).
Estamos ante una divertida historia repleta de humor, con algunas secuencias un poco ridículas y diálogos absurdos, todo sea dicho.
Pero es una película de buenas intenciones, trata de entretener desde el primer minuto y no es que sea precisamente corta, pues dura algo más de dos horas, durante las cuales no habrá ni un momento para el bostezo.

Los efectos visuales son bastante regulares, a veces destacan y otras veces son realmente aborrecibles. Pero en esté caso no ha sido algo que me haya perjudicado a la hora de verla.
Algo que ayudó mucho a está película ha sido el doblaje en castellano, sobre todo el realizado en Woochi (su doblador es el mismo que dobla a Johnny Depp). Hace que sus comentarios sean mucho más divertidos y graciosos. También Kang Dong-won realiza una actuación muy buena.

Entre los protagonistas de la historia aparece una cara conocida, Lim Su-jeong, la protagonista de “Dos Hermanas”. Aquí realiza una interpretación tan divertida como la de los demás protagonistas, pero bien es cierto que su personaje es demasiado secundario y apenas aporta interés, salvo ser la protagonista del romance con Woochi.
Sobre los tres dioses, ni que decir, es partirse continuamente de risa, sobre todo cuando están en la época actual.
Lo cierto es que me reí bastante con la película. Me esperaba seriedad y me encuentro una frikada digna de las cutre/gore películas japonesas, pero sin bizarradas.