De las mejores entregas de la saga pero no por eso es una buena película.
A mí, en lo personal, me entretuvo mucho pero no tiene una gran calidad fílmica.
Los efectos especiales son tan malos que pasan a ser buenos y así con todo; pega la vuelta y termina siendo un film divertido y que no aburre.
Está lleno de cameos a celebridades como Tony Hawk o Dolph Lundgren y lleno de cameos de películas como las excelentes “Indiana Jones“ o “Volver al Futuro“.
Aceptable!
De esas secuelas que superan a sus antecesoras. Una segunda entrega plagada de emociones y batallas.
El film es una continuación directa de “The Witch: Part 1“ lo cuál me gustó, sumado a que la calidad fílmica no decayó ni un poco con respecto a la anterior.
Tiene una trama que atrapa y no abure ni decae en ningún momento durante todo el metraje; y eso que no es corta.
Los efectos especiales, así como el apartado técnico en general, es excelente.
La fotografía y los decorados son fabulosos.
Muy recomendable. Ojalá saquen una tercera entrega!
Película sobre unos cuervos asesinos que van sembrando el caos en una pequeña comunidad rural , unos pájaros infectados por el famoso virus de las vacas locas ,cabe señalar que para ser un telefilm cuenta con unos efectos aceptables , además de que los cuervos hacen pasar malos momentos a las víctimas pero este estilo de películas con agrupaciones de animales asesinos resultan muy predecibles y casi por lo regular manejan unas escenas muy similares ,es el clásico producto que solo sirve para rellenar la programación de un canal y en un horario no muy habitual
Interesante película de brandon cronenberg el hijo de david cronenberg presentandonos una historia confusa cargada de violencia , buenos efectos y unas escenas surrealistas admirables, en la que una joven adinerada y un escritor humilde durante sus vacaciones en “La Tolqa” terminan conociendo a una misteriosa pareja los cuales poco a poco va involucrando al protagonista en una serie de situaciones desfavorables en las que incluyen sexo, drogas y violencia destacando mia goth en su papel de lunática , pareciera que la película no tiene mucha coherencia aunque maneja muy bien su narrativa y termina haciendo una buena crítica social
Película bastante interesante dirigida por el gran William Brent Bell director contemporáneo del cine de terror actual que está detrás de the orphan 2, wer y la infravalorada Devil Inside esta vez nos mete a una historia de paganismo forklore y rituales satánicos ambientada en un pueblo lejano donde una niña desaparece en la celebración de la cosecha y la madre que es reverenda de ese lugar comienza a averiguar y así descubre secretos de esa aldea.
La película a pesar de ser lenta no es mala, tiene escenas escalofriantes y personajes siniestros con el pasar del tiempo sabes que no se puede confiar en nadie, quizás la escena del Wendigo queda algo extraña dentro de la historia pero para el era la ofrenda que querían.
Las actuaciones son regulares pero la protagonista destaca del resto y sabe llevar bien todo hasta el final y la verdad recomiendo verla en especial si te gustan las historias de paganismo a lo Wicker Man.
Adaptacion de videojuego que sinceremente no lo conozco, en su trama que es totalmente simple y previsible, vemos a Mark Walbergh que es un policia que sufre la perdida de su esposa e hija en manos de un grupo de adictos, a partir de alli busca venganza, tiene buenos efectos, lo que me atrajo en verla es el elenco además del protagonista tambien están Olga Kurylenco, Mila Kunis, Beau Bridges y Chris O“ donell entre varios mas, lo que entendi es que detras del asesinato de la esposa de Mark,(ella estaba investigando para un laboratorio) está una red de narcos que trafican una droga utilizada en soldados en medio oriente, esta droga los deshinibe y les infunde valor, quizás por momentos es un policial comun y la hace lenta, pero la estetica invernal nocturna le suma mucho.
Peli de finales de los 80 y carne de videoclub que no es una maravilla, es bastante floja, pero se deja ver, cinta que toca varios palos, entre ellos un ligero toque slasher.
La historia trata sobre un individuo que pilla a su mujer en la cama con un amigo, a raíz de esto al colega se le va la pinza y es ingresado en un psiquiátrico, en un descuido escapa, y a partir de ahí comienza una cacería donde cualquiera que se le ponga por delante es víctima en potencia, sin olvidarse de su mujer a la que busca para acabar con ella.
Decir que la máscara que lleva el prota para cometer los crímenes es más cutre que un trabajo hecho por un abuelo de 90 años, pero tiene cierto encanto de lo petarda que es.
Producto de videoclub para pasar un rato entretenido.
No me andaré por las ramas. De las novelas que he leído de Stephen King (ni son muchas ni son pocas, me mantengo en la línea del fan medio), “Dreamcatcher“ es tal vez una de las más horribles, amén de desagradables, una lectura que supera las 600 páginas y cuyo origen se da durante una recuperación tras ser atropellado en 1.999 y quedar postrado con una pierna destrozada, varias costillas rotas y sufriendo dolorosas cirugías, a lo que combatió con oxycontin, su nueva droga. Así éste podría ser el perfecto ejemplo de no escribir una historia bajo los efectos de un fármaco, porque una mente sana no percibirá ciertas cosas de la misma forma.
Desde luego el dolor físico y la impotencia de King inundan las páginas de esta fábula a caballo entre el retrato humano, el misterio, la ciencia-ficción con pedigrí alienígena y el horror corporal; estos dos últimos elementos son los que echan por tierra una lectura muy prometedora que, de todos modos, ya se notaba como un pastiche de anteriores relatos suyos. No era muy recomendable llevarla al cine, porque si de excelentes obras suyas han surgido malas películas (independientemente de si son adaptaciones más o menos fieles), era complicado realizar una buena partiendo de un material tan fallido como éste.
La china le tocó al pobre Lawrence Kasdan, interesante artesano que pese al sonoro fracaso de taquilla “Mumford“, gozaba de una carrera consistente...sin embargo todo cambiaría a raíz de asociarse con William Goldman para intentar llevar a cabo la difícil tarea (suicida, a todas luces). Éste es un escritor brillante (presten atención a los diálogos de “Marathon Man“) y ya sabía lo que era adaptar a King, pero de nuevo el punto de partida no es bueno; la estructura sobre el film es prácticamente la misma, empezando por la presentación del grupo protagonista, y simplificando las cosas, sin más remedio.
Estamos ante lo mejor: el tiempo que Kasdan les dedica, brilla su talento como director de actores (contando con este carismático cuarteto: Thomas Jane, Damian Lewis, Tim Olyphant y Jason Lee, quien se merienda al resto cada vez que aparece en pantalla), modela alrededor de ellos una atmósfera melancólica, triste, de presagio y amenaza, presente en el texto, antes de suceder el grave accidente de Jones, el que en sus propias carnes sufrió King, y saltar la narración hacia delante. En realidad el cuarteto recuerda a otros peculiares clanes de amigos que suele introducir en increíbles aventuras.
Los “flashbacks“ ayudan a distinguir mejor las semejanzas entre ellos y el grupo de muchachos de “It“, también unidos contra sádicos abusadores y fuerzas sobrenaturales, o el otro cuarteto de “The Body“; en este caso no hay cadáver sino una chica desaparecida y el abusado en concreto es Douglas (“Duddits“), quien les transfiere sus dones psíquicos. Arquetipos de King observados desde la perspectiva de su dolor en ese momento, el Losers“ Club de “It“ en decidida fase terminal: el suicida Henry, el malogrado Jones, el alcohólico Peter, el solitario “Beaver“...
Pues ojalá se quedara Kasdan con ellos hasta el final, dando a sus historias y reflexiones el protagonismo, y Goldman desarrollara mejor sus personalidades, dejando que la cálida amistad, la nostalgia y el misterio impregnasen la trama, igual que el autor; pero había un obstáculo: la ciencia-ficción, que quiso meter de por medio, y ni a la mitad del libro acontece el momento más repulsivo que imaginó en toda su carrera, ejemplo de cómo el dolor físico puede extrapolarse a terrible experiencia usando la imaginación. El baño como frontera entre el mundo real y el del horror, la aparición de unos bichejos que se arrastran (las “comadrejas de la mierda“) desde la cavidad anal hasta estallar al huésped humano...
Las descripciones extremadamente escatológicas y sangrientas de King acerca de estas versiones extraterrestres de los monstruos de “Shivers“ revolvería las tripas hasta al mismísimo Cronenberg; en la película Kasdan sabe mostrar dichas situaciones de manera más “sutil“ gracias a su buen hacer con la cámara, el montaje y los ángulos, al contrario de lo que siente el lector, que ve las imágenes descritas de frente y en plena cara.
No hay duda de su dominio de la tensión, del nervio y la violencia, ni de que Jason Lee es un actor que lo mismo vale para un roto que para un descosido.
Sin embargo yo, lo siento mucho, he salido de la historia, siento el mismo efecto de rechazo que “Abierto Hasta el Amanecer“, similar en el hecho de la aparición sorpresa de la amenaza...pero aquí no hay risas. Delirante, King, y así Goldman, no sólo continúan con el nuevo argumento abierto (literalmente) por estos visitantes del Espacio con tan aviesas intenciones, que incluso se expanden en forma de esporas y entran en el cuerpo de Jones, sino que lo agrandan y llevan a terrenos rimbombantes. Lo que era un relato de pura claustrofobia en lugares apartados en la línea de “La Cosa“ se viene definitivamente abajo con la intromisión de los militares.
Para interpretar al psicótico coronel Kurtz, un villano horrendo y grotesco dispuesto a liquidar a quien sea para contener la amenaza (y resulta que él es mayor amenaza que una flota de “grayboys“) tenemos a Morgan Freeman...pasadísimo de vueltas, una pura caricatura de expresión rocosa que lanza sermones aquí y allá (igual a su análogo literario, el cual estaba mejor desarrollado) al estilo del repelente sargento Hartman de “La Chaqueta Metálica“. Es un personaje con el que uno no desea compartir ni texto ni escenas, es un desecho fascista concebido a la manera crítica de King.
Y sin embargo aquí le tenemos, adueñándose de la historia cuando desde siempre ha pertenecido a los cuatro amigos; para marcar aún más la diferencia entre la 1.ª y la 2.ª parte, Peter y “Beaver“ son liquidados sin contemplaciones. Poca gracia hace ver desaparecer a Olyphant y Lee, pero así sucede en el libro, por otra parte sí creo que Lewis logra una buena actuación representando su conflicto interior con “mr. Grey“, y plasmándose de una manera tan imaginativa el “almacén de memoria“ de su mente, de nuevo, simplificando la información, los estados de ánimo, el tratamiento psicológico y las emociones...
Fueron puntos originales que el alienígena que poseía a Jones se fascinara por la humanidad y la fortaleza mental de los seres humanos y cómo él detiene su control comiendo carne cruda, ausentes en el guión, que prefiere acercarse a los clichés hollywoodienses sobre invasiones y rudos militares norteamericanos de la cabeza a los pies dando caña al enemigo exterior. Descubrí la película en mi preadolescencia y por eso me cuesta ser con ella todo lo objetivo y cruel que debiera (maldito factor nostalgia), pero Kasdan no está dirigiendo “Independence Day 2“. Se siente excesivo y tedioso aunque él busque espectáculo y entretenimiento.
El último tercio del metraje y la novela comparten la huida de Henry (Jane no captura la complicidad del personaje original) de la base junto a Owen (Tom Sizemore vuelve a evidenciar que sigue siendo un decente secundario), sin ser todo tan grandilocuente como en las páginas.
Lo que no tiene perdón, sin importar el gran trabajo de efectos especiales/digitales, es el cambio del final, donde “Duddits“ se reencuentra así como así con el protagonista y hace frente a “mr. Grey“ en el suministro de agua no con sus poderes psíquicos...sino mutando en extraterrestre también (¡!), terminando esto como si fuera un “kaiju-eiga“ de serie “Z“. No entiendo por qué el otro final rodado, fiel al texto, no acabó en el montaje oficial y quedó como “final alternativo“.
Era de esperar que con una estructura tan desastrosa, ya traída del texto, con el agravante de estar tan reducida y tan apegada al cine de entretenimiento y a la serie “B“, Kasdan sufriera el golpe de otro fracaso donde público y crítica se pusieron de acuerdo. Esta vez con razón...
Hay, no así, una gran película en “El Cazador de Sueños“: dura alrededor de media hora y se basa en la atmósfera, el drama humano, los diálogos y la interacción de personajes. El resto es una caída en picado de pastiches y clichés muy vistos y poco agradables visual y auditivamente (aunque más o menos entretenida, no puedo negarlo); el autor más tarde, sin el efecto del oxycontin en su sangre, lamentaría la existencia del libro y la película, como es lógico.
Ese césped tan bien recortadito de esa casa tan bonita del clásico y bonito barrio norteamericano de los “80, donde nunca sucede nada y los niños crecen sanos y los padres se aburren...pero David Lynch ya nos mostró los oscuros secretos que puede haber bajo el césped, a veces cosas inimaginables, como en esta ocasión.
Ese maldito césped que tantas veces me atrapó en sus alocadas peripecias igual que con millones de niños desde que se estrenó “Cariño, he Encogido a los Niños“. Un grato recuerdo, tal vez dicho césped y dichas peripecias envejezcan, ya han pasado más de tres décadas, pero envejecen tan entrañablemente bien que nada importa; y su razón de existir no se la debemos al afamado director de efectos especiales Joe Johnston, quien tuvo aquí su gran debut tras la cámara, sino a dos individuos lo más alejados posible del cine infantil que se pueda pensar: Brian Yuzna y Stuart Gordon.
Porque realizar tanto cine de terror y humor negro les dejó, durante una barbacoa de fin de semana, pensando en una película que pudiesen ver con sus hijos, y el jardín estaba frente a ellos y surgió la magia...magia que necesitó varios años para cobrar vida; qué diferente habría sido todo si las cosas hubiesen marchado sin cambios, pero Disney no podía gastar mucho dinero, por lo que el guión daría muchas vueltas, y el director de “Re-Animator“ y “Dolls“ enfermó y tuvo que abandonar. Aun así en los mexicanos estudios Churubusco se llevó a cabo una tremenda e imaginativa producción, bien plasmada en pantalla.
Desde el mismo jardín, además. Aunque no haya vivido en aquella época, los barrios de clase media-baja estadounidenses de los “80 traen ese aire nostálgico, el que emana de la cocina de los Szalinski por donde, en una escena posterior tan tonta como icónica, pasará bailando agarrada a una mopa la preciosa Amy O“Neill. Sin embargo al entrar en el desván convertido en zona de pruebas científicas por Wayne (un Rick Moranis más simpático que otras veces) viajamos a los “60, a las películas de Disney con Fred MacMurray en el papel del despistado profesor Brainard, referencia directa. Una mezcla simpática de estilos.
Del guión original se perdieron algunas cosas, pero Tom Schulman sabe conservar el necesario prólogo para desarrollar medianamente bien a los personajes, aunque sea a base de repetidos clichés y arquetipos de este cine (el padre que nunca se ocupa de la familia, la chica pícara que va a lo suyo, el otro padre americano de pura cepa que sólo quiere ver a su retoño jugando al baseball, éste un poco desubicado en la familia, el niño repelente que va de abusón...en fin); el trato de caracteres merecía más tiempo, pero visto lo visto lo que uno desea es que empiece la acción.
Y cuando sucede y pilla a los cuatro jóvenes protagonistas juntos, de una manera casual y harto ridícula, no podemos evitar ver esto como una especie de “Los Goonies“ pasado por el filtro de el “Viaje Alucinante“ hasta el tamaño de “El Increíble Hombre Menguante“. Lo siguiente son una suma de calamidades entre la ignorancia humana (el padre, que barre a los chiquillos y los tira a la basura) y las inclemencias de la naturaleza, y es que como decía antes, ahora el cuarteto Russ/Amy/Ron/Nick aprecia su hogar desde lo profundo del suelo, descubriendo todo un universo interior que se debe temer y respetar al mismo tiempo.
Es increíble que con menos de 20 millones de dólares se creasen esos momentos de grandes efectos especiales, entre lo artesanal y técnicas innovadoras, entre las pantallas verdes, los decorados a escala y los ingeniosos trucos ópticos y de “stop-motion“ que ya se usaban décadas antes; el resultado es atractivo, espectacular para su época, a veces desfasado pero sin perder su encanto, brindándonos escenas como el viaje a lomos de la abeja, la lluvia apocalíptica del aspersor, la caída en el tazón de cereales o la más memorable: la batalla de la hormiga que ayuda a los chicos contra el escorpión.
Y si alguien puede que me aclare qué narices hace un escorpión en el jardín de un barrio tan limpio, ¿por qué no usar mejor una araña? Esta es una de tantas incongruencias que no hay que tomarse en serio, que hacen de la aventura un disparate sin sentido para ver con ojos y mentalidad de niño, también para rendir homenaje a los escorpiones creados por Ray Harryhausen (con “stop-motion“) en “Furia de Titanes“. Johnston, curtido en empresas como “El Retorno del Jedi“ y “En Busca del Arca Perdida“, sigue esta aventura desde un enfoque familiar y luminoso pese a ciertos instantes dramáticos o de gran tensión.
No se puede explicar la manera que tiene de marcar una película a un niño, pero todavía hoy se me saltan las lágrimas con la tragedia de la pobre hormiga (con el asco que me dan en la vida real...). Aun así, “Cariño, he Encogido a los Niños“ se queda en una zona muy “spielbergiana“ y cerca del cine comercial de Robert Zemeckis; de realizarla Gordon el tono hubiera sido más arriesgado y recordaría quizás a Joe Dante o al Spielberg de “El Templo Maldito“. Nunca abandonar esa zona es lo correcto, y la película soporta mejor el paso del tiempo que otras de mismo toque Disney infantil; el guión equilibra las cosas de maravilla precisamente porque es infantil, no infantiloide, que es distinto.
Y lo mejor para los ejecutivos es que, aun con el poco presupuesto invertido, recaudó en taquilla hasta seis veces más, asegurando algo que nunca tuvo que hacerse, ni siquiera pensarse: una franquicia...pero esta, la original, sigue siendo la única y mejor gran hazaña de los Szalinski y los Thompson, pues gana puntos a cada año.
Y se me despertó un gracioso recuerdo, aviso de que esto debe verse con ojos de niño: como Nick yo tampoco entendía lo de que Russ aprendió a hacer la respiración asistida “en clase de francés“. Más tarde pillé por fin la indirecta. Qué tiempos ingenuos aquellos...
En las tierras de una Edad Media oculta por el misterio y la oscuridad, el camino de un joven para armarse caballero, desde un nacimiento pecaminoso hasta la caída terrible de un reino.
Lo increíble se da de la mano con lo histórico del mismo modo que la espada que sostuvo la dama del lago entró a formar parte de la leyenda...
Allí nos dirigimos, a tierra de caballeros y magos, de dragones y profecías, de maleficios y conjuros, más allá de toda concepción conocida, de palabra escrita. John Boorman, caballero de Shepperton del cine más interesante de su generación, no está aquí para darnos una exhaustiva clase de historia cual relamido profesor universitario, sino para sumergirnos en una leyenda, creada a partir del poder de la imaginación, y que ha permanecido en la mente y el corazón de muchos luchando contra el peso de las décadas. Su pasión fue la clave para dar forma a la esplendorosa “Excalibur“, cuyo brillo seguirá iluminando el cine de “espada y brujería“ por toda la eternidad.
Este poder emerge de lugares recónditos, se retroalimenta de curiosas fuentes, fundado en lo mágico, desde que la infancia del director quedase marcada por la saga de Terence H. White “The Once and Future King“, sin embargo es “Le Morte d“Arthur“ la que sostiene al conjunto, esta amada recopilación de cuentos y fábulas artúricas de tan dudosa procedencia que viera la luz en 1.485 como uno de los primeros libros impresos en Gran Bretaña, de autoría concedida a un asesino, violador y prisionero de guerra llamado Thomas Mallory...
No tuvo suerte a la hora de promocionar su costoso y largo guión escrito junto a su amigo Rospo Pallenberg y en su lugar United Artists les propuso adaptar “The Lord of the Rings“, empresa que en aquellos inicios de los “70 parecía incluso más irrealizable que lo que ya tenían pensado. “Excalibur“, que se empieza a desarrollar tras la condena colectiva de su secuela de “El Exorcista“ (otra obra de encargo que se negó a realizar), toma entonces el grueso de “Le Morte“ aplicado a los universos de fantasía oscura de Tolkien, apoteosis de lo legendario, a largo de un rodaje de gran envergadura en Irlanda, entre Wicklow, Kerry y otros condados.
Ahora, punto importante: hay quienes exigen, como si tuvieran el derecho divino a ello, rigor a “Excalibur“, y al no obtenerlo la crucifican sin concesiones. Hemos de comprender entonces que se trata de una película cuya mayor fuente de inspiración es un libro empeñado en construir una aventura con elementos del folclore sobre un mito y destruir cualquier atisbo de rigor histórico en el proceso, además narrado por alguien de identidad nunca del todo probada. Estamos asistiendo a la transmisión de la fábula desde la fábula, y las fábulas están definidas por el poder del ardid narrativo descarado y la historia maquillada; aquí lo que cuenta es eso: la ilusión.
Poco importa que nos introduzcamos en una Edad Media sin mucho detalle, que no existan prólogos que nos sitúen en un contexto claro. Empezamos como debe empezar una leyenda: con una batalla, y así quedamos a merced de las espadas cruzándose en las gargantas de pobres desgraciados, el fuego devorando el bosque y la sangre salpicando la hierba. Gabriel Byrne, aún desconocido, es un repugnante y desagradable Uther Pendragon, quien lucha contra el duque de Cornualles, y siendo fiel a la deconstrucción de la Historia por parte de Mallory, Boorman nos presenta una gesta caballeresca donde los códigos de honor y lealtad no son más que tristes mentiras.
En su visión torcida del género, cercana a la versión de Robert Bresson de 1.974, éste llena el espacio de sombras y destaca la ambición, la traición, la desconfianza y el pecado como los motores de la acción. Ni hay reinos ni hay héroes, y la magia penetra desde lo desconocido a través de las grietas de la realidad para jugar con el destino de los hombres, haciendo que el protagonista de este primer arco no sea Uther, sino Merlin, un sabio y solemne hechicero en la piel de Nicol Williamson, pero también no poco excéntrico, socarrón e irascible. Este es el primero de los tres grandes arcos en que se divide la película, relatando el nacimiento de Arturo.
Nacimiento desde un miserable engaño donde Morgana (le Fay), presente durante dicho acto, se funde con Morgause, su hermana del mito artúrico. Por obra y gracia del guión Uther tiene la espada del agua para vencer a sus enemigos, mucho antes de que Arturo la empuñe, y la irá a clavar en la piedra para su heredero (¿cuándo sucedió eso?), “raptado“ por Merlín.
Se comprimen, tergiversan, mezclan, diversos pasajes para adaptarlos al metraje, provocando la inevitable irregularidad narrativa, ejemplificada en el empleo de las elipsis, siendo la primera usada para separar la muerte de Uther y la liberación de Excalibur por Arturo.
Pero así es la transmisión de la fábula: la línea temporal siempre puede romperse por arte de birlibirloque. Comienza con ese milagro el 2.º largo arco, desde su nombramiento de caballero hasta la caída de su reino; aquí se aprecian más los extraños ardides del guión, que nunca permite a sus personajes ser auténticos personajes, quedando a merced de los giros del destino, las fatalidades y las ambiciones, y cuyas interacciones se basan en ir citando grandilocuentes frases de una fría teatralidad hasta llegar a un excesivo y artificial melodramatismo, en lugar de ser individuos de carne y hueso.
¿Y qué decir de estos Arturo y Merlin? El primero un joven que vive en una familia adoptiva hasta que descubre la verdad, el segundo un ente que aparece cuando la situación lo requiere para ser testigo de la evolución de su “discípulo“ (que, por cierto, no precisa de mucho tiempo para luchar y capitanear grandes ejércitos); en realidad la pareja no deja de ser la versión de “espada y brujería“ de Obi-Wan y Luke Skywalker (y más cuando el parecido físico y la actitud de Williamson y Nigel Terry son sorprendentemente similares a los de Alec Guiness y Mark Hamill).
A este 2.º arco donde se nos ilustra sobre el tiempo de gloria del reinado de Arturo lo marcan dos subtramas además de pequeñas historias de otros tantos personajes: la primera es el amor entre Guenevere, que se casa con el héroe tras un par de miradas y ya, y Lancelot, que aparece de la nada en la historia y hace dudar al anterior sobre su moral de caballero al quebrar la espada sobre su armadura, un mal presagio; la segunda y lo que insufla cuerpo al film es la relación de amistad, admiración e incluso deseo entre Merlin y una crecida Morgana que también llega de no se sabe dónde. Tal vez porque entre Williamson y esta Helen Mirren de “femme fatale“ medieval (y eso que los actores no se llevaban a partir un piñón precisamente) hay una poderosa química que no se atisba en el resto del reparto.
Esta química eleva su protagonismo por encima de Terry, Nicholas Clay y Cherie Lunghi y asegura un efecto mágico en “Excalibur“, quedando plasmado la pasión de Merlin y Morgan en una puesta en escena donde este medievo de violencia, sombras, paganismo y sexo (violaciones e incesto incluídos) es dotado de un color y un brillo especial, entre la vaporosa fotografía de Alex Thomson, la bella dirección artística de Tim Hutchinson y la música de Trevor Jones, elevando cada momento a la más pura abstracción hasta visualizar el bosque como un simbólico dragón mimetizado con la naturaleza.
El 3.er arco se extiende desde la vaticinada miseria del reino hasta el enfrentamiento entre Arturo y Mordred (aquí hijo de él y Morgana), como consecuencia de dos pecados: la infidelidad de Guenevere y la ambición de la bruja. Se intercala en todo esto la mesiánica búsqueda, a través de bosques, cuevas de espectros y páramos desérticos, de un Santo Grial metafísico que hace chocar la presencia de lo divino con la oscura superstición, tomando Perceval el protagonismo sobre el rey (y eso que históricamente Galahad se hizo con la copa y Bedivere devolvió la espada al agua...).
Y Boorman se dirige a la épica más alucinógena en un último tramo de batalla inundado de niebla que recuerda a los combates de los “jidai-geki“ de Kurosawa.
El sol del atardecer impregnado por el rojo de la sangre de la batalla. Arturo y Mordred contra sus armaduras de oro y plata anulándose mutuamente como frutos del pecado para reestablecer el equilibrio en la tierra. Morgana atrapada en el humo encantado de Merlin. La mano de la dama alzándose para recuperar la espada. Guenevere aguardando en el convento. Los cascos de los caballos al son de “O Fortuna“...
A una leyenda no le hace justicia el uso de la palabra o la razón. “Excalibur“ quiere arrastrarnos a este imaginario de sensaciones más allá de cualquier lógica, que habitemos en los sueños, caminemos entre el mito y la eternidad, nos hechicemos por la magia, dejemos embaucar por el encantamiento como la misma Morgana, que seamos parte de los bosques, los lagos, la niebla, como el dragón lo es de la tierra.
De la misma forma que la dama agarra la espada y se la lleva consigo al fondo del lago, Boorman ha agarrado mi corazón y mi mente y se los ha llevado a los recónditos paisajes de su fascinante era medieval...
Siempre se ha dicho que John Ford acabó con el “western“ clásico al matar a Liberty Valance, eso es cierto...
Pero si el veterano sólo lo mató el sr. Barry Sonnenfeld lo vuela por los aires. Y queda algo muy diferente, un Oeste como nunca se había visto antes...
¿O sí se había visto? Aunque todavía alguien lo desconozca el Oeste fue testigo de su burla más disparatada en 1.965, cuando Michael Garrison insufló vitalidad a los obsoletos seriales con una divertida mezcla entre el colorido universo de James Bond y el “western“ en su vertiente más trepidante y desenfadada. ¿Qué sucedió treinta y cuatro años después? Según un gran número de personas la catástrofe del momento; aún no entiendo la razón, y no es por influencia de la nostalgia, ya que el “Wild Wild West“ de Sonnenfeld fue uno de los VHS obligatorios no sólo durante mi infancia, sino también en años posteriores...
Con el paso del tiempo uno tiene la oportunidad de acercarse y ver los detalles, algunos decisivos para que el producto no fuera todo lo redondo que pudo ser. Porque desde la tentación de tener a Richard Donner y Mel Gibson en él cuando ni se hablaba de rodaje pasarían muchas cosas, entre reescrituras, cambios de casting y filmación de nuevo material para contentar al público, sobrepasándose tanto el presupuesto que se convertiría en el film más caro de la Historia de Warner Bros.. La infidelidad a la serie original, que creció con cada modificación de guión, participando hasta catorce manos en ello, puso la guinda para ganarse el odio de todos los implicados, en especial Will Smith.
Se dice rechazó aparecer en “Matrix“ y fue la peor decisión de su carrera (por lo visto se le ha olvidado la de “Independence Day“...); después de trabajar con el director en la amasadora de billones “Men in Black“ está claro que él era la mayor estrella del momento, y en ningún sitio se podría lucir mejor que en esta carísima producción, que desde la primera secuencia, tras unos títulos que homenajean a la serie (en su contexto moderno, se entiende) y esa legendaria partitura del maestro Elmer Bernstein, se nos bombardea con un espectáculo de acción aparatoso.
Es un aviso y lo que precede a la entrada de Smith (porque Jim West es Robert Conrad, eso es así) en el burdel encontrándose cara a cara con un travestido Kevin Kline que cree interpretar a Artemus Gordon (cuando ese simpático papel seguirá siendo de Ross Martin). Sonnenfeld se preocupa más del ritmo frenético, la acción y los planos rápidos cual Roland Emmerich, y su Oeste anacrónico de tipos deformes, mujeres explosivas, disfraces raros, armas innovadoras y demás excentricidades tiene un toque malicioso a lo Shane Black (tras ventilarse cuatro kilos de cocaína) que hay que ver para creer.
El villano es el más memorable de la serie original, Loveless, aquel enano un tanto insoportable encarnado por Michael Dunn, con ínfulas megalomaníacas, pero aquí el Kenneth Branagh más gamberro de su carrera lo transforma en un horripilante ser con la mitad del cuerpo amputado y al que da un tono más siniestro y exageradamente teatralizado. La tarea de estos West y Gordon es muy convencional: encontrar a científicos secuestrados por ese genio del mal, premisa de cómic barato; la travesía tendrá sus grandes momentos de acción en general, pero la química entre Smith y Kline chirría más que las ruedas del actualizado Wanderer.
Química y actuaciones que se ven dañadas por culpa de un guión demasiado precipitado a la vulgaridad, a la grosería y a chistes infantiloides (¿qué se puede esperar de algo escrito por los responsables de “Depredador“ y luego reescrito por los de “Temblores“?), por interacciones poco agradables y personajes desquiciantes; la actuación de Salma Hayek, de quien la cámara sólo capta sus pechos (abultan en pantalla más que Monument Valley), y varias conversaciones interminables sobre el mismo tema entre los protagonistas, son de las cosas más vergonzosas que hallamos aquí (eso y ver a Smith disfrazado de bailarina, terrible imagen).
La verdad es que Hayek es un asombroso cero a la izquierda, igual que la sexy Bai Ling, que parece tener alguna función más allá de seducir a Smith, y nada más lejos. Por otra parte la química de West y Gordon funcionaría mejor si sus papeles no sufrieran del cinismo y la chulería del guión (en la serie eran buenos amigos, aquí se destripan el uno al otro cada vez que pueden). Sin verdaderos personajes (al de Smith se le quiere dar una profundidad mayor a destiempo) sólo queda dejarse llevar por el frenesí descerebrado, entre intensas persecuciones en tren, carreras por maizales esquivando cuchillas gigantes, viajes en aparatos voladores cruzando el desierto...
Y lo más increíble: duelos a puñetazo limpio a bordo de una araña mecánica gigante (obsesión psicótica del productor Jon Peters, que jamás abandonó la idea, incluso quiso usarla en otras películas...). Cuando algo así asoma en pantalla queda claro que usar el sentido común es una gilipollez y preguntarse por cosas más sutiles una gilipollez más grande (no repitan más lo anacrónico del papel de Smith, un agente del Gobierno negro en esos EE.UU. recién salidos de la Guerra Civil...¡cuando hay una araña de 85 metros arrasando pueblos a cañonazos!).
Es un pasatiempo sin sentido, delirante y confuso (pese a la poca sangre vertida, su violencia y extraño humor negro no la hacen precisamente una película comercial para toda la familia), pero un pasatiempo entretenido, de secuencias épicas y grandilocuentes, de ritmo endiablado y acción sin descanso, y Smith y Kline derrochan cierto carisma (éste más en su doble papel).
La mayoría de sus implicados se disculpó o admitió el gran error de haber participado en ella, pero curiosamente esto fue mucho después de recibir los cheques, así que no merece la pena. Para mí, lejos de los ocho Raspberry a los que fue nominada, esta “Wild Wild West“ seguirá teniendo el mismo aberrante y ponzoñoso encanto que la primera vez que la vi.
Debería ser de emisión obligatoria cada 24 de Diciembre.
“Scrooged“ es una de esas películas que ha quedado en el inconsciente colectivo de una manera cercana al culto, con un poderoso encanto difícil de definir. No es nada fácil llevar a la gran pantalla el “Christmas Carol“ de Dickens, uno de los mayores triunfos de la literatura victoriana y cuya influencia a nivel mundial es tan obvia que no es preciso profundizar en ello; fue también el objeto de obsesión de los colegas de “Saturday Night Live“ Michael O“Donoghue y Mitchell Glazer. Pero al igual que le sucede al protagonista de la novela, las cosas no salen como uno quiere y todo va por caminos extraños.
Las piedras que encontró la pareja de guionistas en su camino fueron Bill Murray y Richard Donner: el primero, al tanto del guión desde hacía tiempo, estaba en un amargo retiro por culpa del fracaso de su nueva (e innecesaria) versión de la obra de William S. Maugham “The Razor“s Edge“, y pocas ganas tenía de ponerse ante una producción tan grande; el segundo actuó a la vez de piedra para él, porque, si bien era un hombre hecho a la acción y el espectáculo, no entendía bien los mecanismos de la comedia...a no ser que fuera negra, mordaz y como acompañamiento de la acción.
No hay pocas desagradables anécdotas recorriendo el rodaje de “Scrooged“, de ahí que desde la primera escena se note una sensación de mala sombra planeando por todos lados, desde ese épico inicio donde el mismísimo Papá Noel es atacado y salvado por Lee Majors a golpe de metralleta, un especial navideño que parece dirigido por Tony Scott. Murray se mete a conciencia en su papel, extrapolación del Ebenezer Scrooge clásico al mundo de la televisión norteamericana de los “80, un ejecutivo moldeado a imagen y semejanza de los que el actor y los guionistas conocieron en sus años de “SNL“.
La sátira es brutal, una “Network“ llevada a los altos excesos de la parodia, y Murray sin dificultad para transformarse en un tipejo horrible y chillón, el mejor candidato al sillazo del año en los puñeteros dientes (en realidad sólo una leve exageración de su carácter, más aún cuando no sentía ninguna satisfacción por el millones de veces reescrito guión y la dirección ruidosa de Donner). Pero el rastro de destrucción humano que a su paso deja este “Croscroogurray“ nos atrapa de algún modo, hay un encanto malicioso en él, porque ya estamos habituados al actor y nunca deja de fascinarnos, todo lo contrario que su álter-ego viejo y avaro de la novela.
¿Pero qué ocurre? Que como el guión original está hecho literalmente pedazos cuesta entrar en contacto con el mundo que rodea al protagonista; el ejecutivo chiflado de Robert Mitchum, la antigua amante de Karen Allen, la secretaria de Alfre Woodard y su sufrida familia, el subordinado malparado de Robert “Bobcat“ Goldthwait, el vagabundo aún más malparado de Michael Pollard...todos ellos son grandes actores interpretando personajes maravillosos en los que nunca se profundiza como es debido (y me duele sobre todo por mi adorada Allen, que pasa como una maleta con una perpetua agria sonrisa).
Sólo están ahí como un medio para que el protagonista alcance su redención al acabar la noche (si conocemos la obra de Dickens ya sabemos cual es el fin, no es una gran revelación). Llega lo mejor de la mano del director, experto en locura fantasiosa; se desata la pesadilla, un gran despliegue de efectos especiales para personar a los espíritus del presente, el pasado y el futuro (“diferentes“ de los del libro) y llevar a Frank ante las situaciones que marcaron su existencia y las que van a marcar las de otros por su aviesa conducta y horribles decisiones. La elaborada y oscura puesta en escena y el humor tan negro recuerdan al cine de Joe Dante, Tim Burton y sobre todo “Los Cazafantasmas“.
Pero mejor elección habrían sido los dos primeros, Ivan Reitman o, por ejemplo, John Landis; la parte cómica y humana habría encontrado un mejor equilibrio, tal vez más luminoso y menos cínico que en manos de Donner, pues desde la escena en que Frank presencia su mediocre y solitaria infancia (más cerca de la de Dickens que de la del personaje de Scrooge) el ambiente se tiñe de tristeza, sufrimiento, muerte y un tono sombrío nada agradable para el público infantil (...aunque se podría decir que ese es el tono del libro), siguiendo así durante el aparatoso viaje fantástico, también adornado con golpes de humor nada familiares.
Aunque para golpes los que se llevó el pobre Murray durante el rodaje, que terminó lleno de contusiones (parte de culpa tuvo Carol Kane), otro punto más para hacerle despreciar esta película, como admitiría en varias entrevistas. No así, pese a tanto desacuerdo y tanto odio fuera y dentro del plató, su talento natural para la improvisación nos dio uno de los mejores colofones de la Historia del cine (¿exagerado?, presten atención a cada expresión, mirada y diálogo), cuando Frank decide espetar a toda Norteamérica en qué se basa la esencia de la Navidad y de qué manera puede transformar a los seres humanos.
¿Mensaje obvio?, ¿cursi?, ¿ingenuo? ¡Vaya si lo es!...es tan obvio que parece mentira que haya tenido que ser el peor tipo del Mundo quien se lo grite en plena cara a todo el pueblo. ¿Y cursi? Es una película navideña, este debe ser el mensaje.
Yo aún no puedo evitar llorar durante esos últimos minutos. Una redención espiritual alcanzada, igual que la del actor, que regresó al cine por todo lo alto y con unas buenas ganancias en taquilla, pese a llevarse una terrible experiencia de rodaje...
Un film nórdico con una historia fuera de lo común en la que un joven adinerado vive con un tipo disfrazado de perro el cual tiene la conducta y todos los hábitos similares a los de un can , debo admitir que me pareció absurda durante los primeros minutos aunque posteriormente va tomando algo de coherencia este asunto del perro humano y el dueño , destacando la interpretación del joven trastornado , además de que la historia tiene su cuota de suspenso, pero su propuesta tampoco me pareció nada del otro mundo
Segunda y última peli, mala secuela es este slasher con toques sobrenaturales que jamás se tendría que haber realizado, esto no tiene sentido, ni hay por donde cogerlo.
En esta continuación la protagonista es la misma de la primera parte, pero interpretada por otra actriz, que está ingresada en un psiquiátrico por asesina y loca, más tarde empiezan a suceder cosas extrañas y los pacientes empiezan a caer uno a uno.
FX malos, actuaciones olvidables, historia mala, nada de sangre, nada de tensión, y un final simple y predecible.
Empieza con fuerza y se mantiene así bastante rato, casi hasta el final, pero llega la hora de echar el cierre y la cagan, mucho rollo patatero sin sentido, ya se sabía que la prota no estaba bien del coco y era la culpable, ¿para que tanta tontería al final?, ya desde el momento uno se sabe quien es la culpable.
Hay bastantes muertes, algo de gore, sangre y sospechosos a elegir, pero la duración puede quitarle las ganas de verla a más de uno,
Interesante el tema de mezclar la historia de Jack el Destripador con el slasher, no está nada mal.
Pues la acabo de ver y que queréis que os diga… no hay nada original en esta cinta, ni el modo de filmación que ya lo hemos visto no pocas veces y tampoco es que esté justificado, ni la historia que si la sacas del contexto de grabación es más simple que un cerrojo.
Pero lo peor de todo es la actuación de la protagonista. Yo no sé quién se ha sacado de la manga que esta chica es buena actriz. Ya me pareció patetica en cerdita pero es que aquí es aberrante la sobre actuación que hace. Más allá de su cuerpo, que puede dar juego para ciertas temáticas, no vale dos duros como actriz, no te crees su personaje ni sus diálogos por lo que estropea la película por completo.
un elenco de actores de clase B totalmente desaprovechados en este filme patetico con una idea buena pero que su presupuesto no llega a plasmar bien la idea,,, es de esos casos que el poster es mejor que la pelicula, todo un desastre por donde se la mire, completa desepcion.
olvidable.
Night Swim (Aguas Siniestras) [2024]
Spookymetro: 3 de 6.
BRIEF
Es una película producida por Blum House que empezó como una productora de películas efectivas, pero en años recientes nos han traído muy malas producciones como la trilogía de Halloween de David Gordon Green [48 años] y la naciente, pero muerta trilogía del exorcista, creyentes del año pasado.
Dirigida por aún desconocido Bryce Mcguire. Pero prometedor en su carrera como director.
OPINION.
Considero que la premisa es interesante, al entrar de lleno con las personas que contamos con talasofobia, pero sencillamente no daba para una película completa de 1 hr 38 minutos.
A pesar de tener tintes de originalidad, llega a ser algo cansada y aburrida, sencillamente porque el argumento que el “mal” venga de una piscina hace que muchas de las acciones de los personajes o ciertos momentos se exageren a un punto que te saca por completo de la ficción.
A nivel visual y valor de producción sobresale mucho más que “grandes” películas que se estrenaron el año pasado, por lo cual su director Bryce podría traernos una buena película con el guion correcto. Las actuaciones están bien, pero al igual nada sorprendente ni destacable.
A mi parecer, esto fue intento que Blum House de intentar demostrar que podrían regresar a sus inicios, cuando de ideas simples generaban sagas importantes como actividad paranormal, pero es una casa productora que tiene pésimos escritores, por querer generar “productos” rentables, es decir baratos.
Alpha, en realidad, es una perezosa, deliciosamente diseñada con animatronic, como mandan los cánones de la vieja escuela, que se dedica a sembrar la muerte entre las chicas de una confraternidad universitaria, que han tenido la mala idea de adoptarla como mascota.
Es innegable que resulta divertido ver a un perezoso acechando a sus víctimas, usando Internet o conduciendo un automóvil. Todo es intencionadamente ridículo y le hubiera quedado muy bien aumentar las dosis de violencia, pero prefirieron mantener las cosas dentro del nivel moderado, después de todo parece ser una película destinada al público adolescente.
Tiene sus agradables referencias a slashers clásicos, momentos divertidos, posee un factor de curiosidad innegable, Lisa Ambalavanar es una heroína atractiva y Alpha se roba cada escena en que aparece.
Tres años después del éxito de la película original, la encantadora Lulu Wilson regresa como Becky la adolescente huérfana que disfruta en desatar su ira violenta en contra de tipos desagradables; en este caso, contra un grupo de ultraderechistas llamados los Noble Men que cometen la torpeza de acosarla y robarle su perro Diego.
Por momentos se pone medio aburrida, pero conserva su fresco estilo de novela gráfica adaptada al cine que satisfará tanto a los fans de Becky como a aquellos que solo quieren ver una película entretenida de acción y humor negro.
Una grata sorpresa ver a Sean William Scott, quien se aleja de su típico personaje cómico e interpreta a un “hombre noble“ y nos demuestra que puede interpretar bien a un tipo “amenazador“, de manera similar a como lo hizo Kevin James en la primera película de Becky.
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6
Sharknado 5: Aletamiento Global
De las mejores entregas de la saga pero no por eso es una buena película.A mí, en lo personal, me entretuvo mucho pero no tiene una gran calidad fílmica.
Los efectos especiales son tan malos que pasan a ser buenos y así con todo; pega la vuelta y termina siendo un film divertido y que no aburre.
Está lleno de cameos a celebridades como Tony Hawk o Dolph Lundgren y lleno de cameos de películas como las excelentes “Indiana Jones“ o “Volver al Futuro“.
Aceptable!
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